Monday, 15 December 2008

Tuesday, 9 December 2008

No se puede comprender el poder de la tormenta hasta experimentar la calma del día siguiente

Si hay alguien capaz de emocionarme a través de una imagen en movimiento ese es sin duda Bill Viola. Ver sus vídeos en condiciones, en una sala enorme y totalmente oscura con una pantalla de metros y metros, es una de las experiencias más sobrecogedoras que he tenido el gran placer de vivir. Algunos de sus últimos trabajos, especialmente los relacionados con agua y fuego, me conmueven tanto que no puedo evitar verlos sin que se me encoja el corazón y me entren ganas de llorar. En sus imágenes hay una pureza, un misticismo, una violencia y una belleza tan indescriptibles que me sobrepasan totalmente.

Lo que hace Viola no tiene mucho que ver con la música visual, pero hace unos años realizó unos vídeos para una de las giras de Nine Inch Nails. De entrada, quizás pueda parecer una combinación extraña, desde luego a mí no se me habría ocurrido ni en mis mejores fantasías, y no por la falta de puntos en común entre los vídeos de uno y la música del otro, que los hay ciertamente.



Nunca se me pasó por la cabeza que a Trent Reznor se le pudiese ocurrir encargarle visuales a Viola, en parte porque no es lo que se le supone a una 'estrella del rock', con comillas porque esa etiqueta remite a ciertos tópicos inciertos. De todas formas, incluso en caso de haber imaginado semejante encargo, nunca hubiese pensado que un artista como Viola estuviese por la labor. Supongo que igual que una tiene prejuicios respecto a los músicos de cierto estilo, también los tiene al respecto de los artistas de cierto renombre.

La interacción Reznor/Viola no pudo verse por aquí en directo. Afortunadamente, existe un DVD (And All That Could Have Been) que atestigua el asunto, con el regalo magnífico de un comentario pormenorizado de Viola sobre los vídeos; una de mis joyas más queridas.



Viola introduce dos de sus obsesiones personales, el agua y el fuego, jugando con una proyección fragmentada en forma de tríptico. Las pantallas son móviles, durante partes del concierto permanecen plegadas y apagadas en la parte superior del escenario, mientras que en otros momentos se inclinan en un ángulo más frontal y emiten flashes de luz de colores. La parte de los visuales de Viola es la única en la que las pantallas sirven como soporte para un vídeo.

Personalmente, mi parte favorita es la ascensión de The Great Below (en el segundo vídeo), uno de esos motivos recurrentes de Viola que siempre me provoca escalofríos y temblores en los lagrimales.

Monday, 8 December 2008

No hay nada que viaje más rápido que la música



Aunque en esta entrevista Peter Greenaway no habla específicamente sobre la interacción entre imagen y sonido, sí hace referencia al vijing en relación a la experiencia cinematográfica narrativa más al uso.

Greenaway es conocido por su discurso en torno a la muerte del cine, a la que incluso ha puesto una fecha concreta: el 31 de septiembre de 1983, día en que al parecer se introdujo el mando a distancia.

En este vídeo afirma que una de las cosas interesantes del dijing y del vijing es que recuperan el papel del cuerpo en la experiencia visual, huyendo del límite estático de la sala de cine. Sin embargo, hace una crítica muy concreta al vijing, y es que no es más que un "visual wallpaper".

Sunday, 7 December 2008

AVVA : ragtag



AVVA son Toshimaru Nakamura (sonido) y Billy Roisz (imagen). Nakamura es un músico que empezó su carrera tocando la guitarra, para acabar centrado en las labores mucho más interesantes del feedback electrónico. Roisz es un artista especializado también en el feedback y en la interacción entre imagen y sonido.

Wednesday, 3 December 2008

La cimática y la sinestesia

Hace unos meses en Rhizome se publicaba un artículo titulado OTHER “CONVERGENCES”: Hans Jenny and Carsten Nicolai Explore Cymatics and Synesthesia, precisamente sobre lo que su propio nombre indica, aunque más centrado en Carsten Nicolai que en Hans Jenny.

Hans Jenny era un científico a quien se considera padre de la cimática, ¿y eso que es? En breve, el estudio de ciertos fenómenos asociados con los patrones que producen las vibraciones sonoras sobre el medio físico. Carsten Nicolai (Alva Noto)supongo que es más conocido, pero por si alguno no lo sabe, además de ser bastante famoso como músico también se dedica a otras labores artísticas.

El artículo en cuestión se centra principalmente en la convergencia entre sonido e imagen:

"Consider synesthesia, the common term used for sensory fusion, in which one type of sensory information leads to involuntary responses from another sensory pathway. Within modern culture, this still seems to be a bizarre and novel thing, since we are acclimated to compartmentalization and ordering of just about everything, including our capacities for sound, vision and so on. Although synesthesia has been under research by the scientific community since the late 19th century (Francis Galton is widely recognized as having lit this particular flame in the 1880s), it is still brushed aside by many as an unreliable pseudo-science, as the whimsy of ‘loose cannon’ mystics who have the most tangential connections to the larger social universe.

" Artículo completo

Encontrado en: ../mediateletipos))) [aunque lo he escrito yo misma, así que eso de que lo he encontrado... :_D]

Tuesday, 2 December 2008

Drawdio, un lápiz que dibuja música



Ya he hablado alguna vez de temas relacionados con los dibujos sonoros, recuerdo al menos dos posts, uno al respecto del secuenciador de grafito de Caleb Coppock y otro sobre el vídeo Sound Drawing 2001-2004 de Kichul Kim.

Hace un momento mi amigo Erik me enviaba un link con otro proyecto similar; Drawdio, diseñado por Adafruit en colaboración con Jay Silver. Se trata de un sintetizador analógico que se acopla a cualquier lápiz y permite 'dibujar' sonidos, aprovechando las propiedades conductoras del grafito.

Si os hace tanta gracia como para comprarlo, lo podéis encontrar en la tienda de Adafruit por 19'50 dólares.

Saturday, 22 November 2008

Heartbeat : Bill Etra [1971]



Bill Etra

Abstractions on a Bedsheet : Bill Etra [1972]



Bill Etra

Encontrado en: Create Digital Motion

subliminalTV - part 1 - holes



"This section is a good example of my lo-tech experimental approach to multimedia - here most of what you can HEAR is actually the video itself. Basically I simply split the video signal and shove it into my audio input (as well as sending it to the projector). If you do this, quite often you won't hear anything (I think the frequencies involved are actually out of the range of human hearing), but if you mix the signal with something else, you get strange kinds of interference. Here I combined it with some rather filthy bass to get this rather raw, distorted kind of sound - I really like the way the video has a tendancy to punch 'holes' in the audio - hence the title of this section. It does make for a pretty raw and nasty sound - if this bit isn't your cup of tea, do try some of the other sections which you might find easier going!" Joseph Hyde

subliminalTV - part 3 - oneyes



Encontrado en: vj.tv

Thursday, 20 November 2008

Sonido visible, de SOUNDS.BUTTER



La intención de Visible Sound es convertir el sonido en algo visible. Hay ciertas maneras en las que se puede ver el sonido (ecualizadores, subtítulos, etc.), pero la idea de los diseñadores Patrick Li e Ian Gallais (SOUNDS.BUTTER) era crear un aparato en el que la representación del sonido fuese física. Con ese objetivo, cogieron una máquina de coser como base para el proyecto, porque sentían que era un sinónimo de industria y de fabricación de productos físicos.

El modelo de la máquina de coser estéreo es sólo un prototipo.

Monday, 10 November 2008

Campos analógicos



Una de las instalaciones que más gracia me hicieron en la última Transmediale fue The Analog Color Field Computer de Gregory Shakar. Se trata de una serie de ordenadores cuyos monitores muestran campos de color sólidos y cuyo sonido se limita a tonos puros.

El resultado es una composición minimalista que puede ser controlada por el visitante, ajustando tanto las imágenes como el sonido.

Podéis encontrar más imágenes y vídeos en la página de Shakar.

Friday, 31 October 2008

shift v.2.



"A multichannel sequencer combined with masking/mapping projections on physical objects." +info

Encontrado en: Create Digital Motion

Wednesday, 29 October 2008

THE VOICE 2004



"The process of the piece “The Voice” arises from the diversion of a software for blind people, allowing to transform a video image into sound. The concept is used to design a tool for a performance / installation, where some objects chosen on the place become a series of instruments producing tones according to their shape and color. The performers stages objects of the everyday life in a concert where the spectator is immersed «in an almost utopian relationship between visual and soun»." http://artoffailure.free.fr/

Encontrado en: Networked Music Review

Sunday, 5 October 2008

Dibuja tus propios sonidos

The vOICe

"See with sound: see with your ears!

Free soundscape synthesizer and sequencer! This fully interactive page allows you to draw your own 64 × 64, 16 grey-tone image and immediately hear the corresponding 64-voice polyphonic visual sound being synthesized on the fly! See and hear how The vOICe mapping works for your input. The 64-channel sound synthesis here maps the image into an exponentially distributed frequency interval for a one second visual sound.

Furthermore, you can view sound waves, sonify existing images, train for audiovisual synesthesia, perform on-line composing, make visual sound animations and create spectrograms (sonograms, sonagrams).

The vOICe mapping: vertical positions of points in a visual sound are represented by pitch, while horizontal positions are represented by left-to-right scanning and corresponding stereo panning. Brightness is represented by loudness. In this manner, pixels become... voicels!"

Encontrado en: Network Music Review

Tuesday, 30 September 2008

Morrell



"Having as starting point the wonderfull master pieces of James Turrell, we now present the first drafts of our dadaist aproach and tribute to Turrel's Work. Moving Turrell is a set of animated audiovisual sculptures that react to the movement of the viewers."

Morrell

La verdad es que no entiendo qué tiene que ver esto con el dadaismo, pero bueno...

Monday, 29 September 2008

Every Song (excerpt) : Kyle McDonald



"A one and a half minute excerpt of a composition that iterates through every song you could possibly play using the twelve notes of the chromatic scale, as quickly as possible."

As quickly as possible means: each chord lasts one wavelength of the lowest note."

Encontrado en: vj.tv

Saturday, 27 September 2008

Nine Inch Nails - The Making Of

Música Visual y Arte Sonoro

Acabo de encontrar un breve documento interactivo dedicado al campo de la música visual, realizado para el Master en Artes Digitales del Institut Universitari de l’Audiovisual de la Universitat Pompeu Fabra allá por el año 2003. Una buena introducción que no os obligará a leer parrafadas interminables en una pantalla...

Música Visual y Arte Sonoro

Monday, 22 September 2008

Aero Torrents : Voldemārs Johansons



"The installation is a waveform sculpture projected on the surface of water by sonic vibration. As a commentary on the process of climate change, the wave patterns are derived from meteorological data acquired during extreme storms of recent years in Europe. The combination of three materials: air, water and sound simulates a chaotic ecosystem where recorded wind intensity and direction patterns are transferred by waves of sound.

During the recent years I have lived in a city by the Northern See. In the autumn and winter, few times a year, strong storms occur. A stream of air particles - wind - rushes and swirls with incredible speed and power, fluctuating in unpredictable force and intensity patterns. It caries dark clouds and forces waves to wash the sea out of it’s coasts, hits upon buildings and produces a terrifying acoustic landscape.

Climate is described as a chaotic system which can be documented using non-linear dynamics and strange attractors; yet no computing device, however capable, has so far been able to predict and interpret long-term weather conditions. Storms and winds have grown stronger over the past years, both in Latvia and elsewhere in the world, indicating climate change. Different indicators show that the world’s climate is changing – the melting of Arctic ice, the positive North Atlantic Oscillation index of the past decades, and other signs show a dynamic process of change, conventionally called global warming or the greenhouse effect. One of the more noticeable manifestations of change is the increasing number and scale of natural disasters and storms that wreak devastation all over the world every year. In January 2005 the inhabitants of Latvia were also caught unprepared by Hurricane Ervin, a storm of unseen strength, which toppled trees, downed power lines and changed the coastline of the Gulf of Riga.

In nature, wind is generated by the contrast in air pressure between adjoining atmospheric areas. A sharp contrast creates strong winds that grow into storms. The changing intensity of wind currents suggests a similarity to sound waves (sound is a change in air pressure). A recorded wind waveform is a microscopic component indicative of an entire global ecosystem in which all events are connected through interaction and feedback relationships. As a part of a non-linear dynamic system, wind waveform depicts chaotic, but not random or predictable qualities."

Voldemārs Johansons

Encontrado en: vvork

Sunday, 21 September 2008

Oramics



Daphne Oram fue una compositora británica pionera de la música electrónica, conocida sobre todo por ser la creadora del Oramics, un mecanismo usado para producir sonidos.

El Oramics es un proyecto que ocupó la mayor parte de su vida y que fue presentado en el año 1962. Consistía en un sistema con una serie de símbolos que indicaban todos los parámetros necesarios para construir sonidos. Esos símbolos eran dibujados a mano en un papel normal y se introducían en el equipo, después su sonido se grababa en una cinta magnética.

La idea de dibujar el sonido no era nueva, los cineastas rusos Arseny Arraamov y Yevgeny Sholpo ya habían creado en los años 20 películas con las bandas sonoras dibujadas, el famoso animador Norman McLaren solía dibujar el sonido de sus películas, y en los años 40, un ingeniero electrónico sudafricano llamado Johannes van der Bijl había desarrollado un método de grabación sonora a partir de fotografías de ondas de sonido. No obstante, el sistema de Oram era más libre y preciso.

El Oramics era básicamente una mesa sobre la que se colocaba un papel milimetrado. Las ondas sonoras se dibujaban a mano y después se trazaban o marcaban con cinta de enmascarar en bucles de película transparente de 35mm. Había diez bucles en total, organizados en dos grupos de cinco, y cada uno pasaba de derecha a izquierda en el sentido de las agujas del reloj, movidos simultaneamente por un solo motor. Las ondas de sonido dibujadas pasaban por unas fotocélulas que las leían. Al final de todo el proceso, que es bastante técnico y no lo voy a detallar aquí, se grababa el sonido, después de haber sido manipulado y creado siguiendo ciertas especificaciones. La señal salía a través de unos amplificadores, y de ahí iba a un par de altavoces.

Podéis encontrar una explicación mucho más detallada aquí.

Vía: Data is Nature

Saturday, 20 September 2008

Ondas, preciosas ondas sonoras



Mikael Altemark, que tiene una pequeña colección de fotos de ondas sonoras de osciladores en su flickr.

Vía: Create Digital Music

Prototipo de Tiction / Hans Kuder



"This is a music performance / sequencing application I'm writing called tiction. It will eventually be set up on a multi-touch table, but it works great with just the mouse and keyboard so far.

In this example, each node sends a MIDI note when triggered, the pitch and velocity of which is controlled by its current position on the screen. MIDI continuous controller messages can also be sent. One-way connections allow the next node(s) in the network to be triggered after a set number of tics. Connecting nodes in a closed circuit makes a repeating pattern.

Also, when an event is sent, some physical event occurs - this can be a slight pull toward other nodes, a slight push away from other nodes, or a jiggle in a random direction. Springs in the inter-node connections keep groups of nodes together amidst all this (ordered) chaos.

This early version is being written in Processing with proMIDI, traer.physics, and ControlP5."

Vía: Create Digital Music

Dreaming of Drowning at Diapason Gallery



2 channel video installation by Seth Kirby
Sound by Mike Skinner
Performed at Diapason Gallery, April 6, 2006

Saturday, 13 September 2008

Más luces en el cielo



Creo que ya he hecho al menos dos comentarios sobre los visuales de la última gira de Nine Inch Nails, y es probable que haga unos cuantos más porque no deja de fascinarme. Hoy mismo en Wired publicaban un artículo al respecto, en el que se detallan algunos de los aspectos técnicos. Se habla de cientos de LEDs, pantallas semitransparentes, visuales interactivos, tres máquinas basadas en Linux, Hippotizer, ArKaos, Lemur, etc. Entre tanta parafernalia tecnológica no es extraño que Trent Reznor acabe diciendo que la próxima gira será en clubs sólo con luces blancas porque estará arruinado.

MUSIC ON TELEVISION

"The antecedents for music's applications in television may be found in film and radio. Most television music (like film music) is non-diegetic: It is heard by viewers and listeners, but not on-screen performers. This "background" music is added after filming has been completed, and is used to create moods, fill spaces, provide rhythm and link the production to other cultural texts. Television music also draws on the tradition of radio, which foregrounded music through variety shows and featured performances. Variety shows were based in vaudeville and dominated the first two decades of television due to their broad appeal and low production costs. Yet music frequently was considered an afterthought during television's early years. In 1948, only 17 stations were on the air. Programming largely was produced on a local basis, and talent and material often were in short supply..."

Artículo completo en The Museum Broadcast Communications

MUSIC TELEVISION

"MTV (Music Television) is the oldest and most influential American cable network specializing in music related programming. It was launched on August 1, 1981, with the words "Ladies and gentlemen, rock and roll", spoken on camera by John Lack, one of the creators of MTV. This introduction was immediately followed by the music video clip Video Killed the Radio Star, featuring a band called the Buggles. The title proved somewhat prophetic as MTV greatly transformed the nature of music industry stardom over the next several years. At the same time, MTV became a major presence in the cable TV industry and in fact in the overall American cultural landscape..."

Artículo completo en The Museum Broadcast Communications

¿El vídeo salvó a la música?



Un documento verdaderamente arqueológico sobre cómo se veía la relación entre música y vídeo allá por los ochenta. No deja de ser curioso que una cadena estadounidense de lo más mainstream, la ABC, se preocupase por este tipo de temas en aquellos años, aunque fuera a raíz de la crisis de la industria musical americana de la época, no por cuestiones culturales y/o artísticas.

Por cierto, algunos de los vídeo-clips que aparecen son dignos del museo de los horrores.

Girl Running - U.S.O.



Fragmento del dvd InharmoniCity, una colaboración entre Synesthesia Recordings y la videolabel Zerofeedback.

El sonido es de U.S.O. y se puede descargar aquí.

Thursday, 11 September 2008

American Tokyo Daydream I (Calypso Sunrise)



Sam Pluta

La pantalla azul de la muerte



Visto en un concierto de Nine Inch Nails, lo cual tiene cierta gracia teniendo en cuenta que no creo que Trent Reznor haya tocado el Windows en su vida. Y es que no se colgaron los visuales, no, es una imagen subliminal colocada a propósito durante una milésima de segundo entre decenas de pantallazos de ruido visual. Ya sería raro que a este obseso del perfeccionismo se le muriese una máquina en directo.

Del asunto se habrá percatado algún freak que no tiene nada mejor que hacer que desglosar frame a frame los vídeos de YouTube. La imagen la he encontrado en Gizmodo.

Nibo en el NBI, Berlín

Thursday, 4 September 2008

Mediateletipos

Como hace unos días empecé a ser una pequeña parte de mediateletipos, es probable que algunos posts que antes aparecían por aquí aparezcan por allá, pero bueno, como este es un sitio dedicado a algo bastante concreto no creo que una cosa tenga mucho que ver con la otra, así que seguramente no cambiarán mucho las cosas por estos lares, más allá de publicar menos, quizás, más que nada por temas de tiempo.

Pues eso, y gracias a los señores de mediateletipos por la confianza y especialmente al ente // [o_Ó]<< y persona Pablo por la invitación. Si no conocéis la página todavía, ¡ya tardáis!

Saturday, 16 August 2008

Marilyn, repetimos

Marilyn Times Five (1973) es una pieza de Bruce Conner creada a partir de una secuencia corta en la que se ve a una mujer semidesnuda (supuestamente Marilyn Monroe) en poses sensuales, aunque tiene más de experimento formal que de invitación al erotismo. Según Conner, su idea era "coger algunas partes de la película y reorganizarlas para ver si podía surgir la quintaesencia de Marilyn".

El corto es un juego de copias, quizás inspirado en los cuadros de Warhol, aunque nada pop; blanco y negro granulado y sobreexpuesto intercalado con varios minutos de fotogramas simplemente en negro. El sonido es un bucle del tema I'm Through With Love, cantado por Marilyn Monroe. Por cierto, siempre he pensado que gran parte de las canciones de Marilyn tenían letras bastante enfermas, y esta no es una excepción: "Tengo que tenerte a ti o a nadie, por eso he acabado con el amor", y así terminó la mujer, claro, ya dicen que la vida imita al arte.

No lo he encontrado en ninguna de las páginas habituales de vídeo, pero si os interesa anda por los mundos de las redes p2p.

Friday, 15 August 2008

Improvisar o seguir la partitura

«El procesado de los visuales en tiempo real parece radicalmente opuesto a la dinámica de exhibición de imágenes en movimiento más convencional, la pantalla cinematográfica de un siglo de edad. Mientras que en el procesado en tiempo real el mensaje se genera (o incluso se compone) en el mismo momento en el que se expresa, en las proyecciones de cine el mensaje (la película) ha sido generado meses antes de su expresión (proyección), a través de un proceso complejo que va desde el guión a la postproducción, y puede tardar años en completarse.

No obstante, desde una perspectiva práctica, la diferencia entre ambas condiciones de interpretación es sutil. La exhibición de películas no es una rutina automática, sino un esfuerzo activo que exige mucha habilidad técnica por parte del operador. Implica cambiar los rollos de película, ajustar la mezcla sonora, observar y corregir las condiciones de la imagen. El proyeccionista de cine, igual que un VJ, debe trabajar en tiempo real para transmitir el mensaje. En cierto sentido, también es un intérprete, pero su interpretación es negativa: debe evitar que el largometraje pierda su coherencia. Por otro lado, el VJ representa una actuación positiva: crea coherencia a partir de muestras visuales definidas.

Por lo tanto, la diferencia entre las imágenes en directo y la proyección cinematográfica no es exactamente como la que existe entre la presentación de la música en directo o en playback, sino más bien como entre improvisar y seguir una partitura. Esto era incluso más cierto en los primeros días del cine, en los que no existían las bandas sonoras. De hecho, las imágenes en directo recrean ciertas posibilidades que eran una realidad en las primeras exhibiciones cinematográficas, pero fueron descartadas con el paso de los años por culpa de la progresiva fosilización de la sala de cine.

(...)

En 1911, en una crítica titulada irónicamente El asesinato de Otelo, H. G. Hoffman habla sobre una proyección especialmente catastrófica de una versión de la obra de Shakespeare. "Fue asesinado por un proyeccionista la pasada noche".

Entre los diversos errores cometidos por el presunto proyeccionista, el más serio fue invertir la película, de manera que "el título y los subtítulos se leían hacia atrás". En lugar de parar la proyección para corregir el error, intentó "camuflarlo", adelantándola rápidamente cada vez que aparecía un título. Así, transformó el drama en comedia».

Lo contrario de la sala de cine
Gabriel Menotti
a mínima 22 Live Cinema

Wednesday, 13 August 2008

La trastienda



Aquí tenemos un vídeo en el que se ven ligeramente las 'tripas' de lo que está pasando por detrás. Tampoco es que se vea mucho, pero bueno, a la izquierda podéis ver el Ableton (que genera el sonido) y a la derecha el vvvv (los visuales), sincronizados a través de midi. Aunque para hacer este tipo de cosas existen infinidad de programas, la idea básica suele ser más o menos la misma, por un lado el software de sonido, por otro el de vídeo y en medio algún tipo de enlace a través de midi para que una cosa reaccione teniendo en cuenta la otra.

LPM MEX 2008 - LIVE PERFORMERS MEETING

"LIVE VIDEO PERFORMERS, VISUAL ARTISTS AND VJ MEETING
4.5.6 SEPTIEMBRE 2008, Xalapa, Veracruz - Mexico

LPM - Live performers meeting: encuentro internacional de live video performers, artistas visuales y encuentro de vj´s, acepta la invitación a participar en América latina!

Del 4 al 6 de septiembre del 2008, LPM se transfiere por primera vez al otro lado del océano, para encontrar esa gran parte de la comunidad sudamericana, atenta al meeting y participantes de la comunidad FLxER, desde su primera edición."

+info

Per led intensity with sound : Jul

El auge del VJ

Hace semanas que tenía pendiente publicar algo sobre Vague Terrain 09: Rise of the VJ, pero como la web de Vague Terrain estaba cerrada por reformas me parecía un poco absurdo hablar sobre el asunto sin poder incluir los enlaces correspondientes. En fin, ahora que han vuelto a abrir su página, aquí está el post.

Vague Terrain es una publicación artística online que comisaría tanto piezas visuales y sonoras como textos, además de un Journal en el que recogen diferentes obras y artículos en torno a temas concretos, en este caso el auge del vj. Este especial incluye un par de entrevistas, algunos textos reflexivos y vídeos. Entre los colaboradores de este número encontramos a Ana Carvalho, co-editora del proyecto VJ Theory y Peter Kirn, creador y editor de Create Digital Music y Create Digital Motion.

Saturday, 9 August 2008

Synchronator : Gert-Jan Prins y Bas van Koolwijk,

Synchronator es un proyecto de investigación de Gert-Jan Prins y Bas van Koolwijk, se trata de una combinación de vídeo y sonido que fusiona medios digitales y analógicos.



"Since the early years of video art, works have been made which do not actually produce a standard TV signal waveform and therefore cannot be directly recorded. Some are based primarily upon magnetic distortion of the normal TV scan pattern, others utilise a Cathode Ray Tube as if it were an oscilloscope screen.

SYNCHRONATOR is a video and audio research project by Gert-Jan Prins and Bas van Koolwijk in an attempt to use a combination of current digital and analogue means in order to make more use of the characteristic visual qualities of such techniques.

In 2005 both artists presented their individual AV performances for the techno² event at the Dutch Media Art Institute in Amsterdam. Although Van Koolwijk was working with digital equipment and Prins with analogue electronics, there were striking similarities between their contributions.

Both seemed to mock the technical limitations of the video signal and were using an audio-visual vocabulary 'natural' only to the machines with which it was produced.

During their work period within the framework of a residency at Impakt in April/May 2006, a laboratory was arranged in the Impakt building, for Van Koolwijk and Prins to conduct their collaborative experiments. By sharing their technical knowledge they set out to tackle the problems concerning the recording of complicated, merged and distorted video and audio signals with the aim of having those signals accepted by current video equipment.

As part of the residence, a publicly accessible workshop was organised, in which the use of interfaces, videotronics, video/audio software and improvisation in electronic music in the context of AV improvisational performance were examined.

Beginning of June 2006 a first audio-visual SYNCHRONATOR performance was presented as an Impakt event, together with screenings and presentations of works by related artists."

Thursday, 7 August 2008

La música es matemáticas



Aunque Boards of Canada no tengan espacio dentro de mi imaginario musical, este vídeo creado en Processing tomando como base un tema suyo está trabajado y estéticamente es bastante agradable. Es una pieza de Glenn Marshall, que en su blog comenta que además de ser la primera animación que hace en Processing es un trabajo inacabado.

Tuesday, 5 August 2008

Para meditar...

Supongo que cuando uno piensa en música visual se le vienen a la cabeza modernidades tecnológicas, o como mucho las psicodelias setenteras y las vanguardias cinematográficas, pero el caso es que más allá de eso hay otras muchas vías.

Jin Hi Kim, una intérprete de música coreana, ha unido la tradición meditativa budista al midi y el max/msp. El resultado no es que me parezca especialmente atractivo, al new age lo metería en el mismo saco que al hippismo e irían ambas cosas al fondo del océano, pero siempre resulta más llevadero cuando viene de la tradición oriental y no de California.

Podéis ver este 'Buda digital' en la página de la artista.

Monday, 4 August 2008

Espectáculos de luz



Joshua White es un artista y director de televisión afincado en Nueva York conocido por haber creado espectáculos de luz para grupos como Jefferson Airplane, The Who, The Doors, Frank Zappa, The Grateful Dead, Jimi Hendrix y Led Zeppelin. Trabaja con la imagen en directo en el entorno de la música rock desde finales de los años 60, y tanto su método como su estética siguen guardando muchas reminiscencias de la época. Personalmente le tengo bastante alergia a cualquier cosa que huela a hippie, pero este tipo de espectáculos visuales me hacen gracia por su valor casi arqueológico. De todas formas, no he encontrado imágenes originales de sus primeros shows, así que habrá que conformarse con este vídeo de una pantomima psicodélica que organizaron en el Whitney en 2007.

Entrevista a Joshua White

Sunday, 3 August 2008

Convertir los mapas genéticos en sonido



Hace unas semanas, Technology Review publicaba un artículo sobre Gil Alterovitz, un investigador que trabaja en la Harvard Medical School que está desarrollando un programa de ordenador que traslada las proteinas y la expresión de los genes a música. En esta traducción acústica, la armonía representa la buena salud y la disonancia indica enfermedad.

Podéis encontrar más información en el artículo, además una muestra en vídeo en la que se ven y escuchan primero unos genes normales y después unos de un cáncer de colon.

La verdad es que a mí personalmente eso de establecer que la armonía es buena y la disonancia mala me parece un tanto rancio (vamos, como que a mí me suenan mejor los genes enfermos), pero bueno, ahí la subjetividad de la ciencia.

Saturday, 2 August 2008

Visualizando Artikulation



"Después de años de cacería online, seguro que estaba buscando en los lugares equivocados, finalmente conseguí el santo grial de las partituras de música electrónica, Artikulation de György Ligeti. Ligeti compuso esa pieza en 1958 y la grabó en el Studio of Electronic Music of the West German Radio de Colonia. La obra es anterior a los sintetizadores analógicos modernos de finales de los 60 y principios de los 70 – las fuentes sonoras son una combinación de sonidos generados y manipulaciones de casetes.

Cuando lo escuchas no puedes evitar pensar en R2D2, y aún así Artikulation se compuso 20 años antes del estreno de La Guerra de las Galaxias. No he podido encontrar ninguna prueba de que Ben Burtt, el diseñador de sonido de esa película, se inspirase directamente en la pieza. Usó un ARP 2600 y algunos sonidos acústicos para R2D2, pero me resulta difícil imaginar que se le ocurrieran esos sonidos sin escuchar Artikulation, y aparentemente no soy el único que lo piensa.

Doce años después de que Ligeti grabase la pieza, Rainer Wehinger creó una 'partitura aural' para ella. Mi primera introducción a las partituras fue en clase de notación musical. Éramos tres alumnos y un profesor en un aula grande, analizando varias partituras semana tras semana. Estudiamos las reglas tradicionales de la notación occidental y nos pedía que usásemos plumas de caligrafía para desarrollar nuestras habilidades de copiado. Nuestras claves de sol tenían que tener buen aspecto, nuestras plicas la longitud correcta. Pero también exploramos la notación no tradicional del siglo XX, y esta partitura destacaba porque su sistema único está bien pensado y para leerla no es necesario aprender nada.

En las notas de la partitura se ofrece una explicación de lo que está pasando en la música:

"La pieza se llama Artikulation porque articula un lenguaje artificial: pregunta y respuesta, voces agudas y graves, diálogos políglotas e interrupciones, estallidos impulsivos y humor, carbonizaciones y susurros."

Para desarrollar eso en una partitura, Wehinger usó una línea de tiempo dividida en segundos, y formas y colores en lugar de notas sobre un pentagrama. Utilizó puntos para los impulsos y peines para el ruido, además de diferentes colores para representar las variaciones de timbre y tono".

Bad Assembly

Friday, 1 August 2008

Gary Butcher + Forss : City Ports



La música es de Forss, la imagen de Gary Butcher. El vídeo está creado en After Effects y sincronizado a mano.

Venetian Snares : Szamár Madár /// David OReally



Venetian Snares
David OReally

Ruedas tonales



Tonewheels es un experimento en torno a la conversión de imágenes gráficas en sonido, inspirado en algunas de las invenciones musicales electrónicas pioneras del siglo XX. Una rueditas transparentes con patrones repetitivos giran sobre circuitos electrónicos sensibles a la luz para producir sonido, pulsaciones luminosas y texturas. Se trata de un sistema analógico que funciona en directo sin necesidad de usar ordenadores.

En la página sobre el proyecto podéis encontrar una información bastante completa, numerosas imágenes y un vídeo.

El sonido de la complejidad



Sounds of Complexity de Kinotek es un proyecto artístico cuyo sonido deriva de grabaciones de un electroencefalógrafo analógico, en la página de sus creadores hay una explicación más detallada (en inglés y en italiano). Al respecto de las imágenes no explican mucho, así que no sé si tendrán alguna relación directa con la actividad cerebral o estarán creadas de manera un tanto arbitraria.

Además de este vídeo podéis ver alguno más de la misma pieza en la página de Vimeo de Kinotek.

Luces en el cielo



No sé si lo he comentado alguna vez por aquí, pero los visuales más impresionantes que he tenido el gusto de ver en un concierto en directo fueron, contra todo pronóstico, en 1999 en la primera gira que trajo a Nine Inch Nails por estos territorios. Años más tarde, en el 2005, los vi otra vez en el caluroso verano barcelonés, en una sala pequeña, llena a reventar y sin aire acondicionado. El infierno, vamos. A nivel técnico no puedo hacer ninguna crítica negativa, pero personalmente el concierto me pareció una espectáculo de rock alternativo de lo más insulso y tópico, y decidí no volver a ningún concierto suyo, ni por los viejos tiempos. Vamos, que cuando digo que aquella primera vez el conjunto audiovisual ponía la carne de gallina no se trata de ninguna percepción alterada por ningún tipo de fanatismo, además en 1999 ya no me interesaban mucho NIN, la verdad.

Creo que algún día escribiré algún post en profundidad sobre el tema audiovisual en la música de NIN, porque da mucho de sí el asunto, especialmente cuando pienso en los vídeos que le hizo mi amadísimo Bill Viola. Aunque Trent Reznor no vuelva a hacer jamás un disco que me acelere las neuronas y el pulso, siempre tendrá un lugar de honor en mis estanterías, por saber quién es Bill Viola, por haberle pedido vídeos y por haber incluido en el DVD de la gira un comentario completo del señor Viola explicando detalladamente el asunto. Bueno, y por unas cuantas razones más, no voy a negar que hay temas de NIN que me siguen provocando accesos y que a nivel político, incluso activista, podría entrar en muchas disquisiciones que me agradan.

Todo esto viene ahora a que acabo de ver un vídeo de la última gira de NIN y me parece que si vienen por aquí voy a ir a verlos de cabeza. El vídeo es bastante cochambroso, tanto a nivel visual como sonoro, pero se intuye la grandiosidad del asunto, en el que la pura interacción sonora/visual ya está dando paso a interactividad física y espacios visuales tridimensionales. Estaba viendo el vídeo otra vez y sólo de imaginarme lo emocionante que debe ser ver esto hasta me entran ganas de llorar, hay que ver que cosas más raras me levantan la emotividad.

PD: Los visuales de Only al completo en Calgary.

Thursday, 31 July 2008

La geometría de la música

Tres profesores de música de diferentes universidades estadounidenses han ideado una nueva manera de analizar la música aprovechando la matemática inherente al medio. Han llamado a su sistema 'teoría de la música geométrica', y la idea consiste en trasladar el lenguaje de la teoría musical al de la geometría, cogiendo secuencias de notas, como acordes, ritmos y escalas, y categorizándolas para agruparlas en 'familias'. La explicación completa es un tanto técnica, pero, resumiendo, lo que hacen es traducir la información musical a formas y espacios geométricos.

El proyecto no tiene ningún tipo de reminiscencia artística ni creativa, se trata simplemente de un método para estudiar la música de una manera analítica. [+info]

Dibujar el sonido, escuchar el dibujo

Hace unas semanas ya hablé sobre el tema de los dibujos sonoros, y hoy he encontrado otro artista interesado en ese tipo de asuntos gráficos.

Kichul Kim es un creador que trabaja sobre todo con el sonido, interesándose especialmente por la idea del dibujo sonoro. Él mismo comenta en su página web que: “La razón por la que quiero dibujar con sonido es mostrar la fuerza que cobran las imágenes a través de este. Mientras que las imágenes dejan un rastro, el sonido no. Creo que ese es el elemento que diferencia más una cosa de la otra, aunque el medio sonoro y visual tienen ciertas similitudes. Por eso quiero crear un trazo sonoro. Pese a que el sonido se puede registrar en una cinta o en un CD, no se puede ver. Creo que necesito un sistema nuevo que pueda mostrar el sonido además de dibujarlo; quizás mi trabajo se caracteriza por la búsqueda de un trazo sonoro”.

En la página de Kim podéis encontrar más información sobre sus obras, además del vídeo titulado Sound Drawing 2001-2004 en la sección Movies, que muestra algunos de sus experimentos con dibujos sonoros.

Escuchar en braille

Ototenji de Mika Fukumori es un dispositivo que permite a la gente que puede ver aprender braille fácilmente usando los sentidos de la vista, el oído y el tacto.

El alfabeto Braille japonés consta de 50 símbolos que se crean con combinaciones en una cuadrícula de seis puntos. En esta pieza, se insertan unos pequeños bloques en un panel con seis agujeros, y cuando la figura es una letra del alfabeto braille, se escucha el sonido correspondiente a esa letra.

Aunque no es una obra artística me parece interesante porque aplica la interacción entre imagen y sonido a un proyecto con fines educativos. [+info]

Monday, 28 July 2008

Tractor : Martin Böttger + Bruno Dias



Este es uno de los vídeos que más gusta de lo que me he cruzado por ahí últimamente. Se titula Tractor, con visuales creados en Maya por Martin Böttger y música de Bruno Dias.

Seguramente al verlo muchos pensaréis en la pieza que Alexander Rutterford realizó para el tema Gantz Graf de Autechre. Las similitudes son claras, y ese vídeo de Rutterford sigue siendo uno de los mayores logros de sincronización que uno pueda echarse a los ojos/orejas. A pesar de tener ya sus añitos (es de 2002) no puedo pensar en otra pieza de relojería CGI que pueda superarlo dentro del mundo del vídeo-clip musical.

Comparaciones aparte (casi siempre odiosas, pero a veces son tan obvias que es inevitable hacerlas), esta pieza de Böttger es extraordinariamente limpia, casi abstracta, aunque el objeto que vemos en pantalla representa el eje del motor de un tractor.

En resumen, que a pesar de las similitudes, es lo mejor que he visto en 3D aplicado a vídeo musical desde la fantasía lisérgica de Rutterford. He dicho lisérgica, sí, porque aunque el vídeo de Gantz Graf no sea precisamente psicodélico, su propio autor afirmaba en una entrevista que: "procede de una experiencia interesante que tuve una vez con el LSD".

Wednesday, 16 July 2008

Papiroflexia sonora y orquesta de cremalleras

JooYoun Paek es una artista/diseñadora coreana afincada en Nueva York que a menudo crea interfaces y proyectos relacionados con el sonido desde una perspectiva visual e incluso táctil.



Fold Loud
es una interfaz de juego musical (de)construida que usa las técnicas de pliegue de papel del origami y principios rituales taoistas para ofrecer a los usuarios una sensación de relajación calmada y tranquilizadora. Esta pieza conecta tradiciones antiguas con tecnologías modernas combinando el origami, el sonido de la voz y técnicas interactivas. Al contrario que las tecnologías habituales pensadas para un ritmo de vida rápido, Fold Loud se centra en curar, recuperar y equilibrar. Jugar con Fold Out implica plegar un papel para crear sonidos vocales armónicos. Cada pliegue tiene asignado un sonido diferente, de manera que combinándolos se crean armonías. Los usuarios pueden doblar varias hojas al mismo tiempo para producir un coro. Los circuitos abiertos creados con un tejido conductor están cosidos de manera visible, de forma que creen una estética meta-tecnológica. Cuando se pliegan las hojas usando las marcas, el circuito se cierra y actúa como interruptor. La interfaz guía a los participantes para que hagan gestos delicados y repetitivos con las manos, como girar, presionar y doblar. Se invita a los usuarios a relajarse, reflejando diferentes sentidos físicos al manipular el papel para crear tanto objetos geométricos como una armonía.



Zipper Orchestra es una instalación de vídeo interactiva que combina un lienzo con cremalleras que funciona como controlador físico y un vídeo con un collage de cremalleras que actúa como pantalla musical. Los usuarios pueden jugar con la música abriendo y cerrando las cremalleras físicas. La pantalla contiene nueve clips de vídeo de gente diferente abriendo y cerrando cremalleras de su ropa. Moviendo las nueve cremalleras del lienzo, los usuarios pueden controlar los movimientos de las cremalleras de la pantalla. Hay además una cremallera principal que controla los nueve vídeos al mismo tiempo. Al jugar con la orquesta de cremalleras, el usuario crea armonías visuales y acústicas interactuando con otras personas y experimentado sensaciones abiertamente sensuales.

Podéis encontrar más imágenes y vídeos en la página de la artista.

Sunday, 13 July 2008

Gas : Vapourware Oscilloscope



Según el propio autor del vídeo, "esto es lo que ocurre cuando pasas algunas formas de onda electrónicas en crudo a través de un voltaje a un convertidor de rayos de electrones, comunmente conocido como osciloscopio, y mapeas los voltajes de entrada a curvas de Lissajous. Pura entrada analógica : salida analógica". No obstante, no se trata de las imágenes del osciloscopio tal cual, ya que el vídeo está editado y lo que se ve son varias capas superpuestas, en algunos momentos hasta 16 [+info]

La música es Vapourware, del álbum Gas 095.

superDraw + Color Is Luxury



Este es un fragmento de una actuación en directo de Color Is Luxury (música) y Joshue Ott (vídeo). Sobre Ott ya escribí un comentario hace unos meses, respecto a la herramienta que usa para trabajar en directo, una aplicación creada con Processing.

Untitled Sound Objects (Live in Montreal, Elektra Festival 2008)



En los Untitled Sound Objects, Pe Lang y Zimoun usan materiales físicos para generar sonidos haciéndolos vibrar a través de máquinas y robots controlados con un ordenador. Estos dos artistas se centran en la creación de arquitecturas acústicas con una atmósfera orgánica, investigando las propiedades del sonido, los materiales, la resonancia y los sistemas generativos. El resultado es presentado como instalaciones sonoras (exposiciones) o como actuaciones en directo (conciertos audiovisuales).

Saturday, 12 July 2008

Bruce Conner [1933-2008 in memoriam]

Creo que la primera vez que escuché el nombre de Bruce Conner fue en el libro El arte cinematográfico (David Brodwell y Kristin Thompson, Paidós), en el que se cita A Movie (1958) como un ejemplo de montaje asociativo. Este ensayo exhaustivo dedica cuatro páginas a la pieza de Conner dentro del capítulo El estilo como sistema formal. No tuve la oportunidad de ver ningún trabajo de Conner hasta algún tiempo después —en aquella época Internet no era lo que es ahora, y era difícil encontrar este tipo de cosas, así que uno tenía que esperar a que a algún museo cercano se le ocurriese proyectarlo. La ocasión llegó en 2002, cuando el Macba programó un ciclo titulado Buen rollo que giraba en torno a las culturas musicales, con un especial énfasis en sus aspectos políticos y sociales. El filme de Conner incluido en el programa era Breakaway (1966), un corto musical de cinco minutos en el que se ve a Antonia Christina Basilotta (Toni Basil) bailando entrecortadamente con y sin ropa. El tema que suena, de la propia Basil, sólo dura dos minutos y medio, después de los cuales el corto se vuelve a ver en sentido inverso hasta llegar al principio. Breakaway tiene mucho que ver con lo que hoy consideramos el vídeo-musical, y diría que gran parte de la industria del vídeo-clip 'arty' le debe más a Conner de lo que está dispuesta a admitir.

No obstante, Breakaway no es un trabajo muy típico dentro del universo de Conner, ya que lo rodó el mismo, cuando lo habitual en él era trabajar con found footage. Un ejemplo más famoso que sí entra dentro su estilo clásico es la pieza que hizo para Mongoloid (1978), de Devo, un montaje de fragmentos encontrados que critica con ironía la vida de esos personajes insulsos y grises que forman el grueso de la sociedad del bienestar.



Otra pieza en la línea de Mongoloid es America is Waiting (1982), en este caso sobre un corte de Brian Eno y David Byrne. Imágenes que reflexionan una vez más sobre la cultura americana, subrayando especialmente la belicosidad y el patriotismo.

Para el mismo disco, My Life in the Bush of Ghosts, Conner realizó también Mea Culpa (1981), una pieza de tintes más abstractos y conceptuales, tanto a nivel sonoro como visual.



Conner creó además cortometrajes musicales para Terry Riley y Patrick Gleeson, pero como no he tenido el placer de verlos poco puedo decir.

Thursday, 10 July 2008

Tempest : Erich Berger



La instalación/performance audiovisual TEMPEST de Erich Berger debe su nombre a una palabra en código del gobierno estadounidense que designa una gama de estándares para limitar las emanaciones eléctricas o electromagnéticas de equipos electrónicos como microchips, monitores o impresoras.

En 1985, Wim van Eck publicó el primer análisis técnico sin clasificar sobre los riesgos de seguridad de las emanaciones de los monitores de los ordenadores. A raíz de esa investigación, las radiaciones de los monitores de los ordenadores se suelen llamar 'radiación Van Eck', y las tecnologías de vigilancia relacionadas con ellas 'Van Eck Phreaking'. El 'Van Eck Phreaking' significa que los contenidos de la pantalla del ordenador se pueden reconstruir a distancia recogiendo el campo EM emitido por la pantalla.

Cualquier aparato electrónico que esté encendido (un móvil, un portátil, un receptor GPS) genera emisiones electromagnéticas constantes, incluso si está en modo de reposo. Los diseñadores británicos Anthony Dunne y Fiona Raby lo llamaron 'la vida secreta de los objetos electrónicos' al percibir que la actividad de la tecnología electrónica no es transparente ni está sujeta a la manera en que la usan los consumidores; bajo esas interfaces agradables se ocultan procesos autónomos con sus propias dinámicas.

Tempest utiliza los principios básicos de la técnica 'Van Eck Phreaking' para transformar gráficos puramente generativos en una composición intensa y estricta de sonido, ruido y luz. Siguiendo una larga tradición de tecnologías militares subvertidas para propósitos creativos, Erich Berger crea una pieza audiovisual en la que la relación entre las imágenes y los sonidos viene determinada de manera precisa por las emisiones electromagnéticas producidas por el monitor. Los gráficos que aparecen en la pantalla producen ondas de radio que, al ser capturadas con varias radios sintonizadas en diferentes frecuencias AM, reproducen sonidos definidos y vibrantes que se corresponden con las imágenes. [video]

Tuesday, 8 July 2008

El cine sonoro ya existía antes de inventarse el cine



El cantante de Jazz (1927) se suele citar como la primera película sonora. Sin embargo, la primera película sonora es un filme de 1894-95 titulado Dickson Experimental Sound Film, de William Dickson, uno de los colaboradores de Edison.

En realidad el cine sonoro se inventó más de 30 años antes de lo que se suele afirmar, y lo que es más curioso todavía, la primera película sonora es anterior a la invención del cine... La fecha oficial del nacimiento del cine es el 28 de diciembre de 1895. La razón por la que se señala precisamente ese día es que fue la primera proyección pública, pero en realidad existen decenas de películas en toda regla anteriores a esa fecha.

Saturday, 5 July 2008

Joyería sonora



Yuri Suzuki, un diseñador de productos y músico electrónico japonés que actualmente vive en Londres, diseñó en colaboración con Linda Brothwell y Caren Hartley una serie de joyas sonoras.

El proyecto se inspira en la siguiente pregunta: ¿Cómo puede tener el sonido un valor físico? En estos collares, brazaletes y broches se grabaron surcos sonoros. Los sonidos pueden incluir recuerdos preciados, como las risas de alguien con su abuela, una conversación telefónica con una novia o sonidos registrados durante un viaje o las vacaciones.

Más información, imágenes y vídeos en la propia web y en flickr de Suzuki.

Friday, 4 July 2008

Otolab

Otolab nació en 2001 en Milán de la mano de un grupo de músicos, djs, vjs, vídeo-artistas, realizadores de vídeo, diseñadores de webs, diseñadores gráficos y arquitectos que se embarcaron en un camino común en el área de la música electrónica y la investigación visual.

Los proyectos de Otolab giran en torno a laboratorios, seminarios y actuaciones en directo que siguen los principios del intercambio y el apoyo mutuo y la diseminación libre del conocimiento y la experimentación.

El grupo de trabajo lo componen varios proyectos individuales y colectivos que van desde actuaciones de djs y vjs a instalaciones interactivas, siempre investigando la relación simbiótica entre los sonidos y las imágenes.

Durante sus años de vida, Otolab ha sido invitado a varios festivales nacionales e internacionales, en los que ha presentado espectáculos en vivo, proyectos e instalaciones, además de promocionar sus iniciativas culturales auto-gestionadas. Actualmente, Otolab es una asociación cultural que vive de sus actuaciones, instalaciones y producciones sonoras y audiovisuales.

Entre sus últimos proyectos destacan Animula y Circo Ipnotico.

Animula es una instalación audiovisual en la que cinco formas brillantes están encerradas dentro de un espacio metafísico. Bailan y cantan, dividiéndose y fundiéndose unas en otras.



Circo Ipnotico es un viaje audiovisual improvisado que une tecnologías analógicas y digitales en una experiencia hipnótica.

Wednesday, 2 July 2008

LA AUDIOVISIÓN

LA AUDIOVISIÓN
Introducción a un análisis conjunto de la imagen y el sonido
Michel Chion
Ediciones Paidós

Esta obra presenta el balance de una investigación sobre las relaciones entre el sonido y la imagen que el autor viene elaborando desde hace quince años y de la que aquí ofrece una nueva formulación. En su opinión, las películas sonoras, los videoclips o los programas de televisión no se “ven” sino que se ”audioven”. En otras palabras, los objetos audiovisuales dan lugar a una percepción específica -la audiovisión- que funciona esencialmente por proyección y contaminación recíprocas de lo oído sobre lo visto, o bien “en ausencia”, por sugestión. La audiovisión es, en el sentido técnico de la palabra, un ilusionismo, y su estudio debe resultar obligado tanto para los interesados en la vertiente práctica de la imagen, como para los teóricos del cine y la televisión.

Compositor de música concreta, realizador, investigador, crítico, cronista y profesor en diferentes centros universitarios y profesionales, Michel Chion ha publicado una docena de estudios y ensayos dedicados a su trabajo teórico sobre el cine, la música y el sonido, que sigue siendo el centro de sus investigaciones.

// Frozen



Over the past years, there has been an enormous development in the field of live-presented audio-visual performance art. Owing to digital techniques, image and sound are connected in a way that was previously unthinkable. Frozen is headed in the opposite direction. Frozen pulls the plug and presents audio art, prints, and sculptures as independent, but interconnected works of art.

In the Mediaroom at the Melkweg multi-channel sound pieces can be experienced over an advanced speaker setup, accompanied by sound in a "frozen" form: Images and sculptural objects made using sound as input. These artworks use audio analysis and custom software processes to extract meaningful data from the sound signal, creating a mapping between audio and other media. Frozen will feature digital prints as well as four "sound sculptures" created using digital fabrication technology such as rapid prototyping, CNC and laser cutting, which allow for the direct translation of a digital model into physical form.

Frozen arose in collaboration with the Norwegian artist and curator Marius Watz, whose Generator.x project investigates the implications of generative systems and computational models of creation. The recent exhibition Generator.x 2.0: Beyond the Screen brought together artists and architects to explore the potential of this new mode of creation.

Besides Watz's own contribution, 'audio sculptures' will be on display by Andreas Nicolas Fischer (DE) & Benjamin Maus (DE), Leander Herzog (CH), and Daniel Widrig & Shajay Booshan (UK). These sculptures are based on audioworks by Freiband (Nl, Frans de Waard), and Alexander Rishaug (No).

Frozen is presented in the Melkweg Mediaroom and at Paradiso.

Imágenes
+info [en holandés]

Monday, 30 June 2008

Bruce McClure



Hace unos meses publiqué un comentario sobre Bruce McClure, un cineasta experimental que trabaja con proyectores en directo al que tuve la oportunidad de conocer en un taller en Arteleku. Entonces en el texto sólo incluí algunas imágenes, aunque tenía vídeos, que creo que son mucho más descriptivos y que merecían un espacio aquí.

Podéis encontrar más información sobre McClure en el post original.

Saturday, 28 June 2008

Contakt Cube

El cubo de Contakt es una caja de luz con LEDs que ofrece varios tipos de interacción. Por un lado, los miembros de Contakt pueden interactuar con el cubo físicamente usando su tarjeta de socios. Cada tarjeta tiene un chip RFid (de radio frecuencia) único que se puede pasar por un lector. Dependiendo de las diferentes condiciones de la tarjeta (válida, inválida, caducada, desconocida, ya escaneada...) la apariencia exterior del cubo cambiará.

Por otro lado, el cubo ofrece una conexión Bluetooth inalámbrica pública. La WLAN del cubo permite que cualquier persona que tenga un dispositivo inalámbrico portátil, como un ordenador o un móvil, descargue o cargue contenidos. El cubo busca continuamente dispositivos disponibles, así que si estás cerca y tienes un aparato con Bluetooth recibirás un mensaje.

Además, en los eventos de Contakt el cubo se comunica directamente con la sesión de Richie Hawtin, provocando interacciones entre el sonido y los patrones de los LEDs.

Friday, 27 June 2008

PREMIO A LA MEJOR OBRA MIXTA MUSICAL ELECTROACÚSTICA Y VISUAL

Administrado por la Fundación Bunge y Born, el Premio Leonor Hirsch tiene por objeto llamar a Concurso abierto a creadores vivos de todas las nacionalidades sin límite de edad a efectos de promover la creación de vanguardia utilizando música e imagen.

La convergencia de tecnologías digitales abre a los músicos contemporáneos, ya muy familiarizados con las técnicas de composición electroacústica, nuevas avenidas expresivas al permitirles extenderse con naturalidad al manejo digital de imágenes. Tanto individualmente como en colaboración con artistas visuales, utilizando música e imagen los compositores de hoy están redefiniendo la vanguardia estética.

La obra ganadora del Premio Leonor Hirsch recibirá U$S 10.000 (dólares diez mil), y será seleccionada entre tres Finalistas, obras que serán todas ejecutadas en un concierto público en presencia de sus autores y del Jurado del Premio.

(*) Nota: La fecha límite para participar de este concurso se ha extendido del 1º de Julio al 15 de Julio. Tendremos en cuenta las presentaciones con el matasellos hasta el 15 de julio de 2008, inclusive.

+info

Thursday, 19 June 2008

Happy Together. Cine y culturas pop : A Coruña

Happy Together. Cine y culturas pop
10 y 11 julio de 2008

Cuando Ricciotto Canudo definió, a principios del pasado siglo, el cine como “séptimo arte”, lo hizo pensando en la relación del nuevo medio con lo que podríamos denominar artes del ritmo y del movimiento: la danza y la música. Desde entonces, la relación cine y música se ha planteado, al menos desde ciertas perspectivas estéticas, desde la especificidad o la “artisticidad” del primero; todavía son muchos los pensadores y creadores que piensan el cine como arte a condición de que se aleje de los modelos narrativos del cine clásico. Así, en numerosas ocasiones, la relación cine-música se plantea desde la defensa de la experimentación formal, de la relación del primero con las vanguardias históricas o desde los actuales debates sobre el cine en el museo. Por otro lado, el discurso cinéfilo ha dedicado mucha atención a la música de cine; es decir, a la banda sonora. Todos estos enfoques han dado lugar a trabajos, sin duda, estimulantes y en no pocas ocasiones, a textos que podemos considerar pertenecientes a la Historia de la Teoría Cinematográfica.
Aunque quizás no haya recibido atención suficiente por parte de los especialistas, es indiscutible que el cine y las músicas populares ha jugado (y juega) un papel importantísimo a la hora de definir y construir los procesos identitarios contemporáneos. Desde este punto de vista, la relación cine-música ya no se plantearía desde el terreno estético, sino más bien desde el sociocultural. El curso “Happy Together. Cine y culturas pop” se interesa por las formas en que el cine se encargaría de mostrar o de documentar algunos de esos procesos identitarios - desde las contraculturas hasta el punk, pasando por la nostalgia - y también por las complejas relaciones entre la cultura popular y la vanguardia o la experimentación.

Coordinadores: Josep Lluis Fecé y Antonio Weinrichter

Programa

jueves 10 de julio

10:00 h. Presentación

10:30 h. El cine como arte pop (cine pop sin música): Russ Meyer, Richard Lester, Godard’s 60s, Blow-Up, Pedro Almodóvar, Paul Morrissey, John Waters, NY indies (Jim Jarmusch, Susan Seidelman, Amos Poe…)
Jordi Costa (Periodista, Crítico de El País)

11:30 h. El pop en el cine/video experimental: Kenneth Anger, James Benning, Bruce Conner, Andy Warhol, scratch video
Antonio Weinrichter (Ensayista y Profesor de la Universidad Carlos III de Madrid)

13:00 h. Cine, música e identidades subculturales: de la resistencia a la distinción
Josep Lluís Fecé (Profesor del CESAG, Universitat de les Illes Balears)

17:00 h. El rockumental, ¿una moda pasajera?
Luis Hidalgo (Periodista, Crítico de El País, Director artístico del Festival In-Edit)

18:00 h. Coloquio con los participantes

Viernes 11 de julio

10:00 h. Ars videoclip: influencias en las narrativas audiovisuales contemporáneas
Joan Pons (Periodista/El Terrat)

11:00 h. Sinergias industrias cine/música. Las BSO pop
Quim Casas (Periodista, Crítico de Cine)

12:30 h. El DIY (Do It Yourself) en la era digital
Ignacio Gallego (Profesor de la Universidad Carlos III de Madrid, DJ Potapop, Promotor)

17:00 h. Géneros: Retro (back to the 50’s), Comedia musical rock
Jesús Palacios (Ensayista)

18:00 h. Coloquio con los participantes

Lugar: Centro Galego de Artes da Imaxe (CGAI)
Fecha: 10 a 11 de Julio
Precio: Gratuíto, previa inscripción
Plazo matrícula: Hasta el 8 de julio (inclusive)

http://www.cgai.org/index.php?seccion=cursos_otros.php&id_curso=35