Monday, 10 December 2007

Bill Ham



Bill Ham es un artista que en los 60 trabajaba con pinceles, pigmentos y otros materiales convencionales en un estilo que entraría dentro de lo que conocemos como ‘action painting’ o abstracción textural. En otoño de 1964 Ham empezó a trabajar con luces y electricidad, experimentando con materiales cinéticos en un mural de luz ‘programado’ para funcionar indefinidamente. Posteriormente probó suerte con un proyector de transparencias, y entonces empezó a trabajar con luz (imágenes proyectadas) y música. Para él se trataba de una extensión natural de las técnicas pictóricas que había usado hasta entonces, pero utilizando un método de trabajo más directo y espontáneo.

Ham hizo sus primeras performances públicas con proyectores de transparencias en 1966, y pronto amplió su trabajo a conciertos y festivales de rock tanto en EE.UU. como Europa.

El trabajo de Ham tiene mucho que ver con la psicodelia de la época, utilizando sobre todo imágenes de fluidos con colores vivos, similares a las de las lámparas de lava.

Thursday, 6 December 2007

a mínima::

El último número de a mínima:: (una revista centrada en los nuevos medios) está dedicado al Live Cinema. Aunque no estoy muy de acuerdo con el término 'live cinema', porque no es cine... Bueno, todo depende de a qué nos refiramos con el término cine, claro, no lo digo en el sentido de que no se trata de películas tradicionales al uso, que la verdad es que es algo que no me interesa demasiado, lo que quiero decir es que para mí el medio cinematográfico tiene que ver con la química, y en live cinema normalmente estamos hablando de vídeo y medios digitales. Con esto no quiero decir que sea mejor ni peor una cosa que otra, simplemente creo que, a pesar de compartir el hecho de ser artes en movimiento, el cine y el vídeo son dos medios muy diferentes. Obviamente, es mucho más complicado y caro trabajar con cine en directo, pero hay gente que se dedica a ello, con resultados absolutamente increíbles, como Bruce McClure.

Elucubraciones aparte, es una compra indispensable :)))

http://aminima.net/

Thursday, 29 November 2007

LIVE SOUNDTRACK-CINEMA SESSION

DIVENDRES 30 Novembre_ 20:30 h
Niu : espai artístic contemporani
Almogàvers, 208
BARCELONA
www.niubcn.com

DAS KABINET DES DOKTOR CALIGARI
music by D-FRIED

Qualificada en el seu dia com "una revelació del que una pel.lícula és capaç com a forma d'expressió artística de vanguardia, al temps que un repte per al públic", 'Das Kabinet des Doktor Caligari' (1920) de Robert Wiene, és una de les fites del cinema expressionista alemany, que a més obriria les portes del gènere fantàstic, al que aviat s'hi sumarien F.W. Murnau amb 'Nosferatu', Fritz Lang amb 'Dr. Mabusse' o Paul Wegener amb 'Der Golem'. Per la seva audaç posada en escena, pels seus decorats amb prespectives susreals i una il.luminació basada en les ombres i els contrastos extrems, la pel.lícula va ser considerada com una declaració d'obscuritat emocional.

Amb aquestes premises, Jordi Saludes aka D-Fried, productor i dj que està al darrera de projectes com Allied Force, Slow Bullets, Isla Zebra, Sadako Experience o Alien Kid, i que ha publicat els seus treballs al Regne Unit, França i Espanya, en segells com Emi, Emcee Recordings, Just Noyze, React, Astral Productions, Plein Gaz, Edel, BcNess o Pulso, construeix una banda sonora que intenta maximitzar l'atmosfera fosca del film, e intensifica el dramatisme propi de les silent movies, amb una música que es mou entre l'ambient, els ritmes trencats i la experimentació electrònica.

GRATIS

LIVE VISUAL MUSIC SESSIONS

DIJOUS 29 Novembre_ 21:00 h
Niu : espai artístic contemporani
Almogàvers, 208
BARCELONA
www.niubcn.com

VISUAL BRASIL'Vj's compilation'L'objectiu del projecte Visual Brasil i dels seus events és proposar una trobada de cultures, alhora que divulga l'art visual brasiler arreu del món. En la seva tercera edició, el Visual Brasil reunirà el treball de més de 10 vj's brasilers en una narrativa rica en llenguatges e influències. Comptarem amb el material visual de vj's brasilers com: duVa, Ortega, VARGA, Eletro-I-Man, Xorume, Scan o Coletivo La Borg, entre d'altres.

GRATIS

Wednesday, 28 November 2007

El lienzo es la pantalla

CaixaForum Barcelona
Del 15/12/2007 al 15/01/2008

En esta muestra se investiga la relación entre el cine y la pintura desde diferentes perspectivas. Las películas que se incluyen en la misma no sólo evocan la pintura desde un punto de vista formal, sino que en muchos casos exploran momentos y piezas de la historia de este género, construyen equivalentes fílmicos de pinturas concretas o especulan sobre la capacidad del cine y la pintura para captar una realidad estable.

La historia del arte no puede ignorar que cada vez pasamos más tiempo ante una pantalla y somos menos conscientes de la diferencia entre lo real y lo escenificado, entre la “verdad” y la simulación. En manos de los artistas y las artistas contemporáneos, la veracidad de la imagen fotográfica o videográfica se degrada, deja de ser una huella de la realidad y se convierte en símbolo.
Sin lugar a dudas, muchos de estos y estas artistas contemporáneos se han inspirado en movimientos y tendencias artísticos ya establecidos, desde el surrealismo y la pintura abstracta hasta el minimalismo y el arte conceptual. No obstante, lo más interesante es que ellos y ellas están creando su propio simulacro de la historia del arte a través del vídeo y la fotografía. La historia del arte, la reinterpretación subjetiva de acontecimientos, lugares o momentos históricos, el concepto de historia y el papel que desempeñan las imágenes en su construcción (y su poder de evocación), entre otros aspectos, están presentes en los documentales que se han seleccionado para esta muestra.

La exposición, producida por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y comisariada por Berta Sichel y Céline Browez, es en definitiva un conjunto de “pinturas” fílmicas que nos ayudarán a descubrir la relación entre la tela y la pantalla.

De martes a domingo, de 10.00 a 20.00 h
Sábados, de 10.00 a 22.00 h

CaixaForum Barcelona
Av. Marquès de Comillas, 6-8. 08038 BARCELONA

http://www.fundacio1.lacaixa.es/SGI/Actividad.jsp?idActividad=19668&idIdioma=1

Tuesday, 27 November 2007

ANS



El sintetizador ANS [llamado así en honor del compositor Alexander Nikolayevich Scriabin, que había teorizado sobre la relación del color con la música] es un instrumento musical fotoelectrónico creado por el ruso Evgeny Murzin, un ingeniero que trabajaba en áreas no relacionadas con el sonido. Murzin tuvo la idea en 1938, pero el desarrollo del ANS era sólo un hobby y tuvo muchos problemas para llevarlo a la práctica. En 1958 consiguió establecer un laboratorio y reunir a un grupo de ingenieros y músicos para diseñar el ANS.

La base tecnológica de este invento es el sonido óptico usado antiguamente en el cine. Las ondas senoidales usadas por el ANS están impresas en cinco discos de cristal con velocidades de rotación diferentes, usando un proceso que desarrolló el propio Murzin. Cada disco contiene 144 fonogramas ópticos de tonos puros, o pistas de sonido, produciendo un total de 720 tonos puros, lo cual cubre la gama completa de frecuencias audibles. Para seleccionar los tonos necesarios, se diseña una ‘partitura’ con una placa de cristal cubierta por una masilla negra opaca. Este cristal funciona como superficie de dibujo sobre la que el usuario hace marcas rascando la masilla, permitiendo que pase la luz a través de ciertos puntos. La partitura pasa por un lector que es básicamente una apertura estrecha con fotocélulas y amplificadores. Las fotocélulas traducen el dibujo a tonos. En otras palabras, toca lo que dibujas. La masilla no se seca y permite hacer correcciones inmediatamente.

El proceso de lectura se puede hacer manualmente o con la ayuda de un motor. La velocidad a la que se escanea la partitura no tiene relación con el tono, pero sirve para controlar la duración. El ANS es completamente polifónico y puede generar sus 720 tonos simultáneamente.

Existe una recopilación de 1990 de compositores soviéticos que usaron el ANS: "Musical Offering" – las grabaciones son de entre 1960 y 1970. Las grabaciones de Stanislav Kreichi "Ansiana", "Voices and Movement" y "Electroshock Presents: Electroacoustic Music" están disponibles en Electroshock Records. En 2002 la BBC emitió un programa sobre el ANS como parte de su serie “Soundhunter”. En 2004, el grupo Coil publicó CoilANS, una caja de discos con drones experimentales creados con el ANS.

Actualmente el ANS está en el Theremin Center de Moscú y es mantenido por Stanislav Kreichi, que da clases magistrales sobre el instrumento cada semana.

http://theremin.ru/archive/ans.htm

Saturday, 24 November 2007

MID_E 07:24 noviembre-1 diciembre:Donostia

Quinta edición de la Muestra Internacional MID_E, plataforma de reflexión y visibilidad en torno a iniciativas fronterizas al arte y a las expresiones de la cultura urbana. La muestra, organizada por el Colectivo YOX, se centra en tres de las áreas que mejor representan esta confluencia hacia la que miran los nuevos modos y discursos de la creación contemporánea:

Moda Independiente Prácticas de moda contemporánea como soporte de expresión. Moda conceptual, alta costura, propuestas artísticas en soporte textil, etc.

Imagen Electrónica Formatos electrónicos y digitales: video- creación, fotografía, arte multimedia, net- art.

DJ- Creación Musical Sesiones sonoras y composiciones musicales creadas o reelaboradas por discjockeys y creadores musicales.

MID_E apoya la creación joven europea, ofreciendo un programa que favorece el encuentro, el debate público y la difusión de estos jóvenes valores apoyados por la repercusión de artistas y profesionales ya reconocidos. Su foro internacional, con Donostia- San Sebastián como base de operaciones y de su marco principal, amplía su radio de acción con programas especiales difundidos en diversas ciudades estatales e internacionales.

MID_E ofrece una estructura de actividades destinada a favorecer el encuentro de creadores y la difusión de sus propuestas. Hasta la fecha ha recibido a más de 180 artistas de diversos orígenes europeos.

Certamen internacional que convoca y selecciona a los participantes noveles.

Eventos de arte formulados en presentaciones de moda, sesiones musicales, proyecciones e instalaciones de vídeo y multimedia, intervenciones de artistas provenientes de otros formatos artísticos, exposiciones temporales. Hasta la fecha han destacado las intervenciones de: Henrik Vibskov, Diane Pernet, Ziad Ghanem, Wendy&Jim, la marthe, Marta Terán, Gori de Palma, Manuel Albarrán, Ion Fiz, Joan Morey, Trudi Woof, Ultralab, Daniel Riera, Ramón Churruca, Peter Harris, Nanda Sport, Bubiboy, Ángel Molina, Michael Mayer, Popnebo, Las Perras, Iñaqui Marín, Coco, Ascii Disko, Glamour to Kill, Chico y Chica, Micko, Bianca Fox, Mina Tylôskog. Ivanka, Airpool, D.I.P…

Talleres, conferencias y mesas de debate. Autores con nombre propio en el panorama nacional e internacional ofrecen una amplia perspectiva sobre la creación contemporánea: Carles Congost,Ana Laura Aláez, Felipe Salgado, Manu Arregui, Yolanda Muelas, David Delfín, Eugenia de la Torriente, Sivia Prada…han intervenido en MID_E.

Foro editorial. Lugar de encuentro de publicaciones estatales e internacionales de arte y tendencias. Fantastic Man (Hol), Kult Magazine (It), Metal, Neo 2 o Wendy&Rita, entre otros, han sido representados en el foro.

Art- Clubs. Fiestas de arte (Art- Clubs) cuyo formato conjuga propuestas de arte en un marco lúdico alternativo a los espacios expositivos convencionales. Un formato que refuerza el objetivo de la muestra de acercar el arte al público.

Los programas y actividades que reúne MID_E, en definitiva, conforman un formato medio preocupado por ofrecer un recorrido pausado y enriquecedor por una cuidada selección de la creación de vanguardia en Europa.

http://www.mid-e.com/?page_id=2&language=es

Tuesday, 13 November 2007

Psicodelia

La experimentación con técnicas de mezcla de medios electrónicos que se ha introducido en la discoteca y el 'teatro total' es el resultado de los intentos de artistas, poetas, ingenieros, fotógrafos, cineastas, etc. de producir un estado psicodélico sin LSD.

George X. Charisma
Zoom Senses
Context vol.1 no.1 (Sept. 1966)

Monday, 12 November 2007

Critical Day

Hace algún tiempo, creo que unos años ya, hice un vídeo para un tema de Mauri titulado Critical Day. El trabajo era para usar en un concierto, pero ahora se ha publicado en la netlabel Audiovisual Theorem junto a otros clips de este músico.

La verdad es que fue un trabajo que tuve que hacer en muy poco tiempo, y tenía que ceñirme al tema de la guerra, que no es que me interese mucho... En resumen, que hice lo que pude teniendo en cuenta las restricciones temporales y temáticas. Sinceramente, hay fragmentos que no me convencen mucho, pero el par de veces que lo he visto en público he recibido una respuesta positiva por parte de la gente - aparte de alguien que se le ocurrió preguntar si había detrás una ideología nazi O_O

Comentarios surrealistas aparte... El vídeo está montado prácticamente en su totalidad fotograma a fotograma, sin ningún tipo de filtro digital - sí, tengo una paciencia infinita :) La mayor parte de las imágenes son de archivo, pero hay algunos fragmentos montados a partir de fotografías mías.

http://www.audiovisualtheorem.com/avtheorem_005.html

Descargar (presiona con el boton derecho del raton y selecciona Guardar destino como).

Friday, 9 November 2007

DiSToRsiOn FeSTiVaL 23+24NOV Mataró

El primer festival internacional de música experimental de Rocafonda (Mataró) tendrá lugar los días 23 y 24 de Noviembre en el centro social “Lafibra” de Mataró.

Enfocado sobre la música electrónica menos comercial y mas innovadora, desde su parte mas experimental, a la mas quema_pistas_de_baile.

El festival nace en un marco de criminalización del libre acceso a la cultura, que se sucede mediante la presión de la industria de la música, cine, etc. Una industria, cuyo negocio se basa en convertir la cultura y el arte en un subproducto enlatado, obstaculizando una evolución cultural y con un marco legal, que intenta equiparar penalmente el supuesto daño que puede hacer un adolescente que comparte una canción con un amigo a través de internet, al daño que se causa en un robo con el uso de la fuerza.

Esto sucede a través de las entidades de gestión de los derechos de autor como la SGAE, CEDRO, BSA, etc. que poco a poco se van descubriendo como lejos de ser asociaciones sin animo de lucro que se dedican a recaudar el dinero a los autores, como una nueva y lucrativa industria dedicada a explotar los miedos de la gente.

“Distorsion Festival” pretende crear un espacio de confluencia de creadores y músicos, donde puedan experimentar en la línea donde la música comienza a flirtear con el caos y a disfrazarse de ruido.

Además de los conciertos en vivo y las jam sessions, tendrán lugar talleres sobre creación de música y Vjing (trabajo con video en tiempo real) a través de herramientas libres, como experiencias de sellos musicales que trabajan con licencias libres.

Distorsion Festival, ante todo es un evento “100% SGAE Free”.

http://delcorp.org/distorsionfest/

Mauri - 15NOV - FNAC Oviedo

El día 15 de Noviembre, en el forum de la Fnac de Parque Principado de Oviedo, tendrá lugar la presentación de la última referencia publicada en Audiovisual Theorem.

A partir de las 19:30, Mauri ofrecerá una actuación donde se podrá ver y escuchar su trabajo para este netlabel: un conjunto de 5 vídeos de contenido heterogéneo llamado "Audiovisual memory" - para esas fechas ya estará disponible su descarga. Se trata de la publicación número 20 de este dj y productor, que acumula varios trabajos en la escena nacional y europea.

Un directo arriesgado combinando imágenes con música, que seguro no dejara indiferente a nadie.

El evento tendrá lugar el dia 15 de Noviembre en el forum de la Fnac
de Parque Principado a las 19:30, la entrada es gratuita.

Radio web MACBA

RWM (Radio web MACBA) es una plataforma on line que acoge la experimentación sonora dentro del Museo, planteándose desde una óptica radiofónica, estructurada en programas.

RWM no emite en directo. Los programas de RWM estarán disponibles mediante escucha a la carta (bajo demanda), descarga y suscripción a través de un servicio podcast. De este se podrá acceder a los programas más allá de su calendario de emisión.

Aunque a medio plazo RWM espera acoger varios proyectos, hace su lanzamiento con un único programa, Sonía.

Son[i]a

sonía:
Magnitud que expresa el nivel de sensación sonora producida por un sonido de intensidad.

Sonía es el primer programa de la plataforma RWM, se emite desde el 2 de mayo de 2006 y sus programas quedan disponibles en la red.

Cada programa tiene una duración de entre 5 y 15 minutos y durante el periodo de emisión la periodicidad es de entre dos y cuatro programas al mes.

Sonía es la evolución natural de la sección Audioensayo de La Revista digital en la que cada trimestre se presentan conferencias o actividades sonoras que han tenido lugar al Museo.

Sonía se presenta como una alternativa de consumo de la información que produce la actividad del Museo, aprovechando sinergias que se generan a partir de la presencia de personajes, actividades y sonidos que transcurren por el MACBA. A la vez experimenta con el formado radio como espacio de síntesis, recuperando grabaciones sonoras de actividades que ya han tenido lugar en el programa de actividades del Museo, pero que todavía están vigentes y que vale la pena poner a disposición de los usuarios.

Cada Sonía contendrá de forma variable diferentes secciones: entrevista, cine, concierto, exposición, paisaje sonoro y fondo del museo. En cada programa intervendrán personas de diferentes disciplinas que están o han estado vinculadas en algún momento a la actividad del Museo o que tienen que ver con sus líneas de trabajo.

Para la descripción y el indexado de los diferentes programas se utiliza un sistema de palabras clave que permite hacer búsquedas cruzadas por los contenidos de diferentes Sonías.

http://rwm.macba.es/controller.php?p_action=show_page&pagina_id=1&inst_id=1

Monday, 5 November 2007

LIVE CINEMA @ niu

TALLER & VIDEOPERFORMANCES
DIVENDRES 09 Novembre_ de 12:00 a 22:00 h

LIVE CINEMA @ niu
by Solu

Visuals de vanguarda al Niu de la mà de Solu. Dia especial amb el programa seguent:

12:00-19:30 Workshop Intensiu de Visuals en Temps Real (amb inscripció)

19:30-20:30 Projecció: RECHENZENTRUM:SILENCE (gratis)

20:30-21:00 AV LIVE / Eloi Puig : Somnis-Insomnis (gratis)

21:00-21:30 AV LIVE / Carles Sora, Dopamina, Joan Soler-Adillon : FAR (gratis)


TALLER Intensiu de Visuals en Temps Real

El taller, impartit per Solu, consisteix en una iniciació a la creació audiovisual en directe i la introducció a LIVE CINEMA. Es tracta cada pas per a la producció d'una performance visual, des de els mètodes de compresió del material fins el muntatge d'una actuació. Durant el taller es mostraran programes com Isadora i MODUL8.

Els participants han de portar els seus propis ordinadors portatils.

El taller ha estat creat i dirigit per Solu.

Preu: 40 EUROS [ inscriu-te ]


AV LIVES

Somnis-Insomnis

Realització d'un "directe" visual i sonor on la paraula escrita i la paraula sonora s'uneixen. Es tracta d'una improvisació musico-visual en laptop. Textes d'estat REM i textes en estat de sedació filtrats per un cut-up que elimina la linealitat gramatical però no elimina la unitat temàtica. Textes d'aparença aleatòria però sincronitzats de manera sonora a partir d'un software que ho permet. És una lectura "enllaunada" amb aparença visual i d'aparença caótica. A nivell tecnològic utilizo un projector de video-ordinador i un dispositiu de sortida d'audio. Concepció: Eloi Puig


FAR

"De què serveix que el més lúcid dels homes assenyali el sol de nit?" La Pell Freda, Albert Sánchez Piñol.

Al límit de la percepció i la naturalesa humana, buscant un rostre al que mimetitzar, entre el mite i allò desconegut. Just en aquest punt s'inscriu un Far. Tot alertant entre la foscor del mar els perills d'allò humà. Far és una performance audiovisual on les projeccions, estructurades en tres actes, són generades en temps real acompanyant els experiments sonors de Dopamina i varis protagonistes poc usuals com unes titelles de paper, cordills i altres estris que entren en dansa en les projeccions a través de la visió d'una càmera. La duració del directe és de 45 min i la música és original. Concepció: Dopamina.net i Carles Sora.

Ticket:
GRATIS

http://www.niubcn.com

Sunday, 4 November 2007

Live Cinema 10/11/2007 CaixaForum Barcelona

Noche temática dedicada a la creación audiovisual en tiempo real. Tres horas durante las que se combinan el espacio de intercambio de ideas con la representación de espectáculos en vivo y una selección de documentos audiovisuales.

De 20.00 a 22.00 h. Laura Baigorri, Andy Davies y Mia Makela alternarán los debates con las actuaciones de Alba Corral, No-Domain y Apatches.

A las 21.00 h. Actuación de AGF+Sue C.

Lugar: Auditorio

Colaboradores
Coordina, Mia Makela

Horario
A las 20.00 h

Precio
3,00 €
LKXA, Club Estrella, Carnet Jove y Carnet +25: 1,50 €
Socios Mediateca: entrada gratuita

10/11/2007
Lugar: CaixaForum Barcelona
Dirección: Av. Marquès de Comillas, 6-8
Localidad: BARCELONA

Estudi de Proporcions n.6 8NOV 07 19:00 BCN

Estudi de Proporcions n.6
Campanes de llum / Profanaciones

Ansi la colline parlera
À l´heure de midi et a l´heure de soir
Nous serons dans la tradicción
Et Ronchamp sera une voix illimitée
Venant des siècles les plus lointains
Et arrivant aux heures les plus modernes d´aujourd`hui.

Le Corbusier, 1964
(Inscripción del arquitecto en una de las campanas de Notre Dame du Haut)

La composición musical parte de la capilla de Notre Dame du Haut, en Ronchamp (Francia), de Le Corbusier, tanto de la grabación del sonido de las campanas, como del ritmo del espacio luminoso en el interior de la capilla. Campanes de Llum es un intento de escucha de ese espacio interior luminoso que es la capilla de Le Corbusier donde el problema de la luz se convierte en un problema de la escucha. Se compone la música a partir de ese espacio de luz y, a la vez, en la ejecución, la música con la intervención electrónica, al espacializar el sonido, genera un espacio.

Profanaciones son pequeñas micro historias creadas a partir de la apropiación de imágenes de J. Marey, Pudovkin, Kirsanoff, Eisenstein, Romero, Halperin… Se tratan esas imágenes no como signos simbólicos o formas de ilustrar o explicar el sonido, sino como signos sonoros, atendiendo a sus ritmos, asimetrías o curvas. De allí resultan pequeñas historias difusas e irregulares que se proyectan en tres pantallas y, tal como los pequeños agujeros del edificio de Le Corbusier, permiten la entrada irregular y cambiante de la luz.

Hay a la vez un trabajo de sinestesia entre el sonido y la imagen – a partir del análisis del sonido se generan formas visuales, geometrías abstractas, líneas, curvas… como si esas imágenes nos pudieran de alguna forma devolver esos ritmos de luz en el interior de la capilla de Le Corbusier.
Campanes de Llum de Juan Riera Robusté

Video Profanaciones: Oriol Sánchez
Imagen sintética: Carlos Aguado (Aérica)

Programación y difusión sonora y visual: Jordi Puig
Ingeniero de sonido: Xavier Soranells

Intérpretes: Jordi Sánchez Puig, piano
Jean Baptiste Seguin, vibráfono

Jueves 8 de noviembre a las 7 de la tarde

Sala de orquesta
ESMUC
Escola Superior de Música de Catalunya (Edificio del Auditori)
Calle Lepant 150, Metro Marina, Linea1
BCN

Thursday, 1 November 2007

Optica 2007: Festival Internacional de Vídeo Arte de Gijón

El Festival se celebrará del día 16 al 18 de Noviembre en Gijón. Todas las actividades serán gratuitas y tendrán lugar en el Centro de Cultura Antiguo Instituto, CICA-Casino de Asturias, Gallery Art & Food, Conseyu de Mocedá de Xixón, Mediavanced y Sala Lai.

Optica 2007: Festival Internacional de Vídeo Arte de Gijón, organizado por el Colectivo Interferencias, constituye un espacio de interrelación y divulgación que permite la aproximación a la experimentación visual a nivel mundial. Experimentar significa ir en busca de lo desconocido. El vídeo-arte rompe códigos establecidos, dando protagonismo a la esencia del cine: la luz, el sonido y el movimiento, llegando en algunos casos hasta la abstracción absoluta. Es así una de las formas más puras y natural de la cultura audiovisual, en la medida que implica una percepción subjetiva del espacio-tiempo, a través de la tecnología de la imagen electrónica. Buscamos reacciones en el ámbito personal del espectador, inquietarle sobre sus propias fragilidades. Indagamos sobre la realidad, pero a partir de una recomposición de los elementos que la construyen. Descubriendo cómo construimos nuestros recuerdos, cómo, tanto la fantasía como los modelos preestablecidos, forman parte de la articulación de los espacios y la arquitectura, cómo “domesticamos” la vida a través de códigos.

www.opticafestival.com

Tuesday, 23 October 2007

Clavilux



El cantante danés Thomas Wilfred conoció en EE.UU. a un grupo de teosofistas que querían construir un órgano de color para expresar ciertos principios espirituales. Wilfred construyó ese órgano y lo llamó el Clavilux, y a sus proyecciones de música-color Lumia (el arte de la luz).

La primera aparición pública de Wilfred con su Clavilux fue en 1922 en Nueva York. Ocho años después fueron construidos dieciséis modelos diferentes, estaban dentro de armarios de nogal con una pantalla y un teclado. El sistema funcionaba con discos que cambiaban de color, y a través del teclado se podía controlar el tempo, la obturación y la iluminación.

Sunday, 21 October 2007

Incite/ afterEVENT

Una puerta de metal pesado, flanqueada por gente con pinta de habituales del mundillo de las galerías de arte, da entrada a un pasillo blanco impoluto de tono minimalista. Un pasillo que me recuerda a algún tipo de lugar médico o científico, tanto por su blancura y limpieza como por su vacuidad. Lo siguiente es un patio con varias esculturas abstractas-geométricas, que al otro lado tiene la puerta de entrada a la sala en cuestión.

No está lleno, pero hay mucha más gente de la que esperaba para tratarse de un evento electrónico-experimental. Lo cierto es que el concierto en cuestión es con motivo de la inauguración del local, una fundación artística de algún tipo, de ahí que la mitad del público sean cincuentones que en otras circunstancias no habrían acudido jamás a ver algo semejante.

Incite/ son una pareja de alemanes que juegan con diferentes estilos, usan sonidos ásperos, pero con un tono bastante rítmico, acercándose a veces incluso al breakcore. En algún lugar he visto su música definida como ‘electrónica minimalista’, una etiqueta en la que creo que no encajan mucho, ya que su sonido es bastante sucio. De fondo, imágenes en tonos grises casi siempre abstractas; ruido y grano orgánico y formas psicodélicas. La verdad es que muchas de las imágenes parecen el resultado de algún filtro cutre de Photoshop, pero al unirlas con la música dejan de tener esa connotación negativa y adquieren cierto atractivo.

Entre tema y tema, paran, la chica nos explica en un inglés con acento alemán casi ininteligible que deben cambiar los archivos o algo así. Creo que su propuesta resultaría más sugerente si la hiciesen de un tirón, esos interludios en los que sueltan la parrafada para entretener al público me sobran. De todas formas, la impresión general fue positiva, y la sala suena muy bien.

Nit CASM* HANGAR OBERT - BCN - 26/10/07

26/10/2007
Centre d’Art Santa Mònica
La Rambla, 7
08002 Barcelona

Instal•lacions : (20h-02h )
David Adika
Miren Arenzana
D_forma
Virginia Colwell
Lula Goce + Pollito
Tjasa Kancler
Gaby Mangeri
Joan Morey
Momu & NoEs
Óxido
Ana Garcia Pineda
Jordi Ribes
Sebastián Romo
Mireia Sallares
Rubén Santiago
Liron Shua
Chris Sugrue
Andrés Torca
Sumo

HacklabAV : (presentacions 20h-22h )
AuDIYolab
Arxiuvirtual Montblanc
Crystalspace
Costellam / 232
Diego - el Pastisser Digital
Encosianima
La Fibra
Lituz
Metareciclagem
PD VJ-tools
Lilia Villafuerte

Performances : (Claustre 22h-02h: )
Burbuja
María Cerón + Sonia Gómez
Drumanart + Juschka Weigel
Radiopaca
Gabinete de Crisis
Maria Stamenkovic + Guillaume Marie
Li Zompatl + La Catrina

Videos : 10 anys de videocreació a Hangar (Sala d'Actes 20h-02h )
Sophie Whetnall, Sergi Botella, Antonio Ortega, Núria Marquès, Martí Anson, Antoni Abad, Federico Guzmán, Jordi Mitjà, Joan Morey, Alicia Framis, Tere Recarens, Marta Debassa.

Infopunt :
(Lobby 20h-02h)
Serveis d'Hangar
Hamaca - Distribuïdora de videoart
Residents d'Hangar
Intercanvis Internacionals
Xarxa de Centres de Producció
Can Ricart
Videometròpolis
Realidades Avanzadas
Escolta't / Miquel García

Streaming :
Radiopaca
Horitzo.tv

http://www.centredartsantamonica.net/index.php?s=activitats_f&id=38&lang=ca

Saturday, 20 October 2007

Nourathar

Después de varios años de estudio con Leschetzky, volví a América preparada y deseando hacer conciertos. Durante unos meses, estuve visitando managers esperando encontrar la oportunidad de expresar mi arte musical en público, pero parecía que todas las puertas estaban cerradas. En el mercado había demasiados pianistas, y me decían directamente que tener talento, o incluso ser un genio, ya no era importante para tener éxito, a no ser que el músico tuviese una personalidad insólita y extravagante.

Volví a casa y pensé en el tema. ¿Tenía que convertirme en una mujer estrafalaria para llamar la atención de los managers y el público? No pensaba hacer eso. Pensé que debía buscar algo nuevo, algo llamativo, no para mí misma sino para mi arte. Entonces tuve un flash – con las palabras brillando, ¿por qué no usar la luz para subrayar la música? Esa visión ya había llevado a la invención del órgano de color; para mí fue una idea fugaz, pero ya llevo 16 años dedicada a ella. Durante estos años he centrado mi tiempo y energía tanto en la parte estética como en aprender cosas sobre electricidad, física, ingeniería y todo tipo de información sobre el color. He dibujado los planos y he construido todas las partes del instrumento yo sola.

Mary Hallock-Greenewalt, citada por Rose Rosner en “New Color Organ to Interpret Music”, New York Times, 12 de noviembre de 1922.

Artículo completo (en inglés)

Mary Hallock-Greenewalt (1870 - 1951) fue una pianista e inventora conocida por idear un tipo de música visual que ella bautizó como ‘Nourathar’ (una palabra árabe que significa 'esencia de luz') - se trataba básicamente de luces de colores que cambiaban y parpadeaban al ritmo de la música. Entre 1918 y 1934, esta artista patentó once inventos relacionados con este sistema de música visual. Además, Hallock-Greenewalt creaba películas pintadas a mano para usarlas en sus actuaciones.

Tuesday, 16 October 2007

Música y moral

Elijo los fuegos artificiales como ilustración antes que la puesta de sol más asombrosa, porque no estoy hablando de la naturaleza, sino del arte, de algo en lo que ha entrado la composición del hombre, y cuyo significado depende de su relación con las pruebas de los deseos humanos; y elijo la pirotecnia en lugar de la pintura de ninguna clase, porque en ella encontramos la importante propiedad emocional de la velocidad, ausente en el color fijo.

Ante la manifestación mencionada, presenciamos las revelaciones más increíbles de luz y color. Los efectos producidos se suelen asociar con motivos vulgares, ruidos fuertes y los contrastes más banales y estúpidos. A veces las combinaciones son felices durante un instante, por mera casualidad; pero normalmente son caóticas, peculiares, discordantes y llevaderas gracias al esplendor de los materiales empleados. ¡Se trata de una sinfonía majestuosa que no podría ser interpretada sin esas llamaradas orquestales de colores incomparables! Melodías delicadas compuestas de luces flotantes que cambian y se funden de una intensidad pausada a otra en la oscuridad...

MUSIC AND MORALS
REV. H. R. HAWEIS
1889

Saturday, 13 October 2007

LiveSoundtracks 27_10_07 BCN

copy&paste de la web de Hoteles Hesperia
http://www.hesperia.es/corporativo/noticias/detallenoticia.cfm?id_noticia=188&Start1=2&Start2=1

El próximo 27 de octubre, el Hotel Hesperia Tower será escenario de un importante evento cultural, el Livesoundtracks, en el que el cine y la música serán los auténticos protagonistas.

Aki Kaurismäki, el más famoso de los directores finlandeses, recibirá un particular homenaje a través de la música electrónica de su compatriota Vladislav Delay. El músico finlandés interpretará, a su manera, los paisajes y diálogos de Contraté un asesino a sueldo, famosa película de Kaurismäki.

LiveSoundtracks incluye también en su programa una mesa redonda alrededor de las bandas sonoras, la electrónica y el cine.

Antes de la emisión de la película de Kaurismäki, y bajo el título Aún no has oído nada, la imagen que se transforma, diversos expertos en la materia debatirán sobre la importancia de la música en el cine. Además, todo aquel que acuda al Hesperia Tower podrá disfrutar de diversas instalaciones temáticas, ubicadas en las “Habitaciones del pájaro azul”.

En estas habitaciones, cuyo nombre hace referencia al relato de Rubén Darío, se expondrán piezas de artistas como Xavier González.

LiveSoundtracks aspira, así, a convertirse en un acto en el que estén presentes todas las disciplinas artísticas.

Programa:

19h “Las habitaciones del pájaro azul”: instalaciones temáticas.

21h Mesa redonda: Aún no has oído nada: la imagen que se transforma.

22h Actuación de Vladislav Delay interpretando la película Contraté un asesino a sueldo, de Aki Kaurismäki.

Lugar: Hotel Hesperia Tower Hospital de Bellvitge
Día: Sábado, 27 de octubre de 2007
Hora: A partir de las 19h
Precio: 10 euros venta anticipada en CD Drome (Valldoncella 3, BCN), Niu (Almogàvers 208, BCN) 12 euros en taquilla el mismo día en el hotel ¡Aforo limitado!

INCITE/ 20_10_07 BCN



copy&paste de la newsletter de l'ull cec
www.lullcec.org

INCITE/
Sábado 20 de octubre de 2007 a las 20:00


Nivell Zero (Fundació Suñol)
C/ Rosselló, 240
Entrada gratuita

Kera Nagel y André Aspelmeier forman el duo INCITE/, un proyecto audiovisual con base en Hamburgo que practica una electrónica minimalista de sonidos fracturados y patrones rítmicos austeros, que en directo sincronizan a unos espectaculares videos abstractos elaborados en tonos grises.

A pesar de contar con un componente rítmico bastante acentuado, su producción musical dista de ser clasificable como música de baile. Descrita por sus propios creadores como "grayscale slo-mo glitch hop", se resiste a cualquier categorización espontánea o reduccionista. Lejos de caer en la simple repetición, INCITE/ construye sus temas de modo que éstos evolucionen constantemente. El resultado son perlas electrónicas concisas con una fuerte presencia de sub-graves, texturas granulares, chispas de ruido estático y glitch.

INCITE/ incorporó los elegantes visuales a su directo hacia finales del 2004, momento de inflexión del proyecto. Recientemente han regresado de una gira por los Estados Unidos y Canadá. Anteriormente han actuado por toda Europa y en festivales como el LEM, el Experimentaclub, 5DaysOff (Amsterdam), Cimatics (Bruselas), RECMadrid y también en la International Media Art Biennale WRO (Wroclaw, Polonia), donde este año han sido premiados con el tercer premio a la mejor actuación.

Ambos miembros de INCITE/ compaginan su trabajo como músicos y videoartistas con la coordinación y programación de conciertos de música improvisada
(http://www.audiounit.fragmentedmedia.org/) y con su pertenencia al colectivo Hoerbar de Hamburgo (http://www.hoerbar-ev.de/).

[ http://www.incite.fragmentedmedia.org/ ]
[ http://www.fragmentedmedia.org/fm-incite.html ]
[ http://www.myspace.com/incitefm ]

Telefunken - 2000 - Waveform - Carsten Nicolai

Tuesday, 2 October 2007

Christian Marclay - Replay

5 de Octubre - 2 de Diciembre 2007

Domus Artium 2002
Avenida de la Aldehuela s/n
37003 Salamanca

Tel.: 34-923184916
Fax: 34-923183235

da2@ciudaddecultura.org
programación.tec.da2@ciudaddecultura.org

Replay es la primera exposición realizada en España sobre la obra en vídeo de Christian Marclay, artista americano-suizo nacido en 1955. Un recorrido a través de nueve videoinstalaciones de los trabajos más significativos realizados por este artista desde principios de los años 80 hasta la actualidad.

Plenamente afianzado en la escena musical neoyorkina más experimental tanto en su vertiente de dj y "turntabilist" como en conciertos y grabaciones junto a músicos de vanguardia como John Zorn, Elliot Sharp o los miembros de Sonic Youth, Marclay es ante todo un artista plástico cuyas instalaciones exploran las relaciones entre sonido, imagen en movimiento y objetualidad, desarticulando y poniendo en evidencia nuestro modo de relacionarnos con la música y las imágenes de consumo.

Tras unos estudios artísticos en Ginebra, Boston y Nueva York, Marclay participó muy rápidamente en performances musicales post-punk, -uno de sus grupos tomó incluso como nombre The Bachelors, even, en homenaje explícito a la obra The Bridge Stripped bare by her Bachelors, even de Marcel Duchamp del que ha heredado el gusto por la recuperación de objetos de uso común y un humor cáustico que deja al desnudo los juegos de lenguaje que se infiltran entre la imagen y el sonido.

Todo aquello que depende de la producción musical es susceptible de ser desviado de su uso original de una forma que no deja de sorprender: fundas de discos, cassettes y bandas magnéticas, instrumentos, fotografías de músicos, etc., son rasgados, ensamblados, ampliados, redefinidos o reconstituidos. Las fundas de discos de vinilo como objeto musical comercial por antonomasia y los propios vinilos como vectores más importantes de la transmisión cultural musical se han convertido en uno de los elementos más utilizados por Marclay en sus obras, sin olvidar el cine y la televisión, que también figuran entre los "objets trouvés" (objetos encontrados) que Marclay maneja con pasión.

Las obras en vídeo de Christian Marclay recurren a menudo a imágenes preexistentes, que se redefinen a través de un proceso de edición, montaje, yuxtaposición y "sampleado": Al "desviar" su uso y significado original con humor, el artista pone de manifiesto las ambigüedades que mantiene la producción musical con la imagen, el consumo cultural y los medios de comunicación.

Sala de Escucha.
Como ya se ha señalado Christian Marclay ha jugado en estos años un importante papel en la escena musical neoyorkina más vanguardista prodigándose con regularidad en conciertos y acciones sonoras en las que se presenta como "turntablist" y virtuoso DJ experimental. Sus intervenciones con las pletinas exploran un espectro musical muy amplio que va del ruidismo al minimalismo pasando por el collage sonoro. Desde principios de los años 80 ha realizado decenas de grabaciones tanto en solitario como en colaboración con artistas de la talla de Lee Renaldo, Thurston Moore, John Zorn, Elliot Sharp, Yoshihide Otomo, que revelan una investigación musical polimorfa. En el espacio de documentación del DA2 se podrá realizar un amplio recorrido sonoro a través de este "arte invisible" de Christian Marclay.

http://www.salamancaciudaddecultura.org:81/da2/descripcion.php?id=149

Sunday, 30 September 2007

La armonía de la luz

En 1893, el artista Bainbridge Bishop publica A Souvenir Of The Color Organ, With Some Suggestions In Regard To The Soul Of The Rainbow And The Armony Of Light, donde incluye una gama de correspondencias de color para cada nota. En esa época, ya había construido tres órganos de color capaces de reproducir a la vez música y luz.

Podéis encontrar el texto completo en:
http://rhythmiclight.com/books/HarmonyOfLight.pdf

SINESTESIA

Por otra parte podemos adelantar ya un importante evento en el que ROTOR participa activamente y que también se celebrará en La Casa Encendida de Madrid (primera quincena de noviembre). El festival SINESTESIA (en la era digital), con exposición, cine, instalaciones (de Alva Noto), y 8 actuaciones (donde estamos involucrados):

VIERNES 2 NOVIEMBRE: BURBUJA, TERRE THAEMLITZ presents Lovebomb.

SABADO 3 NOVIEMBRE: SCANNER + TEZ (MSB) presents Blindscape, JANEK SCHAEFFER.

SABADO 11 NOVIEMBRE: RAFAEL TORAL, SIGNAL.

DOMINGO 12 NOVIEMBRE: ZACHARY LIEBERMANN presents Manual Imput, MAXIME DE LA ROCHEFOUCAULD (avec les Automates Ki Orchestra) .

http://www.rotordiscos.com/fichaevento.php?id=27

Thursday, 27 September 2007

Stan Brackhage

Hay una forma de cine que intenta evolucionar ese área de pensamiento que yo llamo 'pensamiento visual en movimiento', y que es intrínsecamente música visual...

Sunday, 23 September 2007

Bruce McCLure

Bruce McCLure es un ‘cineasta’ de Nueva York. ‘Cineasta’... Entre comillas, sí, porque la verdad es que no rueda películas, sino que las crea en directo.

El trabajo de McClure se basa en bucles de película de unos segundos que él mismo crea, simplemente con fotogramas alternos en blanco y negro o con alguna línea o círculo. Se trata de pequeñas películas extremadamente minimalistas y estructuralistas, ya que los fotogramas no están organizados al azar, sino basándose en series matemáticas, tomando como referencia los divisores de 24 (los fotogramas por segundo de una película de cine): 1, 2, 3, 4, 6, 8 y 12. O sea, 1 fotograma en blanco y 23 en negro, 2 en blanco y 22 en negro, etc.).

Con este arsenal de bucles de pocos segundos de duración, McClure prepara sus proyecciones, en las que trabaja con 3 proyectores de 16mm cuyas proyecciones suele superponer en la pantalla. En las proyecciones, simplemente va manipulando en directo el enfoque y la potencia de las bombillas de los tres proyectores, a veces colocando piezas metálicas circulares o con rejillas delante del obturador, incluso filtros de colores esporádicamente, para crear diferentes efectos.

En lo que se refiere al sonido, trabaja directamente con el sonido ‘por defecto’ de las películas. El sonido de los proyectores de 16mm es óptico, lo que significa que la forma de onda está impresa en la película y un lector óptico lo lee. Al no haber un sonido impreso especialmente, el lector interpreta como sonido lo que hay en la imagen, cambios de blanco a negro en este caso, que suenan simplemente como un ruido o golpe sonoro. McClure manipula este sonido en directo con pedales de efectos para guitarra eléctrica, creando un sonido que a mí personalmente me suena más a metal que a música experimental, no en vano el propio McClure lo define como rock.

La idea es sencilla, lo cierto es que la única complicación es logística, ya que los proyectores de 16mm pesan bastante, y si uno solo ya es difícil de transportar no digamos tres... Pero el efecto es abrumador e hipnótico, aunque no apto para epilépticos y demás almas sensibles a las luces estroboscópicas y los decibelios ‘desorganizados’.

Entrevista a Bruce McClure:
http://brooklynrail.org/2006/7/film/bruce-mcclure-with-brian-frye

Thursday, 13 September 2007

‘vE-”jA: Art + Technology of Live Audio-Video

‘vE-”jA: Art + Technology of Live Audio-Video is a global snapshot of an exploding genre of tech-art performance: VJing and live audio-video. The book covers 40 international artists with 400+ colour images and 50+ movies and clips on an accompanying DVD and web downloads.
Regionally organized, the book showcases VJing and live A/V not as an isolated art-tech phenomenon for geeks, but as a global art movement with sophisticated creators and audiences alike.


The organization of the book in this manner has lead to discoveries of the differences and similarities in the devlopment of the art including the influence of specific urban styles, political and social states, cultural influences, as well as hardware and software development and influences in specific regions.


Introductory essay by Marius Watz brings forth the role of synchronicity of audio and video technology in cinematic performances; Barry Munsterteiger, Interactive Media Group Senior Designer for Apple Inc., focuses on the role of art in the evolution of technology; Grant Davis (VJ Culture) provides supportive information on VJ specific hardware and software.
In addition, essays by contributing artists cover local cultural aspects influencing VJ scenes globally and provide insight on the inflluences and productivity of cities such as London, Helsinki, Barcelona, Tokyo and general scenes of US, Austria, France, Netherlands and Australia.

http://www.vjbook.com/

Sunday, 9 September 2007

Thursday, 6 September 2007

Space Projector



The Mathmos Space Projector casts a moving image of up to 1.5m onto a wall or ceiling. The projector body can be angled to point at the wall or ceiling. The brightness and size of the image are controlled by the amount of light in the room and the distance from the display surface.

Wednesday, 5 September 2007

Delicate Boundaries

Delicate Boundaries is an interactive installation where human touch can dissolve the barrier of the computer screen. Using the body as a means of exchange, the system explores the subtle boundaries that exist between foreign systems and what it might mean to cross them. Lifelike digital animations swarm out of their virtual confinement onto the skin of a hand or arm when it makes contact with a computer screen creating an imaginative world where our bodies are a landscape for digital life to explore.

http://csugrue.com/delicateBoundaries/

Happy New Ears Festival

14.09.2007 - 30.09.2007
Bélgica

Francisco Lopez, Kurt Hentschläger, Ryoji Ikeda, etc.

http://www.happynewears.be/2007/en/

Tuesday, 4 September 2007

A LEAK IN THE SILENCE: NOISE-

The line of poetry “A leak in the silence: noise -” by the Dutch poet Hans Faverey (1933-1990) provides the conceptual framework for the Poetry Summer 2007. The exhibition uses this phrase as a metaphor for that which in our existential and social context cannot be spoken, yet becomes audible as silence, noise, an inner rustle...

In some of the installations, voice and sound will keep pace with the word and linguistic meaning; in others they will sever themselves from the meaning as they choose to follow a self-willed path. Edition 2007 of the Poetry Summer attempts to find out how the contemporary visual arts and above all poetry interact verbally and through images with the auditive dimension to result in novel articulations.

http://www.poeziezomerswatou.be/

Friday, 24 August 2007

Ars Electronica 06

29/08/2007

CaixaForum Barcelona

Ars Electronica 06

Projecció dels treballs més interessants de l'edició 2006 del festival de creació digital Ars Electronica, un dels festivals més famosos i reconeguts (si no el que més) de l'art multimèdia, que té lloc cada any a Linz (Àustria).


A les 21.30 i a les 22.30 h
Activitat gratuïta

Thursday, 23 August 2007

VJ Central

VJ Central es uno de los foros de VJs más antiguos y visitados, donde se pueden encontrar artículos, consejos, vídeos y un calendario de eventos interesantes.

www.vjcentral.com

Saturday, 11 August 2007

Optronica

Optronica, un festival que lleva la música visual a la gran pantalla. Lo organiza el grupo de VJs británicos Addictive TV y tiene lugar en el mes de marzo en Londres.

www.optronica.org

Sunday, 15 July 2007

Tulse Luper VJ Tour

13 julio - Teatre Grec - Barcelona

Greenaway comenzó dirigiéndose al público con unas palabras sobre la muerte del cine, más o menos su discurso habitual, aunque en directo sonó mucho más cínico e irónico de lo que esperaba.

Presentó el espectáculo, primero hablando un poco sobre el proyecto de Las maletas de Tulse Luper, que dijo que era la historia del uranio, y por extensión de la energía nuclear, la bomba atómica y el siglo XX.

El número atómico del uranio es el 92, un número en el que está basado la mayor parte de la obra de Greenaway (como homenaje a un disco de John Cage, aunque Greenaway contó mal los fragmentos y en realidad eran 90). Así que la noche comenzó con 92 citas sobre la democracia, un breve espectáculo visual en el que se combinaban las citas, recitadas por el propio Greenaway y un traductor, con imágenes en tres pantallas. En la pantalla central aparecían fotos de personas anónimas de todo el mundo, en las laterales fotos de quienes habían dicho las citas con una paloma blanca. En conjunto resultó entretenido, algunas citas eran especialmente divertidas, y acabó con un discurso de Bush en medio de sonidos de guerra. Una bonita reflexión sobre la democracia que en ningun momento sonó a discurso ni panfleto.

El espectáculo propiamente dicho constaba de las mismas tres pantallas en las que Greenaway iba disparando secuencias de las películas de Tulse Luper, jugando con repeticiones especialmente. El cineasta trabajaba con una pantalla táctil de amplias dimensiones desde la que iba seleccionando las diferentes secuencias, y el sonido era el de las tres pantallas sumado al trabajo de DJ Radar, que támbién estaba allí pinchando en directo.

En general la cosa fue muy bien, aunque hubo un par de momentos en que el DJ abandonó el sonido más ambiente para pinchar techno de segunda y entonces el asunto chirriaba un poco. En resumen, que la propuesta es interesante, estando centrada en el loop y la repetición, reorganizando la película de nuevas maneras, pero estaría bien que se buscase a otro DJ menos hiphopero... Vamos, si Greenway comenzó diciendo que no se consideraba VJ y que lo que hace no es exactamente eso, ¿por qué se ha agenciado a un DJ que parece cumplir con todos los tópicos?

Wednesday, 11 July 2007

What Sound Does A Color Make? (El libro)

Kathleen Forde, Jim Campbell, Thom Kubli, Atau Tanaka, Gary Hill, Naut Humon, Steina Vasulka, Judith Richards

Synesthesia is the condition where stimulation of one sense (aural, for instance) triggers another (visual), so hearing a G minor chord might literally make you see red. This rare natural phenomenon seems less anomalous in our digital age, where all electronic media, whether sounds or moving images, are coded into the zeros and ones of computer bits. What Sound Does a Color Make? explores the fusion of vision and sound in electronic media, and connects the recent boom of digital, audiovisual art to its predigital roots by presenting 10 contemporary works along with a selection of single-channel videos from the 1970s by a diverse group of international artists. The earlier works by such pioneers of video art as Nam June Paik, Steina Vasulka, and Gary Hill, place the current interest in synesthetic media art in a broader historical context, offering a unique perspective on this bending of human perception and cognition. Younger artists, such as D-Fuse and Jim Campbell, offer environments and installations that will make you hear the blues.

What Sound Does A Color Make?

That some people see colors when they hear certain sounds or associate sounds with colors has interested scientists, philosophers and artists for centuries. Perhaps one reason for the enduring curiousity about synaesthesia, as that transsensory experience is called, is that it suggests the possibility of transcending ordinary divided consciousness and ascending into a realm where cosmic energies may be experienced more holistically and ecstatically.

Artists have long worked at coordinating different sensory experiences in trying to simulate, if not actually stimulate, synaesthesia. ''What Sound Does a Color Make,'' a fascinating exhibition organized by Kathleen Forde for Independent Curators International, is based on the observation that computers are particularly well suited for that project because they can simultaneously translate electronic energy patterns into aural and visual patterns. So in digital works by 13 artists and artist teams, the visual and the aural are not just coordinated; they are actually different manifestations of the same underlying programs.

Many of the pieces involve abstract video play with light, color, shape and strongly percussive or textured -- as opposed to melodic or harmonic -- sound. That can be subtle, as in Thom Kubli's ''Monochrome Transporter,'' in which fleeting, barely visible bursts of geometrically shaped light register on a blue screen while speakers emit quiet crackling sounds; or it can be extremely aggressive, as in ''Lux'' by Granular-Synthesis, in which violently strobing color fields coincide with loud and deep electronic sounds. Either way, the effect is almost scarily entrancing.

Some pieces involve recognizable imagery. In Steina Vasulka's ''Trevor,'' the recording of a performer making sounds with his mouth and nose is subjected to all kinds of visual and aural distortion to comically horrific effect. And although the imagery in Fred Szymanski's animated videos is not representational, the flowing blobs of glossy gray matter do have a dreamy magic realism quality. With some pieces, the payoff does not seem worth the complications programmed by the artist: an interactive installation by Atau Tanaka, for example, in which the viewer's movement causes partial revelation of an otherwise illegible picture of a woman in bondage by the Japanese photographer Nobuyoshi Araki projected on a large screen. The possibilities of coordinating kinesthetic and visual experiences remain intriguing.

A disappointing aspect of this otherwise viscerally entertaining show is the relative absence of historical or cultural self-consciousness. Unlike Ara Peterson and other young filmmakers and artists who play off 60's-style psychedelia and New Age fantasies, the Eyebeam artists seem so preoccupied with technology that they lose sight of the many layers of meaning that have accumulated around the dream of synaesthesia and its intersection with modern machinery. That is forgivable in earlier works, like a video by Nam June Paik and Jud Yalkut from 1966 to 1969 that abstracts a film of a Beatles performance, or ''Noisefields'' from 1974, a hypnotic video by Steina and Woody Vasulka combining electronic music and a flickering colored circle. Now, however, you want to see new technologies applied to more richly dimensional ends.

KEN JOHNSON
July 8, 2005

http://query.nytimes.com/gst/fullpage.html?res=9D07E4D61F31F93BA35754C0A9639C8B63

Era realmente hermoso

En un show, vi a un chico que se pasó toda la noche bailando mirando hacia la pantalla con mis visuales. Pensé que era emocionante que estuviese tan conectado con lo que yo estaba haciendo, así que fui a hablar con él. Me hizo señas para explicarme que era sordomudo, yo aluciné, y empecé a escribirle preguntas en una libreta. Me explicó que no podía escuchar la música, pero que podía sentir el ritmo e imaginarse qué tipo de música era mirando los visuales. Pensé que era realmente hermoso.

Yusei Horiuchi
en
The VJ Book
Paul Spinrad

SOINU DIMENTSIOA / DIMENSIÓN SONORA

12 julio - 15 septiembre 2007
Koldo Mitxelena Kulturunea - Donostia
http://www.gipuzkoakultura2.net/erakusketak/es/2007/06/la_sonora_dimen.php#more

La presente exposición propone al visitante una experiencia del espacio y del tiempo mediante el empleo del sonido. A través de ello descubrimos las distintas "dimensiones" de las que la propia experiencia sonora nos proveé no sólo por el hecho de que el sonido también ocupa espacio, o de que una instalación, por serlo, consume tiempo. Es también la vibración como metáfora de la vida o la referencia al movimiento: un oído viajero que nos invita a un viaje inmóvil, pero también el desplazamiento relativo de sonido y observador. En algunas obras los dibujos y los esquemas evocan una música visual, un proceso o un mundo de sugerencias. Señalar por otro lado la multifocalidad de ciertas propuestas y, dentro de ellas, el descubrimiento de los planos horizontal y vertical de escucha, sin olvidar por supuesto la participación del espectador.

Y también, dentro de esas "dimensiones", por qué no aludir a lo paradójico como motor de reconocimiento de formas e intenciones o a las transferencias entre códigos, energías o relaciones. Es lo que nos propone constantemente el artista belga Baudoin Oosterlynck en sus Partituras-Dibujos de Instalaciones, mientras el compositor americano Tom Johnson nos invita a imaginar una música (Imaginary Music) con referencia a abstracciones, pero también a asociaciones sinestésicas y espaciales.

En la aproximación artística que hacemos aquí al universo de lo sonoro, los fenómenos físicos tienen una más que notable importancia, desde el electromagnetismo aplicado por el estadounidense Alvin Lucier en su histórica Music on a long thin wire hasta las vibraciones de materiales que ponen en juego el mexicano Manuel Rocha en su mesa Ping-Roll o el bilbaíno Mikel Arce en su instalación *WAV. Experiencias sensoriales todas ellas traducidas a experiencias estéticas, como es el caso por lo demás en todas las obras aquí expuestas. Un caso límite de ello, por plantearse además como un proceso puesto en acción, es el video de Gary Hill Mediations. Con total rigor conceptual en el desenvolvimiento del proceso registra también Valcárcel Medina el sonido de sus Motores, y su trabajo recoge el sonido del motor en tiempo real de dos viajes en coche, lo que el visitante puede verificar en su esquema-partitura; por su parte, la italiana Donatella Landi hace casi lo mismo 31 años después recorriendo las líneas del Metro parisino y dejando constancia de ello en su Plan de poche.

El sonido también define espacios. Se aprecia en la obra de un arquitecto del sonido como es el austriaco Bernhard Leitner: sus Headscapes lo logran como un espacio interior, con ayuda de auriculares. Sin embargo, el compositor madrileño Ramón González-Arroyo nos presenta un espacio cerrado, autocontenido y lleno de materia sonora en constante transformación: L'isla des neumas lo denomina; un espacio exterior al que escucha. Los sonidos voladores del suizo Andres Bosshard (A todos los sonidos les gusta volar) buscan, por el contrario, integrar orgánicamente al visitante en la instalación, invitándonos a un viaje por remotos lugares.

Las transferencias y traducciones se están dando contínuamente en las obras propuestas, generando un movimiento incesante. Junto a algunas de las citadas, se nos aparecen, con un guiño humorístico acaso, las impresoras colgadas de la instalación Smalltalk, de Alien Productions: un texto, del cual nada sabemos, anima el parloteo mecánico de las máquinas; una cháchara que, por momentos, parecemos comprender. A partir de otro tipo de movimiento, el de los cambios de la iluminación sobre unas células solares, la instalación del holandés Panhuysen (Sound Scapes II) traduce dichos cambios en alteraciones de altura e intensidad de las melodías que la conforman.

Tuesday, 10 July 2007

Pastiches

El término 'VJ' está vinculado con la estética del pastiche del DJ - pegar cosas que normalmente no se relacionan...

...La mayoría de VJs simplemente mezclan cosas, sin ningún tipo de concepto detrás. Cogen algunas imágenes rápidas, las mezclan con películas caseras de sus mascotas, las combinan con George W. Bush, meten unos vídeos de coches y unos trozos de Koyannisqatsi, y ya está. Es fácil hacer eso, y quizás parezca atractivo durante 10 minutos, pero a mí no me dice nada. O sea, que parece político por las imágenes de Bush y Koyannisqatsi, pero no es algo estudiado, en realidad no significa nada...

Henry Warwick

The VJ Book
Paul Spinrad

Tuesday, 3 July 2007

Càlida Construcció 1.1

Esta noche he ido al primer concierto del Macba (Barcelona) del ciclo Música i tecnologies contemporànies organizado por la Fundació Phonos. El título era Acusmàtica. Electroacústica. Vídeo, y el programa constaba de varias piezas de diferentes compositores.

Sólo una de las piezas incluía visuales, Càlida Construcció 1.1, de Joan Bagés i Rubí, dedicada al pintor Jaume Rocamora. Los visuales eran sencillamente algunos cuadros de Rocamora pasados por un filtro de tipo caleidoscopio, un efecto del que se ha abusado hasta la saciedad desde los años 70... Desde que existe el vídeo, vamos. A su favor he de decir que no estaba hecho con Premiere o After Effects, por decir algo, sino que se trataba de un parche de Pure Data, que siempre queda más tecnológico y moderno.

Además de que estética y artísticamente las imágenes no tenían mayor interés, parecían totalmente ajenas al sonido, con el que no estaban relacionadas ni sincronizadas de ninguna manera, hasta tal punto que a pesar de tratarse de cuadros del pintor homenajeado en la obra molestaban más que añadir nada.

Saturday, 30 June 2007

Música y tecnologías contemporáneas

Programa de conciertos 02/07/2007 - 16/07/2007
Entrada gratuita
Auditorio MACBA (Barcelona)

La Fundación Phonos promueve la utilización de los nuevos medios tecnológicos, en especial los informáticos, en la creación musical. Gracias a una colaboración muy estrecha con el IUA (Instituto Universitario del Audiovisual), se ofrece a los músicos un entorno de trabajo basado en las tecnologías más avanzadas, con el objetivo de experimentar con nuevas formas de creación y control del sonido. Los trabajos de investigación tienen por objetivo el desarrollo de nuevas herramientas informáticas y la búsqueda de caminos creativos innovadores. Por último, en lo que se refiere a la difusión, Phonos organiza conciertos, conferencias y actos diversos para dar a conocer tanto los trabajos efectuados en sus laboratorios como los que se realizan en otros centros similares de todo el mundo.

Lunes 2 de julio, 22 h
ACUSMÁTICA. ELECTROACÚSTICA. VÍDEO
Obras de Christine Groult, Federico Pascarella, Marco Marini, Álvaro Martínez, Santiago T. Díez, Joan Bagés / Jaume Rocamora.
En colaboración con el Conservatorio de Pantin, Francia

Miércoles 11 de julio, 22 h
RE(PER)CURSO
Performance de Jonatas Manzolli & SPECS
Afrika Martínez, danza
Carme Garrigó, percusión
Música interactiva, RoBoser

Prólogo, poesía, danza, epílogo
Poesía y danza interactuarán y se fundirán con la música en vivo y las imágenes 3D generadas por ordenador en tiempo real y el avatar.
El personaje virtual, el avatar, es el intérprete central, el intermediario y el iniciador de esta experiencia de realidad mixta.

Lunes 16 de julio, 22 h
CONCIERTO AUDIOVISUAL
Presentación: Félix Luque y Andrés Lewin-Richter
SkateOscope, OtherSounds: Félix Luque y Barbara Truffin / Alexis Zavialoff / Jessie Fischer
Uno y Dos: Luis Bezeta (beca Phonos)
Microbianas: María Luisa Ozaita / Susana Talayero
Danse Noire: Frederic Amat / Andrés Lewin-Richter
Ergon-Rondeau: Gabriel Brncic / Gabriela Vargas

Miércoles 18 de julio, 22 h
HARRY SPARNAAY
Concierto para clarinete bajo y electrónica.
Obras de Uri Saladrigues, Andrés Lewin-Richter y Cruz López de Rego.

+info

Thursday, 28 June 2007

Pure Data

Pure Data (o Pd) es un lenguaje de programación gráfica desarrollado por Miller Puckette durante los años 90 para la creación de música computarizada interactiva y obras de multimedia....

Me bajé el Pure Data hace un par de años y tras un vistazo de unos segundos se quedó olvidado en algún lugar de algún disco duro porque a simple vista no me pareció muy atractivo, además de que no entendí nada. Hace unos días decidí darle una segunda oportunidad, y a los dos minutos estaba alucinada guarreando con frecuencias varias, y soy tan básica que entré en un bucle de reflipamiento sonoro de tres horas jugando con la primeta tontería que construí con seis osciladores.

Todavía no he conseguido averiguar cómo grabar el sonido en el disco duro, ni cómo hacer que interactúe con algún tipo de visual, pero todo llegará... ¡Ah! Y he encontrado por ahí un pdf interesante de Miller Puckette que creo que es de la poca documentación que hay sobre Pure Data en un bonito archivo de texto listo para ser impreso, aunque no es un manual sobre el programa, más bien un libro teórico sobre música electrónica:

http://www-crca.ucsd.edu/~msp/techniques/latest/book.pdf

Wednesday, 27 June 2007

STEIM

> > > > > > > > > > > > > STEIM (the studio for electro-instrumental music) is the only independent live electronic music centre in the world that is exclusively dedicated to the performing arts.The foundation's artistic and technical departments supports an international community of performers and musicians, and a growing group of visual artists, to develop unique instruments for their work. STEIM invites these people for residencies and provides them with an artistic and technical environment in which concepts can be given concrete form. It catalyzes their ideas by providing critical feedback grounded in professional experience. These new creations are then exposed to a receptive responsive niche public at STEIM before being groomed for a larger audience.......

www.steim.org

Sunday, 24 June 2007

La música como texto

YOU CAN FEEL IT TOO (interludio musical_microsegundo de una pseudocanción francesa)

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Tuesday, 19 June 2007

Feed - Kurt Hentschläger

O como emprender un viaje psicotrópico sin necesidad de sustancias químicas ni setas tóxicas...

Cuando vas a ver una instalación y antes de entrar te hacen firmar un papel por si te da un ataque de epilepsia, asma o claustrofobia... Una de dos, o se trata de un truco barato de marketing o vas a ver algo que se aleja de lo usual. Aunque supongo que semejante aviso entra ya dentro de la leyenda, ya que The Flicker de Tony Conrad se abría con una advertencia semejante, avisando que la película podía provocar ataques de epilepsia.

El ejemplo de Conrad, como muchos otros de cine estructuralista/métrico que juegan sencillamente con flashes de fotogramas en blanco o negro, no es muy conocido. Lo que sí recordaréis muchos es que en 1997 todos los medios de comunicación se hicieron eco de un hecho extraño: dibujos animados que provocaban ataques epilépticos a los niños. En realidad, no es algo fuera de lo normal, cualquier médico o científico puede dar una explicación sencilla. Se trata de un fenómeno conocido como epilepsia fotosensible, o sea, provocada por flashes de luz intermitentes, o lo que viene a ser lo mismo, luces estroboscópicas. El uso de estas luces o parpadeos de luz no afecta en igual medida a todos los individuos, pero suelen usarse como técnica médica para acelerar la actividad cerebral con la intención de detectar ciertas patologías.

En los años 60, el escritor de la “beat generation” Ken Kesey ya usaba luces estroboscópicas y proyecciones en sus ‘test de acido’; sesiones de viajes con LSD, algunas para conciertos de grupos como The Grateful Dead. De todas formas, con el tiempo, el uso de este tipo de juegos de luz ha acabado siendo terreno casi exclusivo de discotecas y demás espectáculos musicales de gusto dudoso.

Más allá de los experimentos de Kesey, existen otros ejemplos del uso de luz, humo y ruido para conseguir ciertas atmósferas o provocar experiencias varias en el espectador. Puedo citar el trabajo de Ivan Dryer en el Observatorio Griffith de Los Ángeles, donde a principios de los 70 creaba espectáculos con lásers que más tarde amplió a ferias, parques de atracciones y efectos especiales. A nivel más artístico, un buen ejemplo serían Haswell & Hecker, que este mismo año en el Sónar presentaron un concierto en el que, en lugar de intérpretes, en el escenario reinaban simplemente un láser, un foco, una máquina de humo y ruido, provocando un cierto trance en los espectadores. De todas formas, no creo que nada de lo que pueda citar se acerque a la experiencia provocada por Feed, que recoge todos estos elementos y los lleva al límite.

Aunque lo de firmar un papel para entrar a la instalación me sonó a chiste de promoción en un primer momento, alguien me describió la obra como ‘el dragón khan del noise’, entonces fue cuando la cosa empezó a prometer.

Feed comienza de una manera bastante clásica; el espacio de la instalación está concebido como una pequeña sala de cine, en la que de entrada se presenta una película en 3D de unos 20 minutos en la que se ven figuras humanas sin rasgos flotando en el vacío (quizás una metáfora de lo que te espera).

La segunda parte de la pieza es donde hacen su aparición el humo y las luces estroboscópicas. Al acabar la película, la sala se llena de humo hasta que no se ve nada más que un vacío blanco, lo cual se une a flashes de luz de diferentes colores y sonidos de frecuencias bastante bajas. Todo integrado, crea en primer lugar una pérdida del sentido espacial, así como un cambio radical en la percepción, que en último término acaba acercándose a las visiones de un viaje psicodélico. Este viaje dura unos 30 minutos, que desde luego parecen mucho menos. Básicamente, la instalación consiste en eso, aunque es imposible dar una idea aproximada a cualquiera que no lo viva en directo.

Kurt Hentschläger lleva un tiempo trabajando en la creación de obras que intentan sumergir al espectador en otras realidades, o más bien ampliando el marco de la obra hasta el punto de que esta se hace inabarcable a los sentidos. Según propias palabras de Hentschläger, la “naturaleza inmersiva de su trabajo refleja la metáfora de lo sublime”. Sublime, una palabra que me lleva irremediablemente a terminar con una cita de Deleuze que creo que define a la perfección la intención de Hentschläger:

"Kant distinguía dos especies de Sublime, matemático y dinámico, lo inmenso y lo poderoso, lo desmesurado y lo informe. Ambas tenían la propiedad de deshacer la composición orgánica, una desbordándola, la otra quebrándola. En lo sublime matemático, la unidad de medida extensiva cambia tanto que la imaginación ya no logra comprenderla, choca con su propio límite, se anonada, pero da lugar a una facultad pensante que nos fuerza a concebir lo inmenso o lo desmesurado como todo. En lo sublime dinámico, es la intensidad la que se eleva a una potencia tal que ciega o aniquila nuestro ser orgánico, lo deja aterrorizado, pero suscita una facultad pensante por la cual nos sentimos superiores a aquello que nos aniquila, para descubrir en nosotros un espíritu supraorgánico que domina toda la vida inorgánica de las cosas: entonces ya no tenemos miedo, pues sabemos que nuestra «destinación» espiritual es lisa y llanamente invencible."

El sonido como objeto físico

Un jarrón testigo de un crimen, un jarrón con capacidad de habla...

Ayer de noche tenía la tele puesta de fondo mientras estaba por aquí haciendo cosas varias y medio escuché algo en CSI que me pareció altamente curioso y me pregunto hasta qué punto es posible.

La historia (o más bien el fragmento que pillé de ella) es que un par de personas tenían una charla mientras una de ellas estaba en un torno de cerámica dando forma a un jarrón de arcilla. El tío tenía una especie de escobilla en la mano con la que iba haciendo surcos en el jarrón, y resulta que después en el laboratorio conseguían ‘leer’ los surcos como si se tratase de un disco.

En fin, supongo que en teoría puede ser posible, porque así viene a ser como se grababan antiguamente los discos, ¿no? Lo cual me parece una cualidad física fascinante con aplicaciones interesantes a nivel de experimentación sonora/creativa.

Saturday, 19 May 2007

Norman Perryman

"Jackson Pollock used to spend hours at the Guggenheim Museum looking at Wilfred’s light machines before he began painting his drip paintings. Pollock was also inspired by music, and had he lived longer I think he might have become a sort of VJ figure. Movement was what interested him—that’s what “action painting” was all about."

http://www.normanperryman.com/

Thursday, 17 May 2007

Clavecin pour les yeux

Louis-Bertrand Castel era un matemático y físico francés del siglo XVIII que defendía firmemente que existe una relación directa entre los siete colores del arco iris y las siete notas de la escala.

Castel pensaba que las vibraciones producen color, igual que sonido, así que llegó a la conclusión que el color y el sonido son análogos, lo que lo llevó a teorizar sobre el ‘clavecín ocular’, que mostraba colores en relación con las notas. Originalmente era sólo una teoría, pero el escepticismo de la crítica lo empujó a pasarse 30 años intentando construir su invento.

El clavicordio ocular de Castel consistía en un marco con ventanitas de cristal de diferentes colores colocado sobre un clavicordio normal. Al presionar cada tecla, se veía un parpadeo del color asociado. El compositor alemán Telemann viajó a Francia para ver el instrumento, y escribió varias piezas para él, además de un libro sobre el tema.

En 1754, Castel construyó una segunda versión que funcionaba con 500 velas y espejos, ofreciendo luz suficiente para un público mayor.

Louis-Bertrand Castel
L’Optique des Colours, fondée sur les simples observations, & tournée sur-tout à la practique de la peinture, de la teinture & autres arts coloristes
Paris: Braisson, 1740.

Wednesday, 16 May 2007

What is vjing

It means improvising with visuals, specifically those rendered via projected light. The expression originally referred to the Video Jockey (as a counterpart to a Disc Jockey), but it’s more accurately Visuals Jockey —a general descriptor that encompasses older, non-video avocations such as “running the light show”.

The VJ Book
Paul Spinrad

Crisis de la imagen-acción

Los personajes se encontraban cada vez menos en situaciones sensoriomotrices “motivantes”, más bien se hallaban en un estado de paseo, vagabundeo o errancia que definía situaciones ópticas y sonoras puras.

Gilles Deleuze

La imagen-movimiento

Optofonética - Raoul Hausmann

El optófono convierte las imágenes de inducción luminosas, con la ayuda de la célula de selenio, de nuevo en sonidos por medio del micrófono colocado en el circuito eléctrico, lo que aparece como imagen en la estación de emisión se vuelve sonido en las estaciones intermedias, y si se invierte el procedimiento, los sonidos se vuelven a convertir en imágenes.La sucesión de los fenómenos ópticos se transforma en sinfonía, la sinfonía por su parte se convierte en un panorama viviente.

http://www.uclm.es/artesonoro/r.hausmann/html/opto.html

El cuerpo de la música

Mucho antes de que se inventara la escritura, incluso antes de que la figuración mural empezara a practicarse, se produjo algo que quizás es lo que distingue de modo fundamental al hombre del animal: la reproducción intencional de un ritmo: sobre determinadas paredes de la época musteriense se encuentran incisiones rítmicas; y todo inclina a pensar que estas primeras representaciones rítmicas coinciden con la aparición de las primeras viviendas humanas. Desde luego, no sabemos nada, excepto a través de mitos, sobre el nacimiento del ritmo sonoro; pero lo lógico sería imaginar (no nos privemos del delirio sobre los orígenes) que ritmar (incisiones o golpes) y construir casas son actividades contemporáneas.

Roland Barthes
El acto de escuchar

Monday, 14 May 2007

Primeros videos musicales emitidos por MTV

1 de agosto de 1981


"Video Killed the Radio Star" de The Buggles
"You Better Run" de Pat Benatar
"She Won't Dance" de Rod Stewart
"You Better You Bet" de The Who
"Little Susie's on the Up" de PhD
"We Don't Talk Anymore" de Cliff Richard
"Brass in Pocket" de The Pretenders
"Time Heals" de Todd Rundgren
"Take It on the Run" de REO Speedwagon
"Rockin' the Paradise" de Styx
"When Things Go Wrong" de Robin Lane and The Chartbusters
"History Never Repeats" de Split Enz
"Hold On Loosely" de .38 Special
"Just Between You and Me" de April Wine
"Sailing" de Rod Stewart
"Iron Maiden" de Iron Maiden
"Keep On Loving You" de REO Speedwagon
"Message of Love" de The Pretenders
"Mr. Briefcase" de Lee Ritenour
"Double Life" de The Cars
"In the Air Tonight" de Phil Collins
"Looking For Clues" de Robert Palmer
"Too Late" de The Shoes
"Stop Draggin' My Heart Around" de Stevie Nicks y Tom Petty and the Heartbreakers
"Surface Tension" de Rupert Hine
"One Step Ahead" de Split Enz
"Baker Street" de Gerry Rafferty
"I'm Gonna Follow You" de Pat Benatar
"Savannah Nights" de Tom Johnston
"Lucille" de Rockestra
"The Best of Times" de Styx
"Vengeance" de Carly Simon
"Wrathchild" de Iron Maiden
"I Wanna Be a Lifeguard" de Blotto
"Passion" de Rod Stewart
"Oliver's Army" de Elvis Costello
"Don't Let Him Go" de REO Speedwagon
"Remote Control/I'm Too Legal" de The Silencers
"Angel of the Morning" de Juice Newton
"Little Sister" de Rockpile
"Hold On to the Night" de Bootcamp
"Dreaming" de Cliff Richard
"Is it You?" de Lee Ritenour
"Tusk" de Fleetwood Mac
"He Can't Love You" de Michael Stanley Band
"Tough Guys" de REO Speedwagon
"Rapture" de Blondie
"Don't Let Go the Coat" de The Who
"Ain't Love a Bitch" de Rod Stewart
"Talk of the Town" de The Pretenders
"Can't Happen Here" de Rainbow
"Thank You for Being a Friend" de Andrew Gold
"Bring It All Home" de Gerry Rafferty
"Sign of the Gypsy Queen" de April Wine
"The Man with the Child in His Eyes" de Kate Bush
"Ashes to Ashes" de David Bowie
"Just Between You and Me" de April Wine
"Rat Race" de The Specials
"Once in a Lifetime" de Talking Heads
"Victim" de Bootcamp
"Tonight's the Night" de Rod Stewart
"Cruel to Be Kind" de Nick Lowe

Sunday, 6 May 2007

Dr. Jekyll and Mr. Hyde/Devil Music

Ayer en el Caixaforum tuvo lugar una interesante interacción cine-música. El evento consistía en musicar en directo el clásico de cine mudo de 1920 Dr. Jekyll and Mr. Hyde, y los encargados eran Devil Music, un trío de multiinstrumentistas estadounidenses que parece ser que se dedica básicamente a crear bandas sonoras de películas en directo.

El asunto era sencillamente poner una banda sonora, aunque resultaba mucho más interesante que las típicas sesiones de cine mudo con un pianista tocando un par de obras clásicas. Estaba pensando que ese debe ser seguramente el primer antecedente del VJing, algo así como el previjng o la prehistoria del vjing, si existe un precine, también debe existir eso... Aunque en el caso de la ‘musicación’ (¿existe esta palabra?) de piezas cinematográficas es la imagen lo que prevalece sobre el sonido.

La interacción imagen-música estaba bastante lograda, aunque la banda sonora era mucho más seductora en los momentos de maldad del Sr. Hyde que en los momentos de filantropía del Dr. Jekyll... La oscuridad suele ser más seductora, aunque siempre he pensado que la historia sería más interesante si Hyde fuese tan atractivo físicamente como Jekyll, ¿de dónde vendrá esa idea de identificar la belleza con la bondad? Sí, ya sé, de Platón... La fealdad, como el mal, es relativa, no es más que belleza rebelde y perversa, y que lo bello se identifique con el bien es sólo una idiosincrasia del Platón retórico.

http://www.devilmusic.org/

Tuesday, 1 May 2007

SONOIMAGENES 2007

La Universidad Nacional de Lanús – UNLa (Argentina) presenta la 8ª Edición del Festival Internacional Acusmático y Multimedial “Sonoimágenes” que se llevará a cabo entre el 28 y el 31 de Agosto de 2007.

Como todos los años, “Sonoimágenes” intenta convertirse en una muestra de obras destacadas en los campos de la música acusmática, mixta-interactiva, el procesamiento en tiempo real y la composición audiovisual. Como ya es habitual, los conciertos audiovisuales del Festival “Sonoimágenes” tendrán lugar tanto en el campus de la UNLa como en importantes salas de la Ciudad de Buenos Aires.

Todas las obras deben ser enviadas por correo, antes del 31 de Mayo de 2007.

http://www.sonoimagenes.netfirms.com

Saturday, 21 April 2007

Sensorama - Star Escalator

Star Escalator es uno de esos vídeos que ciñen las imágenes al sonido en un intento de sincronización prodigiosa. En este caso, la obra no llega al virtuosismo técnico de Gantz Graf de Autechre, que creo que sería el más claro ejemplo de virtuosismo sincrónico, pero desde luego tiene su gracia, mucho más lo-fi, eso sí.

Tuesday, 10 April 2007

Los mejores videoclips de la historia

Las listas suelen resultarme atractivas, especialmente cuanto más subjetivas y absurdas sean, si es que no lo son siempre. La serialización y la clasificación compulsiva sin sentido...

Aquí tenéis una bonita lista con los 100 mejores vídeos musicales de la historia, según la revista Stylus, con los vídeos correspondientes cortesía de YouTube. Esta clasificación es sólo una entre millones, así que no le doy ningún valor más allá que el de simple curiosidad.

http://www.stylusmagazine.com/articles/weekly_article/stylus-magazines-top-100-music-videos-of-all-time4.htm

Friday, 6 April 2007

Rhythmus

...soltarse de todos los estados del pasado y descubrir así la Forma espiritual abstracta del porvenir ------> Los Rhythmus de Hans Richter según Deleuze...

Rhythmus 21
http://www.youtube.com/watch?v=QEgULqLn5iU

Rhythmus 23
http://www.youtube.com/watch?v=EjM9SHZHdb8

Tuesday, 3 April 2007

La conversación

La conversación es una película de Coppola de 1974 que no tiene que ver especificamente con la música como imagen, pero es una de las pocas películas de Hollywood que me han llamado la atención por su utilización del sonido.

Se trata de una especie de versión de Blow Up de Antonioni, pero aquí la trama no gira en torno a una fotografía, sino a una fonografía. De hecho, se trata de un filme de suspense basado en la fragmentación del sonido. Es una película prácticamente sin banda sonora, aparte de un ruido/sonido casi continuo procedente de las grabaciones realizadas por el protagonista, un experto en vigilancia.

Creo que La conversación es una de las películas más interesantes de Coppola, pero por alguna extraña razón también una de las menos conocidas. Obsesiva, claustrofóbica y casi hiperrealista.

Wednesday, 28 March 2007

Sign o' the Times



Sing "O" The Times es un videoclip de Prince del año 1987 que para ilustrar la música juega simplemente con la letra de la canción y la tipografía.

El texto como imagen es una de mis obsesiones personales, así que este vídeo siempre me ha llamado la atención. Aunque se trata de una obra bastante sencilla, sin grandes efectos ni imágenes provocativas, creo que es uno de los vídeos más interesantes de los 80, una época en la que la imagen musical se inclinaba más bien hacia maquillajes y vestimentas llamativas sin demasiado interés.

Además de ser uno de los primeros clips que exploran lo que hoy se suele denominar motion graphics, demuestra perfectamente que una idea simple puede ser mucho más original y efectiva que algo espectacular.

El uso de la palabra escrita en los videoclips no era algo nuevo, ya en 1965 Bob Dylan salía en el clip de Subterranean Homesick Blues -quizás el vídeo musical más imitado- con unas cartulinas blancas con textos, pero allí también era importante la figura del cantante, de la que en este caso se prescinde completamente. Quizás la razón por la que Prince no aparece en el vídeo, y por la que se hace especial incapié en el texto, es que la canción es una reflexión sobre ciertos temas sociales/políticos, no un tema de amor y/o sexo, que al fin y al cabo es de lo que suelen hablar todas las canciones, incluso más las de Prince.

Saturday, 24 March 2007

Kill Your Timid Notion

Gracias al blog Visionary Film hoy me he enterado de que el mes que viene se celebra en Dundee (Escocia) un festival que explora las relaciones entre música, cine y arte visual.

Kill Your Timid Notion tendrá lugar, oficialmente, del 12 al 15 de abril, aunque el 7 y el 8 se ofrecen ya como aperitivo un par de talleres sobre cine sin cámara y manipulación de fotogramas.

El programa es interesante, así que voy a investigar dónde está Dundee exactamente, a ver si me voy de minivacaciones :)

http://www.arika.org.uk/kytn/2007/

Thursday, 22 March 2007

No hay nada más inexacto que las matemáticas

"I made a very bad mistake; I miscounted these scraps of information on the record as 92, and in continual homage to this man who had been so influential to me, I began creating or constructing my own films on this so-called "magic" number of 92 ... but when I eventually made a film about John Cage and met him, I explained this to him, and he found it very amusing because there are only 90 stories on the two sides of the record, and I'd based three years of my filmic career on this mathematical error!"

Peter Greenaway
On John Cage's Indeterminacy, from an interview in Art and Design, no. 49

http://www.amk.ca/quotations/peter-greenaway/

Wednesday, 21 March 2007

Tuxedomoon

Tuxedomoon es un grupo de vanguardia estadounidense de finales de los 70 al que soy incapaz de clasificar dentro de ningún estilo. Hace un par de años tuve la oportunidad de verlos en la sala Apolo de Barcelona, y además de resultar muy interesante musicalmente tenían unos de los visuales más llamativos que he visto nunca en un directo.

Aparte de los músicos, sobre el escenario había un artista (o lo que fuese, porque no sé quién era) con una videocámara Canon doméstica y unos cuantos objetos, líquidos, bandejas, papeles, etc, que iba grabando para crear los visuales en directo desde el propio escenario. No llevaba un equipo de alta tecnología, simplemente una cámara mini DV normalita y algunos cacharros, ni focos ni nada, pero la verdad es que las imágenes resultaban maravillosas, abstractas en ocasiones, imaginativas e hipnóticas.

Tuesday, 20 March 2007

Tristán e Isolda

Este verano estuve en Londres y había un par de exposiciones de Bill Viola con trabajos realizados para un montaje de la ópera Tristán e Isolda de Richard Wagner. Viola es uno de los vídeo-artistas más famosos, pero del que yo nunca había visto nada (miento, sí había visto algo, un vídeo que hizo para la gira de Nine Inch Nails de hace unos años).

La primera de las exposiciones eran unos cuantos vídeos colgados como si se tratase de cuadros, en pantallas planas pequeñas. Las imágenes prácticamente no se movían, y en ciertos momentos eran casi abstractas, pero había algo en ellas, algo hipnótico y místico que me atrapó, y allí me pasé horas y horas observando cómo una pareja nadaba bajo el agua o una mujer caminaba por el desierto. Creo que no tiene mucho sentido que explique exactamente lo que vi porque por mucho que me esmere no podré transmitir lo que sentí viendo esas imágenes.

Otro día fui a ver la otra exposición, que era más impresionante porque había una sala con una pantalla vertical gigantesca, y otra vez me pasé horas y horas atontada delante de sus imágenes.
Después le comenté a una conocida que había ido a ver las exposiciones y me habían encantado, y ella me contestó que había ido y no había aguantado ni cinco minutos, que era 'demasiado intelectual'. Demasiado intelectual... ¿Qué coño significa eso?

Monday, 19 March 2007

Música

Aparte de los vídeos musicales, que actualmente son una industria por sí solos, la música juega un papel importante en el trabajo de la mayoría de estudios que trabajan con diseño gráfico en movimiento. Incluso en los dias del cine mudo, las películas se acompañaban con música, y hoy en día la banda sonora puede hacer que una película sea un éxito o un fracaso. Y ¿te puedes imaginar los anuncios de la tele sin música?

Flips 5: music vs motion
http://www.gingkopress.com/

Friday, 16 March 2007

30 frames per second

Sí, 30, por ser el título de un libro americano (si fuera europeo hubiesen sido 25, cosas de la tecnología).

Estoy hablando del volumen Thirty Frames Per Second, The Visionary Art Of The Music Video, una especie de diccionario de directores editado con un diseño atractivo y bien cuidado, además de gran cantidad de imágenes a todo color. No es lo mismo que ver los vídeos, claro, pero es un buen recurso de información. Es del año 2000, aunque la mayoría de realizadores reconocidos de aquel entonces siguen siendo los mismos que los de este entonces...

http://www.hnabooks.com/product/show/1214

Thursday, 15 March 2007

Imagine

Imagine de John Lennon es un tema bastante famoso que supongo que todos habéis escuchado alguna que otra vez, e incluso visto el vídeo. Un vídeo sencillo de tonos pastel con Yoko Ono paseando alrededor de su marido mientras este canta y toca el piano. Nada especial, la verdad. No obstante, existe un segundo vídeo-clip para este tema que ha visto mucha menos gente y que es infinitamente más original e interesante. Se trata de una obra del artista Zbig Rybczynski.

En esta versión alternativa de Imagine de 1986 (copiada vilmente unos años más tarde por el grupo español Mecano, no recuerdo para que canción -ni falta que hace) vemos una panorámica aparentemente infinita por una serie de habitaciones idénticas en las que los personajes entran y salen, se aman, se separan, dan a luz y, en resumen, viven.

http://www.zbigvision.com/

Wednesday, 14 March 2007

Música en TV: la caja más tonta que nunca

¿Cuántos discos teneis en vuestra colección? ¿300? ¿500? ¿1000? Y de todos ellos... ¿cuantos habeis comprado después de haber visto a es grupo en televisión? ¿Es posible recopilar 600 discos sin que la televisión, el medio de difusión más importante del siglo XX y todavía del XXI, haya tenido una influencia absolutamente decisiva en la selección de la mayor parte del material?

Bueno, algo, algo... sí que habrá influido, ¿o no? No es que no salga ninguno de tus grupos favoritos en televisión, es que salen de uvas a peras. Y si enterarse de ello ya es difícil para un fan, pretender que la habitual audiencia de tipos como Saenz de Buruaga o Maria Teresa Campos, se entere de que hay una alternativa a Alejandro Sanz y Melody ... pues es misión imposible.

Desde que tenemos uso de razón recordamos muchos programas musicales en nuestra televisiones públicas, mucho presentador y presentadora tan mono y modelno como impresentable, muchos y diferentes formatos... Y nada de eso ha servido para que ni un solo programa haya adquirido la solera suficiente para convertirse en el referente de la prensa musical televisiva de nuestro país. Bueno, no del todo. Hay una excepción: en Cataluña, Sputnik, programa que ha alternado entre TV3 y el Canal 33 con diferente suerte desde hace muchísimos años.

En el resto de programas, la limitación de estilos, la confusión, la idioticia de los presentadores o los alucinantes horarios de emisión han provocado el abandono casi total por parte de los programadores, quienes no parecen interesados en ofrecer un programa musical que, sin contentar a todo el mundo (algo realmente difícil), por lo menos se mantenga con cierta dignidad en televisión.

Algunos de los programas más míticos que recordamos en los últimos 25 años de nuestra televisión son los siguientes:

Aplauso
A pesar de lo lejano que se me hace, este programa es lo más decente que recuerdo haber visto en nuestro país. Actuaciones en directo en el plató de grupos de primer nivel (Dire Straits, Status Quo, hasta Kiss... estamos hablando de finales de los 70s y principios de los 80s!!!), entrevistas realizadas en un inglés de Burgos, concursos de imitadores de Elvis, de John Travolta, el ballet de Giorgio Aresu,... Un show de lo más completo en la tarde de los sábados, y en prime time! Merecía la pena verlo mientras esperabas el comienzo de Los Angeles de Charlie...

Dos aspectos inolvidables: 1) la careta de presentación y que también aparecía en los intermedios con el jeto de Giorgio Aresu caricaturizado y con aquella música de fondo "Aplauso! Plas plas plas plas plas! Aplauso!!" Y 2) el descubrimiento para el gran público del "play back". Realmente patético ver al cantante de turno moviendo los labios tratando de mostrarse convincente, mientras en una esquina del televisor parpadeaba claramente la palabra "playback".

La Edad de Oro
Presentado por Paloma Chamorro y su cabello a lo afro, fue un programa rompedor por su propuesta vanguardista en plena época de la "transición democrática". Arte alternativo, punk, la "movida madrileña", Almodóvar, etc. Modernerío al alcance de todos.

Caja de Ritmos
Programa de corta vida que se fue definitivamente al garete tras la actuación más mítica jamás vista en Televisión Española: Las Vulpes, grupo punk exclusivamente femenino, cantando su Me Gusta Ser Una Zorra, versión cañí del I Wanna Be Your Dog de los Stooges. Demasiado para un país recién salido de una dictadura.

Tocata / A Tope / Rockopop
El mismo programa con diferentes nombres a lo largo de los 80s y principios de los 90s. Mantuvieron el tipo como sucesores de Aplauso. El concurso de Elvis se convertía ahora en concurso de break dance, con dignos participantes. Videoclips, entrevistas (especialmente recordada la realizada a Kris Novoselic de Nirvana, por Beatriz Pecker, con un inglés excelente, por fin!), más actuaciones en directo, reportajes,... Lo bueno se estaba acabando.

Plastic
Tinet Rovira (futuro presentador y guionista en Telecinco), David Bagés (actor de culebrones en Cataluña) y Marisol Galdón (habitual debatidora en Crónicas Marcianas), unos mozalbetes por entonces, presentaban este magazine musical salpicado de chistes y sketches que iban de lo ridículo a lo escatológico. De lo mejor: el concurso sobre conocimientos musicales donde los concursantes acaban totalmente pringados de spaghetti a la boloñesa o pintura. El programa alternó apariciones en el circuito cerrado catalán de Sant Cugat y el circuito abierto para toda España. Un lio.

Clip Clap Video
Como este programa, varios sucedáneos más. Programas marcados por su corto minutaje, su ubicación algo extraña dentro de la parrilla televisiva (en ocasiones en horario infantil), la presencia de presentador@s descerebrados y sin apenas idea de lo que hablaban, videoclips de lo más sobado... Comenzaba la decadencia.

La Quinta Marcha / Leña Al Mono
El horror, el horror... Las nuevas cadenas privadas se lanzaban al ruedo musical, y lo hacían apuntando a la gente más "marchosa" y "enrollada". La Quinta Marcha contó con Penélope Cruz y Jesús Vázquez como presentadores. ¿Hace falta decir más? Niñatos de estética "triunfador pijo" encocados hasta las cejas (es imposible que alguien en estado normal actúe como ellos) presentando los videoclips más "in" del momento. El rock, como si no existiese, evidentemente. Leña Al Mono fue más allá, llenando las matinales del sábado de música bakala. Este engendro encumbró a Paco Pil y Toni Aguilar como máximos gurús musicales de nuestro país. Hasta el punto de ser el propio Aguilar el anfitrión de la presentación oficial en España del video Unplugged In New York de Nirvana. Vivir para ver.

Zona Franca / Música Sí
¿Para qué perder el tiempo hablando de grupos que nadie escucha? Venga, hablemos de lo que más vende y punto. Este era el formato habitual de Los 40 Principales del Canal Plus. Televisión Española lo adaptó perfectamente. Sólo aparecen los grupos que más venden. Los demás, no existen. De nuevo los presentadores de escuela "fernandisco" y las presentadoras cuyo nivel de atractivo físico es inversamente proporcional a su capacidad de habla, te amargan la tarde. Siguiendo la pauta de los últimos tiempos, el rock tampoco existe en estos programas, a parte de Dover o algún que otro grupo nacional. Ofrecen actuaciones en directo en un plató plagado de adolescentes pastilleros. Da igual que actue Paulina Rubio o Radiohead.

Séptimo de Caballería / Séptimo
El súmum!! Admitámoslo, el programa tenía presupuesto, importantes medios técnicos y trató de desmarcarse de todo lo anteriormente visto en televisión. En definitiva, un programa que buscaba la calidad. ¿Qué falló entonces? Pues que aquello era el amiguismo puro elevado al cubo. El presentador de algo tan vanguardista no podía ser otro que Miguel Bosé, de siempre el David Bowie español. Y sus invitados habituales eran sus colegas de correrías: Víctor Manuel, Ana Belén, Pedro Guerra, Raphael, Rosana, Alejandro Sanz, Rocío Jurado, Raimundo Amador, Pancho Céspedes, bufff... la creme de la creme.

¿Artistas extranjeros? Sí, por supuesto, pero con una condición que parecía imprescindible: que el líder del grupo fuera homosexual o bisexual. Ahora mismo me vienen a la cabeza REM, Madonna y Placebo. La entrevista posterior de Bosé a Brian Molko fue de psiquiátrico.

Tanta calidad no fue digerida por la masa, y a parte del programa dedicado enteramente a Alejandro Sanz, que obtuvo un índice de audiencia muy elevado, el programa fue perdiendo protagonismo en La 2 de Televisión Española hasta el día de su desaparición. Si eras fan de toda esa música, el programa era realmente bueno. Si no...

Los conciertos de Radio 3
Lo más potable que podemos encontrar en la actualidad. Media hora diaria de actuación en directo de grupos de todos los estilos. Más producto nacional del que nos gustaría, pero sin olvidarse de grandes bandas internacionales que giran por nuestro país y que pasan por Radio 3 (Smashing Pumpkins, Fun Lovin' Criminals, Tori Amos,...). Lo más criticable (a parte de su infame horario de emisión): el público del plató. Cualquier maniquí del Zara transmite más vida. Actúan igual si tienen delante a Texas Terri, Manolo Kabezabolo o L7. Pero bueno, este espacio se gana el aprobado alto.

La situación en Cataluña

Oh! Bongonia / Miki Moto Clip / Miki Moto Club
Con el controvertido (odiado y amado a partes iguales) Miki Moto en su mejor momento al frente, TV3 ofreció estos programas de idéntico y original formato. La fórmula era muy simple: sesión continua de videoclips, y entre video y video ingeniosos comentarios (que casi siempre nada tenían que ver con música) del propio Miki Moto, de su colaborador el Doctor Soler, y secciones locas y en ocasiones muy brillantes como "Vidas Ejemplares". La desaparición de Miki Moto de TV3 (cayó en desgracia tras montar en otro espacio ciertas coñas a la salud de la Infanta Elena) acabó también con el programa.

Sputnik
Punto y aparte entre los programas musicales de nuestro país. En la actualidad está ubicado en horario nocturno, pero durante años ha sido uno de los programas más emblemáticos de la cadena autonómica catalana. En él han trabajado críticos musicales tan carismáticos y queridos por todos como Nando Cruz (El Periódico de Catalunya) y Luís Hidalgo (de El País). Ha pasado por diversas fases de mayor o menor brillantez, pero en él hemos disfrutado de videoclips de Pearl Jam, Nirvana, Soundgarden, Alice In Chains (aunque años después rajasen del movimiento grunge en un funesto reportaje), Metallica, Faith No More, Ministry, Anthrax, U2, Ben Harper, Red Hot Chili Peppers... en fin, variedad. Como peaje, teníamos que tragarnos un video clip catalán por cada 2 o 3 extranjeros. Tela marinera. Allí conocimos a bandas del pelaje de Neatle's Miris, Lliris, Whikeys'n'Collons, Tancat Per Defunció, Bars, los sempiternos Sopa de Cabra, etc... grupos de alto nivel a los que no hace falta presentación, ¿no? ¿O sí?

Sputnik también ofrece una buena selección de conciertos semanalmente, aunque nunca suelen darlos completos, lo que le quita bastante gracia al asunto. Entre los más recordados están el de Guns'n'Roses en el NY Ritz (1988) y el de The Cult en Zeleste (1994). Otros músicos de los que hemos visto conciertos en Sputnik son, por ejemplo, Neil Young, Mark Knopfler, Jeff Buckley, AC/DC, The Band, Filter, Nirvana... Más tarde Sputnik encontró un filón en el Festival Doctor Music de Escalarre, y solía ofrecer a lo largo del año las actuaciones de los diferentes grupos en dicho festival. Si tenemos en cuenta que a parte de la primera edición, el resto de años el cartel fue mediocre...

Sputnik, sin embargo, no se ha librado nunca de una característica esencial en todo programa musical: los presentadores. A parte de Santi Faro, de quien pienso personalmente (y sé que no hay muchos que piensen como yo) que no lo hizo del todo mal en las primeras temporadas del programa, las cosas nunca han pintado bien tampoco en Sputnik. Después de Faro llegó aquella troupe de 5 o 6 chavales superenrollados y ultrafashion (entre los que estaba Jose Miguel Cruz, el mítico presentador del increible Sábanas Con Chinchetas, programa radiofónico de Radio Hospitalet que merece un artículo aparte) de quienes teníamos que aguantar unos monólogos de vergüenza ajena antes de cada videoclip.

Tras ellos llegó la parejita. Una chica muy modelna Tània Sàrrias, que ahora trabaja con Julia Otero en un programa de sobremesa, y mi ídolo personal: Bruno Sokolowicz. Personaje de lo más deplorable, fan del techno y con pinta de sobrado, obliga a bajar el volumen del televisor cada vez que aparece en pantalla. Las ha dicho muy gordas, como por ejemplo decir que los baterías de los grupos de rock suelen ser "los tontos del grupo". Que se lo diga a la cara a Danny Carey o a Greg Upchurch. Sokolowicz compagina sus labores en Sputnik con brillantes intervenciones como jurado en Lluvia de Estrellas de Antena 3, o también en el programa, ya desaparecido, de cazatalentos que presentaban Juan Imedio y Lolita.

Nekén - 14.11.2001

http://www.riff-fanzine.com/InfoArticulo.php?idArticulo=77