Thursday, February 21, 2008

Oye la luz y ve los sonidos

Al presenciar el Kabuki uno recuerda involuntariamente aquella novela norteamericana sobre un hombre al que se le han trastocado los nervios de la vista y del oído, de manera que percibe las vibraciones de la luz como sonidos, y los movimientos del aire como colores: oye la luz y ve los sonidos. Eso es lo que pasa con el Kabuki. "Oímos el movimiento" y "vemos el sonido".

La forma del cine
Sergei Eisenstein
Siglo XXI Editores

No he conseguido averiguar de qué novela habla Eisenstein, así que si alguien lo sabe la información será bien recibida :)

A BRIEF HISTORY OF OPTICAL SYNTHESIS

The technology of synthesizing sound from light is a curious combination of research from the realms of mathematics, physics, electronics and communications theory which found realization in the industries of motion picture films, music, surveillance technology and finally digital communications. As such, it's history is an interesting cross section of 20th century history, reaching from the euphoria of the late 19th Century and early 20th Century inventors (who often struggled between "scientific" and "supernatural" explainations of their work) through the paradigm-smashing experiments of the Soviet avant-garde in the 1920's and 1930's to the cynical clash of ideologies of the Post-war years and finally to the dawn of the digital era in the 1970's...

http://www.umatic.nl/tonewheels_historical.html

Variophone : Yevgeny Alexandrovitch Sholpo

El Variofono (Variophone) fue desarrollado en la Unión Soviética en 1932 por Yevgeny Alexandrovitch Sholpo, usando un método de síntesis óptica gracias al que era posible dibujar las ondas sonoras en película transparente de 35mm. La película se movía con un motor eléctrico de velocidad variable, lo cual permitía cambiar el tono del sonido. Sholpo había empezado a experimentar con el ‘sonido dibujado’ en los años 20, fotografiando dibujos para crear bandas sonoras.

Arseny Avraamov

Arseny Avraamov fue un músico de vanguardia ruso, además de uno de los primeros investigadores sobre la técnica de dibujar el sonido directamente en la película cinematográfica. Avraamov dibujó una pista de sonido óptico (a partir de triángulos fotografiados) para Plan for Great Works (estrenada en 1930), un documental de Abram Room que se considera la primera película sonora rusa. Los dibujos fotografiados de Avraamov formaban parte de un amplio sistema de síntesis de sonido llamado Welttonsystem.

Asimismo, Avraamov dirigió uno de los primeros espectáculos audiovisuales públicos, Гудковая симфония (Sinfonía de sirenas de fábricas, 1922), que incluía coros, sirenas de barcos y fábricas, cañones, metralletas, máquinas de vapor e hidroaviones. El concierto fue dirigido por varios directores usando banderas y pistolas.

Tuesday, February 19, 2008

Sons & Lumières

La exposición “Sons & Lumières: Une histoire du son dans l'art du XXe siècle”, tuvo lugar entre 2004 y 2005 en el Centre Pompidou de París, lo que sigue a continuación es una traducción del texto informativo de la propia página del museo:

En su poema Correspondencias, Baudelaire escribía “los colores, los perfumes y los sonidos se responden”.

El siglo XX, a menudo considerado como un momento de convergencia y de diálogo entre las diferentes artes, ha apreciado repetidamente esa idea. Las artes de la luz, el cine y el vídeo ofrecen a lo largo de todo el siglo un terreno de investigación particularmente fértil para las confrontaciones entre la imagen y el sonido. En el centro de las preocupaciones contemporáneas, el movimiento de interacción de lo visual y lo sonoro expresa una evolución fundamental de la expresión artística.

Recorriendo todo el siglo XX, la exposición "Sons et Lumières" intenta evidenciar los momentos cumbres de esta historia.

"Sons et Lumières" es un proyecto de envergadura que aparece después de la exposición "Vom Klang der Bilder" de Stuttgart en 1985, como la manifestación más amplia consagrada a las relaciones entre el sonido y las artes plásticas en el siglo XX, hasta nuestros días.

Instalada en un espacio de 2.100 m2, reúne más de 400 obras. Además de las obras de artistas prestigiosos (Joseph Beuys, John Cage, Marcel Duchamp, Oskar Fischinger, Rodney Graham, Brion Gysin, Raoul Hausmann, Gary Hill, Vassily Kandinsky, Paul Klee, František Kupka, La Monte Young y Marian Zazeela, Piet Mondrian, Bruce Nauman, Georgia O'Keeffe, Christian Marclay, Yoko Ono, Nam June Paik, Francis Picabia, Jackson Pollock, Robert Rauschenberg, Hans Richter, Luigi Russolo, Arnold Schönberg, Paul Sharits, Bill Viola, James & John Whitney...) el público tendrá la oportunidad de descubrir experiencias menos conocidas con artistas que han jugado un papel fundamental: Boris Bilinsky, Stuart Davis, Arthur Dove, Duncan Grant, Ben Laposky, Alexander László, Thomas Wilfred... Muchas de las piezas no han sido expuestas nunca en Francia.

En el recorrido se abordan sucesivamente tres áreas temáticas que representan tres aspectos importantes del diálogo llevado a cabo en el siglo XX entre lo visual y lo sonoro.

La primera parte explora el desarrollo de las “correspondencias” de Baudelaire, a partir de una abstracción pictórica marcada, como la de Kandinsky o Klee, por la inmaterialidad de la música. Inmediatamente, la pintura se libera progresivamente de su soporte fijo para convertirse en colores en movimiento y ganar la dimensión temporal, gracias a los famosos ‘órganos cromáticos’, una idea lejana que se remonta a la época barroca, a discos, juegos de luz y otros dispositivos, hasta llegar a las primeras obras maestras del cine abstracto.

Las obras abstractas presentadas en la primera parte exprimen la búsqueda de analogías musicales encontrando a veces apoyo en un acompañamiento instrumental. Su campo de referencia se amplía al de la música clásica (Bach constituye un modelo permanente) a composiciones de vanguardia (Schönberg), hasta el jazz y el boogie-woogie.

En la segunda parte de la exposición se aborda un universo sensiblemente diferente: aquel en el que la idea de materializar el sonido (a través de su trascripción, su huella, su conversión en el sentido en el que la interpretan los nuevos medios eléctricos) conduce a convertir las vibraciones sonoras en una de las materias primas de la obra.

Desde los años 20, el cine consigue, con la invención de la pista sonora, fotografiar el sonido. Células fotoeléctricas y osciloscopios son utilizados en las obras con carácter experimental, apostando por la traducción eléctrica directa entre sonido e imágenes.

En los años 60-70 se renueva la problemática delicadamente, desarrollando la forma del entorno: la obra se convierte en un dispositivo de recepción global sumergiendo al espectador en la experiencia física de las vibraciones sonoras y luminosas.

Se hace referencia a una suspensión de la conciencia próxima al sueño, ciertos artistas invitan a una experiencia meditativa: las ondas, sonoras o luminosas, definen el vocabulario de un nuevo paisaje audiovisual, abierto a la plenitud de la experiencia sensorial.

Otros artistas, en respuesta, utilizan la energía y la fuerza de la presión de las ondas acústicas hasta los límites de la tolerancia de los sentidos.

En esta época, la idea de escritura del sonido se releva en las primeras obras de vídeo-arte, que abren un juego audaz con las interferencias entre las señales sonoras y visuales, marcando la llegada de nuevos lenguajes visuales.

Finalmente, la tercera parte es una forma de interrogación. Dando la palabra al ‘ruido’ explorado por los futuristas, John Cage y el movimiento Fluxus, se exponen los aspectos más iconoclastas de la temática. Las obras presentadas se usan para deshacer el mito de las correspondencias con mucha ironía: el azar y los accidentes dictan la interferencia entre las artes y conducen en última instancia a la experiencia del silencio, reanudando lo que fue la última respuesta de John Cage a la “música del mundo”.

Con estas instalaciones totalmente contemporáneas, que se inscriben dentro de reflexiones presentes a lo largo de todo el recorrido, la exposición ofrece un epílogo anclado plenamente en el siglo XXI, dejando la puerta abierta a nuevas interpretaciones.

Acompañada de una obra de referencia con muchas ilustraciones, que presenta una lectura científica y crítica de estas cuestiones, la exposición ofrece una verdadera revisión de las afinidades entre las artes visuales y las artes del sonido, que construyen la sensibilidad audiovisual de nuestro tiempo.

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+info

Dans son poème Correspondances, Baudelaire écrivait "les couleurs, les parfums et les sons se répondent".

Le XXe siècle, souvent considéré comme un moment de convergence et de dialogue des arts, a abondamment décliné ce credo. Les arts de la lumière, le cinéma et la vidéo offrent tout au long du siècle un terrain d'investigation particulièrement fertile aux confrontations entre l'image et le son.

Au coeur des préoccupations contemporaines, le mouvement d'interaction du visuel et du sonore exprime une évolution fondamentale de l'expression artistique.

Couvrant tout le XXe siècle, l'exposition "Sons et Lumières" se propose de mettre en évidence les moments forts de cette histoire.

Projet d'envergure, "Sons et Lumières" apparaît, depuis l'exposition "Vom Klang der Bilder" à Stuttgart en 1985, comme la plus grande manifestation consacrée aux relations entre le son et les arts plastiques au XXe siècle, à ce jour.

Etalée sur près de 2100 m2, elle réunit plus de 400 oeuvres. Outre les oeuvres d'artistes prestigieux (Joseph Beuys, John Cage, Marcel Duchamp, Oskar Fischinger, Rodney Graham, Brion Gysin, Raoul Hausmann, Gary Hill, Vassily Kandinsky, Paul Klee, František Kupka, La Monte Young et Marian Zazeela, Piet Mondrian, Bruce Nauman, Georgia O'Keeffe, Christian Marclay, Yoko Ono, Nam June Paik, Francis Picabia, Jackson Pollock, Robert Rauschenberg, Hans Richter, Luigi Russolo, Arnold Schönberg, Paul Sharits, Bill Viola, James & John Whitney...) le public aura l'occasion de découvrir des expériences moins connues avec des artistes au rôle pourtant essentiel : Boris Bilinsky, Stuart Davis, Arthur Dove, Duncan Grant, Ben Laposky, Alexander László, Thomas Wilfred... Beaucoup de ces oeuvres n'ont jamais été exposées en France.

Trois parties thématiques sont successivement abordées dans le parcours. Elles rendent compte de trois aspects majeurs du dialogue poursuivi au XXe siècle entre le visuel et le sonore.

La première partie explore le devenir des "correspondances" baudelairiennes, à partir d'une abstraction picturale tentée, comme chez Kandinsky ou Klee, par l'immatérialité de la musique. Très tôt, la peinture s'affranchit progressivement de son support fixe pour devenir couleur en mouvement et gagner la dimension temporelle, grâce aux fameux "orgues chromatiques", dont l'idée lointaine remonte à l'époque baroque, et aux rouleaux, jeux de lumière et autres dispositifs jusqu'aux premiers chefs-d'oeuvre du cinéma abstrait.

Les oeuvres abstraites présentées dans la première partie expriment la recherche d'analogies musicales trouvant parfois appui sur un accompagnement instrumental. Leur champ de référence s'étend de la musique classique (Bach constitue un modèle permanent) aux compositions d'avant-garde (Schönberg), jusqu'au jazz et au boogie-woogie.

Dans la deuxième partie l'exposition aborde un univers sensiblement différent : celui où l'idée de matérialiser le son (par sa transcription, son empreinte, sa conversion au sens où l'entendent les nouveaux moyens électriques) conduit à faire des vibrations sonores l'un des matériaux premiers de l'oeuvre.

Dès les années 1920, le cinéma procède, avec l'invention de la piste sonore, à la "photographie du son". Cellules photoélectriques et oscilloscopes sont pris à partie dans des oeuvres à caractère expérimental, misant sur la traduction électrique directe entre sons et images.

Les années 1960-70 renouvellent en profondeur la problématique, en développant la forme de l'environnement : l'oeuvre devient un dispositif de perception global plongeant le spectateur lui-même dans l'expérience physique des vibrations sonores et lumineuses.

Se référant à la suspension de la conscience propre au rêve, certains artistes invitent par là même à une expérience méditative : les ondes, qu'elles soient sonores ou lumineuses, définissent le vocabulaire d'un nouveau paysage audiovisuel, ouvert à la plénitude de l'expérience sensorielle.

D'autres artistes, en revanche, utilisent l'énergie et la force de pression des ondes acoustiques jusqu'aux limites de la tolérance des sens.

A cette époque, l'idée d'écriture du son est relayée par les premières oeuvres d'art vidéo, qui tirent un parti audacieux des interférences entre les signaux sonores et visuels, marquant l'avènement de nouveaux langages audiovisuels.

La troisième partie enfin, est en forme d'interrogation. Donnant la parole au "bruit" exploré par les futuristes, à John Cage et au mouvement Fluxus, elle expose les aspects les plus iconoclastes de la thématique. Les oeuvres présentées s'emploient à défaire le mythe des correspondances avec force ironie : hasards et accidents dictent l'interférence entre les arts et conduisent en dernière instance jusqu'à l'expérience du silence, renouant avec ce qui fut la réponse ultime de John Cage à la "musique du monde".

Enfin, avec quelques installations très contemporaines, qui s'inscrivent dans les réflexions retracées tout au long du parcours, l'exposition offre un épilogue ancré de plain pied dans le XXIe siècle, laissant la voie ouverte à de nouvelles interprétations.

Accompagnée d'un ouvrage de référence abondamment illustré, présentant une lecture scientifique et critique de ces questions, l'exposition offre un véritable bilan des affinités entre les arts visuels et les arts du son, qui ont construit la sensibilité audiovisuelle de notre temps.

Monday, February 18, 2008

Léopold Survage : Rythme coloré

Léopold Survage es un pintor de origen ruso que en 1908 se traslada a París, donde entra en contacto con la vanguardia de la época y trabaja como afinador de pianos; un negocio que conoce bien gracias a sus estudios musicales y a que su familia tiene una fábrica de pianos.

A partir de 1912, Survage empieza a pintar una serie de obras abstractas titulada Ritmo coloreado, parte de la cual es expuesta un par de veces durante 1913 y 1914. No obstante, la idea era que estas pinturas fuesen filmadas con uno de los nuevos procesos en color que se acababan de desarrollar. Survage pretendía que la compañía Gaumont financiara su película abstracta, que hubiese sido anterior a los experimentos de Viking Eggeling y Hans Richter, pero al estallar la I Guerra Mundial vendió muchas de las pinturas y el proyecto no llegó a rodarse.

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Around 1911 "the Finnish/Danish/Russian Leopold Survage (then resident in Paris, and friends with Picasso and Modigliani) prepared hundreds of sequential paintings for an abstract film Rythme Coloré, which he hoped to film in one of the new multicolor processes that were being developed, but the onset of World War I prevented that; he sold a number of the paintings, so that they were widely dispersed and have still not been filmed."

http://homepage.eircom.net/~musima/visualmusic/visualmusic.htm

Friday, February 15, 2008

superDraw : Joshue Ott

Hace unos días compré el CD de Morgan Packard Airships Fill the Sky sin la más remota idea de qué se trataba. Sinceramente, tengo que decir que el CD en sí no me atre mucho, no es que sea malo, digamos que este tipo de IDM no acaba de sintonizar con mi cerebro. Lo que sí me resultó bastante curioso es el DVD que incluye, en el que se desarrolla una pieza más minimalista y abstracta con visuales creados con un software llamado superDraw, que viene a ser un programa creado con processing que funciona dibujando en directo. Aunque los visuales son atractivos, la estética es un poco típica de processing, todo hay que decirlo. De todas formas, me parece interesante porque se trata de un acercamiento a los visuales en directo mucho más intuitivo y sencillo de lo acostumbrado.

http://www.intervalstudios.com/superdraw/

superDraw is a platform for visual expression using drawing. At the most basic level it is a simple line drawing program. The aim is to give the artist super powers by enabling them to do things impossible with pen and paper while retaining the basic idea of a drawing interface. superDraw explores the idea of storing animation within a single line. The artist has complete control of all aspects of the line and it's visual representation.

application
In its current iteration, the program is being used as a visual instrument, providing visuals for live music.

The artist is encouraged to respond to what they hear, rather than rely on automatic processes. This allows a greater freedom of expression and deeper collaboration between artist and musician. SuperDraw becomes an instrument itself, adding to the overall performance.

Possible future directions for the program include interactive video installations, dance performances, physical computing, and games.

execution
superDraw was originally created in flash - but as the program gained complexity flash's speed limitations quickly became apparent. after some experimentation I ported the program to processing. Processing is a fantastic alternative, for many reasons - the most important being support for graphics hardware acceleration via openGL.

creator
Joshue Ott is a time-based multimedia artist. His work includes video installations, multimedia pieces, video games, and music. He strives to create new methods for the immediate expression of human perception. His most recent project, superDraw, is a visual instrument for performing with live music. The audience experiences a unique and symbiotic combination of sound and image. Ott's ever evolving organic animations offer a glimpse into a dark and glittering dynamic world.

Thursday, February 14, 2008

Optical Machines : Club Transmediale 08


Había visto alguna vez vídeos de lo que hacen Optical Machines, y me parecían fascinantes por el hecho de alejarse de cualquier tipo de medio digital, pero sobre todo porque siempre me han atraído los dispositivos que tienen que ver con las ilusiones ópticas y la prehistoria del cine. No diría que el trabajo de Optical Machines es precine, porque obviamente trabajan con cámaras de vídeo, sensores y demás, pero sí que tiene que ver con una visión en cierto sentido 'primitiva'. Primitiva por no trabajar con ordenadores, ya que tanto la idea como el resultado son muy atractivos sonora y visualmente.

Hace un par de semanas pude ver en directo a Optical Machines en Berlín, dentro de la programación nocturna de la Transmediale, y no me decepcionaron en absoluto. En vivo es mucho más emocionante que en vídeo, claro, y además sus actuaciones se basan sobre todo en la idea del loop, de la repetición, esa cosa que me fascina tanto por su poder para dejar al cerebro en un estado de suspensión temporal.

Sus actuaciones se basan simplemente en dos fuentes, por un lado, Maarten Halmans se encarga del sonido, pinchando discos de vinilo. Por otro lado, Rikkert Brok pone las imágenes, con un sistema bastante sencillo, objetos cotidianos colocados sobre discos. Vamos, que lo que se proyecta es simplemente un disco dando vueltas con algunos aros, palitos, rejillas y demás materiales sobre él. El resultado son unas imágenes abstractas de lo más hipnóticas.

Wednesday, February 13, 2008

Grups de treball : Barcelona : Hangar

- Audiovisuals amb software lliure
cada dijous 19-22h: 24/01-24/04
Aquest grup de treball vol fomentar l’ús del programari lliure en la creació audiovisual de forma aplicada i concreta. Per això és un taller pràctic, que té com objectiu final la creació i producció amb software lliure d’un treball àudio i/o vídeo. Responsables : Lluís Carbonell i Valentina Messri . + info: vale (at) encosianima.net

- Processing
cada dijous 19-21h
Grup de treball obert i gratuït per aprendre i fer servir Processing, un potent llenguatge de programació visual. Responsable: Aleix Fernàndez + info: aleix (at) onionlab.com

- Web 2.0
cada dijous 19-21h
Pimpampum (Daniel Jùlia i Anna Fuster) ajuden amb projectes, responen a preguntes sobre programació d'applicacions web 2.0. + info : dani (at) pimpampum.net

http://www.hangar.org

Hangar
Passatge del Marquès de Santa Isabel, 40
Can Ricart
E-08018 Barcelona

Telèfon: +34 93 308 4041
Fax: +34 93 307 1211
E-mail: info(at)hangar.org

GRUP DE TREBALL RYBN : 18-21/03/08 : Barcelona

"How to recover data from internet and to use it into several audiovisual applications." Technical workshop.

Today Internet gives access to a wide range of media and data. This access is a new kind of power, and therefore a new kind of control. This unique context also generates new kinds of diversions accompanied by the emancipation and diversification of digital practices based on these data and media : sampling, parsing, data analysis and data visualisation.

In these new practises, the created device (software, hardware etc) is almost more important than the media transmitted. Several softwares and programming languages (pure data, flash, php) make it possible to access and use these data, and allow the artist to create interfaces.

In order to understand the technical aspects and the aesthetics generated by these particular practises, RYbN proposes to make a complete workshop session. The goal of this workshop is learn how to recover data from internet and to use it into several audiovisual applications. The workshop will answer to these technical interrogations :

* How to feed an installation by recovering Internet data ?
* How to manage the sorting of these data into database ?

* How to set up of a dedicated server ?

* How to allow pure data to send back the processed data on Internet, using sound and video stream flows ?

* How to create a Flash graphic interface for an application made with pure data ?

* How to control an external software with pure data ?

* What are the software communication protocols ?

The complete process includes (based on LAMP / MAMP / WAMP solutions) :

* the set up of a server (using apache)
* the set up of a database (using mysql)

* recovering and sending data (using php)
* the audiovisual interface (using Pure Data)

Softwares : Pure Data (Libraries : Pear - Pmpd - Gem), Flosc, MySql, Flash
Languages : Php, Actionscript, Mysql, html

http://www.hangar.org

Hangar
Passatge del Marquès de Santa Isabel, 40
Can Ricart
E-08018 Barcelona

Telèfon: +34 93 308 4041
Fax: +34 93 307 1211
E-mail: info(at)hangar.org

Visual Music

http://hirshhorn.si.edu/visualmusic/index.html

In the early 1900s, visual artists working in cities from Los Angeles to Moscow began conceiving an art to express the energy and complexity of the new century. Inspired by innovative technologies, scientific discoveries, and new perspectives on spirituality and psychology, they searched for ways to transcend representation and elevate the viewer to a sublime sensory level. For many pioneering artists and others who expanded on their explorations, music offered a model to which visual art might aspire: a pure and abstract form that pushes beyond perceivable reality and suggests limitless space and time. Their endeavors became known as “visual music.”

The term was coined by art critic Roger Fry in 1912 and encompasses a set of ideas first embraced by artists seeking to link the seemingly disparate phenomena of sight and sound. The static image of previous eras needed to be reinvented in the wake of recent scientific advancements, cultural shifts, and changes in perceptions of space and time. Since then, artists have invoked this term (along with “color music” and “mobile color”) to define their efforts to integrate the senses through art.

Visual Music traces an alternative history of the abstract art of the past century, featuring artists connected by their explorations of ideas related to synaesthesia—primarily, a unity of the senses and, by extension, a synthesis of the arts. Including painting and photography, light art, cinema and video, as well as installation art and digital media, the exhibition highlights the remarkable cultivation of these notions and reveals how contemporary installation artists have advanced the ambitions expressed by painters almost a hundred years ago.

http://hirshhorn.si.edu/visualmusic/index.html

AV_BR · Experimentación audiovisual y cultura libre en Brasil · Madrid

Cultura libre, creación colaborativa y tecnología social en el contexto brasileño
Jueves, 14 de febrero / 19:00h

Conferencia de Felipe Fonseca: Cultura libre, creación colaborativa y tecnología social en el contexto brasileño.

A continuación, actuación sonora de Fetalcohol, con Carlos Morevi, una relectura sincopada y ruidista de la bossa nova y otras músicas populares brasileñas.

12º Encuentro AVLAB:
∙ Gengivas negras
∙ Laborg
∙ Retrigger x Reverse Tunes
+ DJ Kaska

Sábado, 16 de febrero / 19:00h
Presentación en vivo de tres propuestas de arte sonoro y visual brasileño, desde la electrónica experimental hasta el breakcore o la música copyleft. El espectáculo incluye instalaciones y performances en las que se integran medios digitales, sustancias químicas, software, samplers, baterías electrónicas y hardware hackeado entre otros elementos.

Más información en www.medialab-prado.es

Yvonne Rainer : Barcelona : 20 feb - 16 abril

http://www.macba.es/controller.php?p_action=show_page&pagina_id=33&inst_id=23720&lang=ESP

Yvonne Rainer
Programa de cine

Conocida sobre todo por su trabajo como bailarina, performer y coreógrafa, Yvonne Rainer es una de las figuras clave de la vanguardia neoyorquina surgida en los años 60 y una figura de referencia de la danza posmoderna norteamericana, iniciada por Merce Cunningham. Es asimismo una importante ensayista y cineasta. Originalmente su trabajo fílmico surge de su actividad en la danza, a modo de ejercicios coreográficos filmados. No obstante, su trabajo en la danza está también influido por el cine y ha llegado a combinar los dos medios en diversas piezas. Esa yuxtaposición surge de la voluntad de practicar una danza interrogativa y de la analogía entre la danza y el cine como artes basadas en el tiempo. Su trabajo, influenciado por Maya Deren, Stan Brakhage o Kenneth Anger, se caracteriza por el rechazo del virtuosismo y de las tradiciones derivadas de John Cage y del minimalismo.

Su transición de la danza al cine se ha situado en un contexto de vanguardia feminista y plantea interrogantes acerca del lugar del espectador. Esta voluntad de transgredir los roles de performer y receptor se produce a través de su interés por los aspectos del carácter, la vida emocional y el cuerpo cotidiano así como de la incorporación en su trabajo de condiciones sociopolíticas.

Comisariado por Berta Sichel, con la participación de Yvonne Rainer


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Programa

Las sesiones empiezan a las 19.30 h

20 de febrero
Five Easy Pieces (5 vídeos entre 1966 y 1969)
Trio A (1978)
After Many a Summer Dies the Swan: Hybrid (2002)

27 de febrero
Lives of Performers, 90', 1972

5 de marzo
Film About a Woman Who…, 105', 1974

12 de marzo
Kristina Talking Pictures, 90', 1976

19 de marzo
Journey from Berlin/1971, 125', 1980

26 de marzo
Encuentro con Yvonne Rainner
Con la participación de Yvonne Rainer y Berta Sichel, comisaria del programa.
Entrada gratuita. Auditorio MACBA. Aforo limitado

2 de abril
The Man Who Envied Women, 125', 1985

9 de abril
Privilege, 103', 1991

16 de abril
MURDER and murder, 113', 1996

[Programa sujeto a cambios de última hora]

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Precio

1 sesión: 2 eu.
Abono: 12 eu.
Amigos del MACBA: gratuito
26 de marzo: gratuito

Auditorio MACBA. Aforo limitado

RYOJI IKEDA – TEST PATTERN [LIVE SET]

http://www.forma.org.uk/programme/current/performances/test_pattern.html

This latest audiovisual work from Ryoji Ikeda, presents intense flickering black and white imagery, which floats and convulses in darkness to a stark and powerful, highly synchronised soundtrack.

Through a real–time computer programme, test pattern converts Ikeda's audio signal patterns into tightly synchronised barcode patterns on screen. The velocity of the moving images is ultra–fast, some hundreds of frames per second, so that the work provides a performance test for the audio and visual devices, as well as a response test for the audience's perceptions.

test pattern is the third audiovisual concert in Ikeda's datamatics series, an art project that explores the potential to perceive the invisible multi–substance of data that permeates our world.

Taking various forms – installations, live performance and recordings – test pattern acts as a system that converts any type of data (text, sounds, photos and movies) into barcode patterns and binary patterns of 0s and 1s. The project aims to examine the relationship between critical points of device performance and the threshold of human perception, pushing both to their absolute limits.

test pattern is released on CD by German label raster–noton on 25 February 2008.

Ryoji Ikeda - data.tron

http://www.forma.org.uk/programme/current/exhibitions/datatron.html

1 Mar – 25 May 08
Yamaguchi Center for Arts and Media, JP
16 Mar – 25 May 08
Place@Space exhibition, Z33, Hasselt, BE

How many points are there in a line?
What is the number of numbers?
How can we verify that the random is random?

data.tron and data.film are parts of the datamatics project, which is a series of experiments that explore such questions, physically and mathematically. Visitors will experience the vast universe of data in the infinite between 0 and 1.

data.tron is an audiovisual installation, where each single pixel of visual image is strictly calculated by mathematical principle, composed from a combination of pure mathematics and the vast sea of data present in the world. These images are projected onto a large screen, heightening and intensifying the viewer’s perception and total immersion within the work.

Ryoji Ikeda - datamatics [solo exhibition]

http://www.forma.org.uk/programme/current/exhibitions/datamatics.html

1 Mar – 25 May 08
Yamaguchi Center for Arts and Media, JP

In his first solo exhibition in Japan, renowned electronic composer and artist Ryoji Ikeda presents new and existing works from his datamatics series.

Since 1995, Ikeda has been intensely active through concerts, installations, and recordings, integrating sound, acoustics and sublime imagery. In the artist's works, music, time and space are shaped by mathematical methods as Ikeda explores sound and vision as sensation, pulling apart their physical properties to reveal their complex relationships with human perception.

The datamatics series is a long–term programme of moving image, sculptural, sound and new media works that take data as their theme and material, exploring the ways in which abstracted views of reality – data – are used to encode, understand and control the world.

Ikeda's works both examine and apply mathematical and scientific theory, and test the extreme potentials of digital technology, to reveal the microscopic matter – and data – that permeates our universe, whilst challenging our own thresholds of perception.

This solo exhibition presents the recent works data.film [nº1-a] and data.tron, alongside a major new installation commissioned by YCAM, entitled test pattern [nº1]. The exhibition opens with a live performance of Ikeda's critically acclaimed concert piece datamatics [ver.2.0].

Ryoji Ikeda - datamatics [ver.2.0]

http://www.forma.org.uk/programme/current/performances/datamatics2.html

datamatics [ver.2.0] is the new, full–length version of Ryoji Ikeda's acclaimed audiovisual concert.

For datamatics [ver.2.0], Ikeda has significantly developed the earlier version of this piece (premiered in March 2006), adding a newly commissioned second part.

Driven by the primary principles of datamatics, but objectively deconstructing its original elements – sound, visuals and even source codes – this new work creates a kind of meta–datamatics. Ikeda employs real–time programme computations and data scanning to create an extended new sequence that is a further abstraction of the original work.

The technical dynamics of the piece, such as its extremely fast frame rates and variable bit depths, continue to challenge and explore the thresholds of our perceptions.

“datamatics [prototype] showed Ikeda at the height of his powers, building on his own unique and unmistakable artistic language.” – The Wire, 2006