Thursday, July 31, 2008

La geometría de la música

Tres profesores de música de diferentes universidades estadounidenses han ideado una nueva manera de analizar la música aprovechando la matemática inherente al medio. Han llamado a su sistema 'teoría de la música geométrica', y la idea consiste en trasladar el lenguaje de la teoría musical al de la geometría, cogiendo secuencias de notas, como acordes, ritmos y escalas, y categorizándolas para agruparlas en 'familias'. La explicación completa es un tanto técnica, pero, resumiendo, lo que hacen es traducir la información musical a formas y espacios geométricos.

El proyecto no tiene ningún tipo de reminiscencia artística ni creativa, se trata simplemente de un método para estudiar la música de una manera analítica. [+info]

Dibujar el sonido, escuchar el dibujo

Hace unas semanas ya hablé sobre el tema de los dibujos sonoros, y hoy he encontrado otro artista interesado en ese tipo de asuntos gráficos.

Kichul Kim es un creador que trabaja sobre todo con el sonido, interesándose especialmente por la idea del dibujo sonoro. Él mismo comenta en su página web que: “La razón por la que quiero dibujar con sonido es mostrar la fuerza que cobran las imágenes a través de este. Mientras que las imágenes dejan un rastro, el sonido no. Creo que ese es el elemento que diferencia más una cosa de la otra, aunque el medio sonoro y visual tienen ciertas similitudes. Por eso quiero crear un trazo sonoro. Pese a que el sonido se puede registrar en una cinta o en un CD, no se puede ver. Creo que necesito un sistema nuevo que pueda mostrar el sonido además de dibujarlo; quizás mi trabajo se caracteriza por la búsqueda de un trazo sonoro”.

En la página de Kim podéis encontrar más información sobre sus obras, además del vídeo titulado Sound Drawing 2001-2004 en la sección Movies, que muestra algunos de sus experimentos con dibujos sonoros.

Escuchar en braille

Ototenji de Mika Fukumori es un dispositivo que permite a la gente que puede ver aprender braille fácilmente usando los sentidos de la vista, el oído y el tacto.

El alfabeto Braille japonés consta de 50 símbolos que se crean con combinaciones en una cuadrícula de seis puntos. En esta pieza, se insertan unos pequeños bloques en un panel con seis agujeros, y cuando la figura es una letra del alfabeto braille, se escucha el sonido correspondiente a esa letra.

Aunque no es una obra artística me parece interesante porque aplica la interacción entre imagen y sonido a un proyecto con fines educativos. [+info]

Monday, July 28, 2008

Tractor : Martin Böttger + Bruno Dias



Este es uno de los vídeos que más gusta de lo que me he cruzado por ahí últimamente. Se titula Tractor, con visuales creados en Maya por Martin Böttger y música de Bruno Dias.

Seguramente al verlo muchos pensaréis en la pieza que Alexander Rutterford realizó para el tema Gantz Graf de Autechre. Las similitudes son claras, y ese vídeo de Rutterford sigue siendo uno de los mayores logros de sincronización que uno pueda echarse a los ojos/orejas. A pesar de tener ya sus añitos (es de 2002) no puedo pensar en otra pieza de relojería CGI que pueda superarlo dentro del mundo del vídeo-clip musical.

Comparaciones aparte (casi siempre odiosas, pero a veces son tan obvias que es inevitable hacerlas), esta pieza de Böttger es extraordinariamente limpia, casi abstracta, aunque el objeto que vemos en pantalla representa el eje del motor de un tractor.

En resumen, que a pesar de las similitudes, es lo mejor que he visto en 3D aplicado a vídeo musical desde la fantasía lisérgica de Rutterford. He dicho lisérgica, sí, porque aunque el vídeo de Gantz Graf no sea precisamente psicodélico, su propio autor afirmaba en una entrevista que: "procede de una experiencia interesante que tuve una vez con el LSD".

Wednesday, July 16, 2008

Papiroflexia sonora y orquesta de cremalleras

JooYoun Paek es una artista/diseñadora coreana afincada en Nueva York que a menudo crea interfaces y proyectos relacionados con el sonido desde una perspectiva visual e incluso táctil.



Fold Loud
es una interfaz de juego musical (de)construida que usa las técnicas de pliegue de papel del origami y principios rituales taoistas para ofrecer a los usuarios una sensación de relajación calmada y tranquilizadora. Esta pieza conecta tradiciones antiguas con tecnologías modernas combinando el origami, el sonido de la voz y técnicas interactivas. Al contrario que las tecnologías habituales pensadas para un ritmo de vida rápido, Fold Loud se centra en curar, recuperar y equilibrar. Jugar con Fold Out implica plegar un papel para crear sonidos vocales armónicos. Cada pliegue tiene asignado un sonido diferente, de manera que combinándolos se crean armonías. Los usuarios pueden doblar varias hojas al mismo tiempo para producir un coro. Los circuitos abiertos creados con un tejido conductor están cosidos de manera visible, de forma que creen una estética meta-tecnológica. Cuando se pliegan las hojas usando las marcas, el circuito se cierra y actúa como interruptor. La interfaz guía a los participantes para que hagan gestos delicados y repetitivos con las manos, como girar, presionar y doblar. Se invita a los usuarios a relajarse, reflejando diferentes sentidos físicos al manipular el papel para crear tanto objetos geométricos como una armonía.



Zipper Orchestra es una instalación de vídeo interactiva que combina un lienzo con cremalleras que funciona como controlador físico y un vídeo con un collage de cremalleras que actúa como pantalla musical. Los usuarios pueden jugar con la música abriendo y cerrando las cremalleras físicas. La pantalla contiene nueve clips de vídeo de gente diferente abriendo y cerrando cremalleras de su ropa. Moviendo las nueve cremalleras del lienzo, los usuarios pueden controlar los movimientos de las cremalleras de la pantalla. Hay además una cremallera principal que controla los nueve vídeos al mismo tiempo. Al jugar con la orquesta de cremalleras, el usuario crea armonías visuales y acústicas interactuando con otras personas y experimentado sensaciones abiertamente sensuales.

Podéis encontrar más imágenes y vídeos en la página de la artista.

Sunday, July 13, 2008

Gas : Vapourware Oscilloscope



Según el propio autor del vídeo, "esto es lo que ocurre cuando pasas algunas formas de onda electrónicas en crudo a través de un voltaje a un convertidor de rayos de electrones, comunmente conocido como osciloscopio, y mapeas los voltajes de entrada a curvas de Lissajous. Pura entrada analógica : salida analógica". No obstante, no se trata de las imágenes del osciloscopio tal cual, ya que el vídeo está editado y lo que se ve son varias capas superpuestas, en algunos momentos hasta 16 [+info]

La música es Vapourware, del álbum Gas 095.

superDraw + Color Is Luxury



Este es un fragmento de una actuación en directo de Color Is Luxury (música) y Joshue Ott (vídeo). Sobre Ott ya escribí un comentario hace unos meses, respecto a la herramienta que usa para trabajar en directo, una aplicación creada con Processing.

Untitled Sound Objects (Live in Montreal, Elektra Festival 2008)



En los Untitled Sound Objects, Pe Lang y Zimoun usan materiales físicos para generar sonidos haciéndolos vibrar a través de máquinas y robots controlados con un ordenador. Estos dos artistas se centran en la creación de arquitecturas acústicas con una atmósfera orgánica, investigando las propiedades del sonido, los materiales, la resonancia y los sistemas generativos. El resultado es presentado como instalaciones sonoras (exposiciones) o como actuaciones en directo (conciertos audiovisuales).

Saturday, July 12, 2008

Bruce Conner [1933-2008 in memoriam]

Creo que la primera vez que escuché el nombre de Bruce Conner fue en el libro El arte cinematográfico (David Brodwell y Kristin Thompson, Paidós), en el que se cita A Movie (1958) como un ejemplo de montaje asociativo. Este ensayo exhaustivo dedica cuatro páginas a la pieza de Conner dentro del capítulo El estilo como sistema formal. No tuve la oportunidad de ver ningún trabajo de Conner hasta algún tiempo después —en aquella época Internet no era lo que es ahora, y era difícil encontrar este tipo de cosas, así que uno tenía que esperar a que a algún museo cercano se le ocurriese proyectarlo. La ocasión llegó en 2002, cuando el Macba programó un ciclo titulado Buen rollo que giraba en torno a las culturas musicales, con un especial énfasis en sus aspectos políticos y sociales. El filme de Conner incluido en el programa era Breakaway (1966), un corto musical de cinco minutos en el que se ve a Antonia Christina Basilotta (Toni Basil) bailando entrecortadamente con y sin ropa. El tema que suena, de la propia Basil, sólo dura dos minutos y medio, después de los cuales el corto se vuelve a ver en sentido inverso hasta llegar al principio. Breakaway tiene mucho que ver con lo que hoy consideramos el vídeo-musical, y diría que gran parte de la industria del vídeo-clip 'arty' le debe más a Conner de lo que está dispuesta a admitir.

No obstante, Breakaway no es un trabajo muy típico dentro del universo de Conner, ya que lo rodó el mismo, cuando lo habitual en él era trabajar con found footage. Un ejemplo más famoso que sí entra dentro su estilo clásico es la pieza que hizo para Mongoloid (1978), de Devo, un montaje de fragmentos encontrados que critica con ironía la vida de esos personajes insulsos y grises que forman el grueso de la sociedad del bienestar.



Otra pieza en la línea de Mongoloid es America is Waiting (1982), en este caso sobre un corte de Brian Eno y David Byrne. Imágenes que reflexionan una vez más sobre la cultura americana, subrayando especialmente la belicosidad y el patriotismo.

Para el mismo disco, My Life in the Bush of Ghosts, Conner realizó también Mea Culpa (1981), una pieza de tintes más abstractos y conceptuales, tanto a nivel sonoro como visual.



Conner creó además cortometrajes musicales para Terry Riley y Patrick Gleeson, pero como no he tenido el placer de verlos poco puedo decir.

Thursday, July 10, 2008

Tempest : Erich Berger



La instalación/performance audiovisual TEMPEST de Erich Berger debe su nombre a una palabra en código del gobierno estadounidense que designa una gama de estándares para limitar las emanaciones eléctricas o electromagnéticas de equipos electrónicos como microchips, monitores o impresoras.

En 1985, Wim van Eck publicó el primer análisis técnico sin clasificar sobre los riesgos de seguridad de las emanaciones de los monitores de los ordenadores. A raíz de esa investigación, las radiaciones de los monitores de los ordenadores se suelen llamar 'radiación Van Eck', y las tecnologías de vigilancia relacionadas con ellas 'Van Eck Phreaking'. El 'Van Eck Phreaking' significa que los contenidos de la pantalla del ordenador se pueden reconstruir a distancia recogiendo el campo EM emitido por la pantalla.

Cualquier aparato electrónico que esté encendido (un móvil, un portátil, un receptor GPS) genera emisiones electromagnéticas constantes, incluso si está en modo de reposo. Los diseñadores británicos Anthony Dunne y Fiona Raby lo llamaron 'la vida secreta de los objetos electrónicos' al percibir que la actividad de la tecnología electrónica no es transparente ni está sujeta a la manera en que la usan los consumidores; bajo esas interfaces agradables se ocultan procesos autónomos con sus propias dinámicas.

Tempest utiliza los principios básicos de la técnica 'Van Eck Phreaking' para transformar gráficos puramente generativos en una composición intensa y estricta de sonido, ruido y luz. Siguiendo una larga tradición de tecnologías militares subvertidas para propósitos creativos, Erich Berger crea una pieza audiovisual en la que la relación entre las imágenes y los sonidos viene determinada de manera precisa por las emisiones electromagnéticas producidas por el monitor. Los gráficos que aparecen en la pantalla producen ondas de radio que, al ser capturadas con varias radios sintonizadas en diferentes frecuencias AM, reproducen sonidos definidos y vibrantes que se corresponden con las imágenes. [video]

Tuesday, July 8, 2008

El cine sonoro ya existía antes de inventarse el cine



El cantante de Jazz (1927) se suele citar como la primera película sonora. Sin embargo, la primera película sonora es un filme de 1894-95 titulado Dickson Experimental Sound Film, de William Dickson, uno de los colaboradores de Edison.

En realidad el cine sonoro se inventó más de 30 años antes de lo que se suele afirmar, y lo que es más curioso todavía, la primera película sonora es anterior a la invención del cine... La fecha oficial del nacimiento del cine es el 28 de diciembre de 1895. La razón por la que se señala precisamente ese día es que fue la primera proyección pública, pero en realidad existen decenas de películas en toda regla anteriores a esa fecha.

Saturday, July 5, 2008

Joyería sonora



Yuri Suzuki, un diseñador de productos y músico electrónico japonés que actualmente vive en Londres, diseñó en colaboración con Linda Brothwell y Caren Hartley una serie de joyas sonoras.

El proyecto se inspira en la siguiente pregunta: ¿Cómo puede tener el sonido un valor físico? En estos collares, brazaletes y broches se grabaron surcos sonoros. Los sonidos pueden incluir recuerdos preciados, como las risas de alguien con su abuela, una conversación telefónica con una novia o sonidos registrados durante un viaje o las vacaciones.

Más información, imágenes y vídeos en la propia web y en flickr de Suzuki.

Friday, July 4, 2008

Otolab

Otolab nació en 2001 en Milán de la mano de un grupo de músicos, djs, vjs, vídeo-artistas, realizadores de vídeo, diseñadores de webs, diseñadores gráficos y arquitectos que se embarcaron en un camino común en el área de la música electrónica y la investigación visual.

Los proyectos de Otolab giran en torno a laboratorios, seminarios y actuaciones en directo que siguen los principios del intercambio y el apoyo mutuo y la diseminación libre del conocimiento y la experimentación.

El grupo de trabajo lo componen varios proyectos individuales y colectivos que van desde actuaciones de djs y vjs a instalaciones interactivas, siempre investigando la relación simbiótica entre los sonidos y las imágenes.

Durante sus años de vida, Otolab ha sido invitado a varios festivales nacionales e internacionales, en los que ha presentado espectáculos en vivo, proyectos e instalaciones, además de promocionar sus iniciativas culturales auto-gestionadas. Actualmente, Otolab es una asociación cultural que vive de sus actuaciones, instalaciones y producciones sonoras y audiovisuales.

Entre sus últimos proyectos destacan Animula y Circo Ipnotico.

Animula es una instalación audiovisual en la que cinco formas brillantes están encerradas dentro de un espacio metafísico. Bailan y cantan, dividiéndose y fundiéndose unas en otras.



Circo Ipnotico es un viaje audiovisual improvisado que une tecnologías analógicas y digitales en una experiencia hipnótica.

Wednesday, July 2, 2008

LA AUDIOVISIÓN

LA AUDIOVISIÓN
Introducción a un análisis conjunto de la imagen y el sonido
Michel Chion
Ediciones Paidós

Esta obra presenta el balance de una investigación sobre las relaciones entre el sonido y la imagen que el autor viene elaborando desde hace quince años y de la que aquí ofrece una nueva formulación. En su opinión, las películas sonoras, los videoclips o los programas de televisión no se “ven” sino que se ”audioven”. En otras palabras, los objetos audiovisuales dan lugar a una percepción específica -la audiovisión- que funciona esencialmente por proyección y contaminación recíprocas de lo oído sobre lo visto, o bien “en ausencia”, por sugestión. La audiovisión es, en el sentido técnico de la palabra, un ilusionismo, y su estudio debe resultar obligado tanto para los interesados en la vertiente práctica de la imagen, como para los teóricos del cine y la televisión.

Compositor de música concreta, realizador, investigador, crítico, cronista y profesor en diferentes centros universitarios y profesionales, Michel Chion ha publicado una docena de estudios y ensayos dedicados a su trabajo teórico sobre el cine, la música y el sonido, que sigue siendo el centro de sus investigaciones.

// Frozen



Over the past years, there has been an enormous development in the field of live-presented audio-visual performance art. Owing to digital techniques, image and sound are connected in a way that was previously unthinkable. Frozen is headed in the opposite direction. Frozen pulls the plug and presents audio art, prints, and sculptures as independent, but interconnected works of art.

In the Mediaroom at the Melkweg multi-channel sound pieces can be experienced over an advanced speaker setup, accompanied by sound in a "frozen" form: Images and sculptural objects made using sound as input. These artworks use audio analysis and custom software processes to extract meaningful data from the sound signal, creating a mapping between audio and other media. Frozen will feature digital prints as well as four "sound sculptures" created using digital fabrication technology such as rapid prototyping, CNC and laser cutting, which allow for the direct translation of a digital model into physical form.

Frozen arose in collaboration with the Norwegian artist and curator Marius Watz, whose Generator.x project investigates the implications of generative systems and computational models of creation. The recent exhibition Generator.x 2.0: Beyond the Screen brought together artists and architects to explore the potential of this new mode of creation.

Besides Watz's own contribution, 'audio sculptures' will be on display by Andreas Nicolas Fischer (DE) & Benjamin Maus (DE), Leander Herzog (CH), and Daniel Widrig & Shajay Booshan (UK). These sculptures are based on audioworks by Freiband (Nl, Frans de Waard), and Alexander Rishaug (No).

Frozen is presented in the Melkweg Mediaroom and at Paradiso.

Imágenes
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